Dozierende BDB-Musikakademie

1967 in Frankreich geboren, beschäftigt sich Thierry Abramovici seit seiner Kindheit mit Musik. Nach seinem Studium im Fach Horn an der Musikhochschule Freiburg wurde er Preisträger bei zahlreichen internationalen Kammermusikwettbewerben. Im Februar 2009 schloss er das Studium im Fach Blasorchesterdirektion erfolgreich ab. Neben dem Verbandsblechbläserensemble dirigiert er den Musikverein Freiburg-Zähringen und die Winzerkapelle Oberbergen. Er ist zudem regelmäßig beim Bund Deutscher Blasmusikverbände als Dozent für Orchesterleitung tätig.

Stefan Albrecht studierte „Musik und Medien“ an der Robert Schumann Hochschule in Düsseldorf und arbeitete zunächst ein Jahr als Tonmeister an der Staatsoper Stuttgart, bevor er zusätzlich ein Teil des Tonmeisterteams der Bauer Studios wurde. Als aktiver Tubist sind Produktionen von Bläserensembles jeglicher Art seine Leidenschaft. Ob sinfonische Besetzungen wie Orchester oder Brassbands, klassische Kammermusik-Besetzungen oder Blasmusik und Egerländer Formationen: hier kann Stefan sein Einfühlungsvermögen und Verständnis für Bläserinnen und Bläser voll anwenden. Außerdem ist er mitverantwortlich für den Live-Sound von sowohl Ernst Hutter, als auch Alexander Wurz & die Egerländer Musikanten.

Mathias Allin hat in Freiburg und Hannover studiert, wo er als Student von Frau Prof. Greiss-Armin die künstlerische Reifeprüfung ablegte. Sehr wesentlich für seine musikalische Entwicklung waren der Kammermusikunterricht bei Ingo Goritzki und Friedrich von Haussegger, die langjährige Zusammenarbeit mit seinem Duopartner, dem Pianisten Karl Bergemann, Meisterkurse bei Peter-Lukas Graf und vor allem seine Zusammenarbeit mit Prof. Renate Greiss-Armin an der Musikhochschule Karlsruhe, wo er seit 1987 als Dozent für Querflöte und Bläserkammermusik und jetzt als Mitarbeiter von Prof. Pirmin Grehl tätig ist. Im Zentrum seiner Arbeit als Lehrer steht der Versuch, über das Verständnis der Werkstruktur, Wege zur Lösung von musikalischen und instrumentalen Schwierigkeiten zu finden.

Freddy Andrej (*1990), wohnhaft in München, studierte von 2014 bis 2018 Bachelor Jazz-Posaune an der Musikhochschule Mannheim bei Felix Fromm. Danach studierte er Master Jazz-Bassposaune am renommierten Conservatorium van Amsterdam bei Martin van den Berg und der Bassposaunen-Legende Erik van Lier.

2015 gründete er die heute deutschlandweit gefragte Brassband Brass2Go und managte sie bis zu seinem Ausstieg 2022. 2021 schloss Freddy sein Masterstudium ab. 2022 veröffentlicht er sein internationales Debütalbum „Home Is Where Your Bone Is“ mit Bill Reichenbach, John Fedchock und Felix Fromm. Es war mehrere Monate in den US Jazz Charts platziert.

In seiner bisherigen Karriere konnte Freddy bereits mit vielen namhaften Bands und Ensembles zusammenarbeiten: Trombones of L.A., Sunday Night Orchestra, John Fedchock, Andy Martin, Bill Reichenbach, Bob Mintzer, Christian Elsässer Jazz Orchestra, John Clayton, Jazzorchestra of the Concertgebouw, Moop Mama, Dianne Reeves, Erik van Lier, Matthias Bublath, Gregor Hübner, Dennis Mackrel, Munich Composers Collective, Michael Mossman, Justin DiCioccio, Oktoberfest München, DeeDee Bridgewater, The Real Group, Martin van den Berg, Bart van Lier, Gerald Clayton, Fay Claasen, Sheamus Blake, Ben van Gelder, Jesse Passenier, Konrad Kosseleck Big Band, Peter Beets & Henk Meutgeert New Jazz Orchestra, Wiener Sängerknaben u.v.m.

Álvaro Arias studierte klassisches Saxophon an der Hochschule für Musik der Balearen (Palma de Mallorca) bei Rodrigo Vila und David Brutti, wo er seinen Bachelor mit Auszeichnung in Saxophon und Kammermusik abschloss. Seinen Master erhielt er an der Hochschule für Musik und Tanz Köln mit Auszeichnung bei Prof. Daniel Gauthier. Sein großes Interesse an unterschiedlichsten Stilen führte ihn 2018 zu Roger Hanschel an die Hochschule für Musik und Tanz Köln, wo er derzeit seinen Bachelor im Fach Jazz-Saxophon absolviert. Viel Input holte er sich bei Meisterkursen von internationalen Musikern wie Jean-Marie Londeix, Marie-Bernardette Charrier, Arno Bornkamp, François Rossé, Christian Lauba, Richard Ducros, Marcus Weiss, Lars Mlekusch, Mario Caroli, Etienne Rolain, Carl-Emmanuel Fisbach, Henrique Portovedo, Alberto Posadas, Jesús Torres, Fukio Quartett und Jeff Vickers. In zahlreichen nationalen und internationalen Wettbewerben machte Álvaro sowohl als Solist als auch in verschiedenen Kammermusikbesetzungen auf sich aufmerksam. So gewann er den ersten Preis im Internationalen Saxophonwettbewerb "Ramon Guzman" (Santiago de Compostela) sowie weitere erste und zweite Preise bei Internationalen Kammermusikwettbewerben in Tarragona, Valencia, Castellón und Granada. Er ist Mitglied des Thesis Saxophonquartetts, mit dem er auf zahlreichen nationalen Festivals in Spanien gespielt hat. Dazu zählen z.B. das ME_MMIX Neue Musik Festival (Palma de Mallorca), das 36th International „Deià“ Musik Festival (Mallorca), das 7th Mallorca Saxophone Festival (Palma de Mallorca), oder die Zusammenarbeit mit der Eutherpe Foundation in der Konzertsaison 2017-18. Seine weiteren Ensembles sind das Forseti Saxophonquartet seit 2019 und das Duo Dois Sons (Saxophon und Gitarre) seit 2018. Als Orchestermusiker spielte er 2017 bei der Junge Deutsche Philharmonie, im Landespolizeiorchester NRW in der Saison 2018-19 und ist ständige Aushilfe im Spanischen Nationalen Orchesters (ONE). Seiner leidenschaftlichen Unterrichtstätigkeit geht er an der Ster-Art Musikschule in Leverkusen, als auch an der Pro-Musica Musikschule in Jüchen nach.

Fabienne Arnold begann ihre Hornausbildung im Alter von 9 Jahren bei ihrem Vater Prof. Peter Arnold mit anschließendem Studium der Orchestermusik und der Musikpädagogik an der Musikhochschule Mannheim. Nach einem Engagement bei den Bochumer Symphonikern im Jahr 2009 war Fabienne ab der Saison 2009/2010 Stipendiatin der Orchesterakademie Rhein-Neckar. Mittlerweile ist sie in Baden-Württemberg als anerkannte Pädagogin tätig. Zahlreiche Wettbewerbspreise ihrer Schüler sind Resultat dieser erfolgreichen Arbeit.

Markus Arnold ist ein Musiker aus Leidenschaft und der Erfinder und Entwickler des Buzz-R Ansatztrainers. Seit mehr als 40 Jahren experimentiert er mit dem Buzz-R und hat ihn aus einem Abflusspömpel und einem Mundstück gebaut. In Verbindung mit dem richtigen Klangholz hat sich der Buzz-R als ein toller Ansatztrainer für viele Anfänger, Laienmusiker und Profimusiker bewährt. Markus Arnold ist ein vielseitiger Trompeter und hat in seiner musikalischen Karriere viele Erfolge erzielt. Mit seinem Know-how bietet er Trompetenworkshops an, in denen er die Fähigkeiten der Ausdauer, Höhe und Flexibilität lehrt. Zudem ist er auch als Ausbilder für Trompete und Tenorhorn tätig und bietet individuellen Unterricht an.

Thomas Arnold studierte Gitarre und Elementare Musikpädagogik (EMP) an der Musikhochschule in Freiburg. 1999 bis 2004 gab er Unterricht und war Fachbereichsleiter EMP an der Musikschule Freiburg. Seit 2002 ist er in der Erzieherausbildung als Lehrer an der Ev. Fachschule für Sozialpädagogik in Freiburg tätig. Seit 2006 ist er Lehrgangsleiter der Zusatzqualifikation „Singen mit Kindern“ an der BDB-Musikakademie in Staufen. Zudem ist er als freischaffender Dozent und Konzertmusiker in verschiedenen Bereichen tätig.

Øystein Baadsvik ist ein weltbekannter Tuba-Künstler und Lehrer, Dirigent, Komponist und Arrangeur. Von den Hörern von Classic FM wurde er in die Top-Ten der Blechbläser gewählt. Er hielt den ersten TED Talk zum Thema Tuba und ist auf YouTube mit mehr als 6 Millionen Klicks einer der populärsten klassischen Musiker. Seine facettenreiche musikalische als Solist und Studiokünstler führte ihn rund um den Globus. Øystein Baadsvik wurde in 1966 in Trondheim, Norwegen, geboren. Er hat bei Michael Lind an der Königlichen Musikhochschule in Stockholm studiert und seine Studien in privaten Unterrichtsstunden bei John Fletcher, Roger Bobo, Harvey Phillips und Arnold Jacobs fortgeführt. 1993 erteilte ihm die The Swedish Academy of Music das umfangreichste Stipendium, das jemals einem Blechbläser in Schweden angeboten wurde. 1991 gewann Baadsvik zwei Preise in dem prestigeträchtigen internationalen Solistenwettbewerb in Genf. Sein erste Solo-CD erhielt in internationalen Musikzeitschriften ausgezeichnete Rezensionen und etabliert Baadsvik als einen „der besten Tuba-Solisten in der Welt“. Baadsvik realisiert zahlreiche Uraufführungen neuer Werke für Tuba von Komponisten aus den USA, Russland, der Schweiz, Norwegen und Schweden. Baadsvik hat schon Vorträge und Clincs in den USA, Japan, Australien und überall in Europa abgehalten und trat in mehreren Ländern im Radio und Fernsehen auf. Baadsvik hat auch ein großes Interesse am Unterrichten und unterrichtet regelmäßig in Meisterkursen und Clinics an großen Universitäten weltweit. Seit einigen Jahren kombiniert er außerdem das Tubaspielen mit dem Dirigieren und war schon Gastdirigent bei mehreren professionellen Sinfonieorchestern und sinfonischen Blasorchestern.

Damien Bachmann wurde in Genf in eine Musikerfamilie geboren und hat sich als herausragender Klarinettist etabliert. Er ist Preisträger von über 20 nationalen und internationalen Wettbewerben und tritt regelmäßig auf bedeutenden Bühnen in Europa und Asien auf. Die Presse lobt sein Spiel begeistert: Er wird als „begnadeter Musiker“ beschrieben, dem „Leichtigkeit und grenzenlose Freiheit im Spiel“ zugesprochen wird, sowie als „phänomenaler Klarinettist in Ausdruckskraft und Virtuosität“ (Cronica Muzicala, 2020) mit einem „betörenden Spiel“ (Pizzicato, 2023). Seine Kammermusikpartner sind u.a. Janine Jansen, Gilles Apap und das Quatuor Ébène. Dank seiner stilistischen Vielseitigkeit ist er ein gefragter Solist, insbesondere für Werke im Jazz- und Klezmerstil. Damien Bachmann begeisterte unter anderem beim Paléo Festival in Nyon 2025 (CH), wo er Artie Shaws Klarinettenkonzert vor über 15.000 Zuhörern spielte. Als Solist tritt er mit renommierten Orchestern wie dem Sinfonieorchester Basel, dem Orchestre de Chambre de Genève, dem Zürcher Kammerorchester, der Sinfonia Wallis sowie dem Ensemble Symphonique de Neuchâtel auf. Als Lehrer an der Musik Akademie der Stadt Basel teilt er sein Wissen auch international in Meisterkursen und ist regelmäßig Juror bei internationalen Wettbewerben.Als Soloklarinettist der CHAARTS Chamber Artists ist Damien Bachmann offizieller Künstler von Buffet Crampon und spielt auf Tosca- sowie Prestige-Modellen der französischen Marke. english version: Damien Bachmann was born in Geneva into a family of musicians and is recognised as one of the leading clarinetists of his generation. A laureate of more than 20 national and international competitions, he performs regularly on major stages throughout Europe and Asia. Critics have been unanimous in their praise, describing him as a “gifted musician” with “effortless ease and boundless freedom,” (24H, CH 2018) and as a “phenomenal clarinetist of remarkable expressivity and virtuosity” (Cronica Muzicala, 2020), with “captivating playing” (Pizzicato, 2023). His chamber music partners include distinguished artists such as Janine Jansen, Gilles Apap and the Quatuor Ébène. Known for his stylistic versatility, he is particularly sought after for repertoire that spans classical, jazz and klezmer traditions. In 2025 he captivated an audience of over 15,000 at the Paléo Festival in Nyon with a performance of Artie Shaw’s Clarinet Concerto. Damien’s discography includes albums released on Ars Produktion, Avie Records and Indésens Calliope Records. His recordings and performances — from works by Schnyder and Kovács to Weber and Schubert — have received excellent critical acclaim across specialist media and review platforms. As a soloist he appears with leading orchestras including the Sinfonieorchester Basel, the Orchestre de Chambre de Genève, the Zürcher Kammerorchester, the Sinfonia Wallis and the Ensemble Symphonique de Neuchâtel. He is a teacher at the Musik Akademie der Stadt Basel, where he combines teaching with an active international schedule of masterclasses, and he regularly serves as a juror at international competitions. As principal clarinet of CHAARTS Chamber Artists, Damien Bachmann is an official artist of Buffet Crampon, performing on Tosca and Prestige models from the French maker.

Susanne Bader  wohnt und arbeitet in Bretten im Raum Karlsruhe. Neben Familie und Beruf engagiert sie sich beim Blasmusikverband Karlsruhe im Bereich der JMLA Lehrgänge, dirigiert als städtische Musikdirektorin den Musikverein Ludwigsburg- Oßweil/ Stadtkapelle Ludwigsburg war bis Anfang 2024 im Team Dirigentin des SJBO Karlsruhe.

Noch während ihres Studiums der Orchestermusik mit Hauptfach Posaune bei Paul Schreckenberger und dem anschließendem Meisterklassenexamen bei Ehrhard Wetz an der „Hochschule für Musik und Kunst Mannheim“ hat sie 2001 begonnen an der Jugendmusikschule „Unterer Kraichgau Bretten e.V.“ zu unterrichten. Zahlreiche Schüler ihrer Klasse waren bei „Jugend- musiziert“ bis zum Bundeswettbewerb erfolgreich, sind inzwischen selbst Berufsmusiker oder spielen in diversen Orchestern

Regelmäßig wird sie für Juroren- Tätigkeiten bei „Jugend- musiziert“ und Coachings bei diversen Vereinen und Orchestern engagiert.

2019 schloß Susanne Bader Alex Schillings´ privaten Studiengang „Metafoor- Coaching“ an der BDB- Akademie mit sehr gutem Erfolg ab.

Motivierende Förderung des Nachwuchses und lebenslanges Lernen sind die Grundlagen ihrer Arbeit als Pädagogin und Mentorin.

Den neuen Herausforderungen im Rahmen ihrer Anstellung als Jugendbildungsreferentin und zusätzlich die Leitung des Fachbereichs JMLA bei der BDB- Bläserjugend stellt sie sich nur zu gern und freut sich auf viele Begegnungen, Gespräche, Workshops und Musik beim BDB.

Der französische Klarinettist Nicolas Baldeyrou hat sich in den letzten Jahren selbstverständlich als einer der bemerkenswertesten Solisten seiner Generation etabliert. Dieser „Konzertkünstler, der für jede Herausforderung gerüstet ist“ (Diapason), bahnt sich einen einzigartigen Weg in der heutigen Musiklandschaft und beweist eine Meisterschaft und Vielseitigkeit, die Epochen und Stile überwindet, und navigiert mit Leichtigkeit durch alle Repertoires, sowohl auf historischen als auch auf modernen Instrumenten.

Er gewann prestigeträchtige Wettbewerbe wie den Münchner ARD-Wettbewerb in München (Deutschland), den Dos Hermanas Wettbewerb in Sevilla (Spanien) und schließlich die ICA Young Artist Competition (USA), die ihm die Türen der renommiertesten Konzertsäle auf der ganzen Welt öffneten – Carnegie Hall in New York, Amsterdam Concertgebouw, Philharmonie de Paris, Salzburg Mozarteum, Wiener Konzerthaus, Bunkamura Orchard Hall in Tokio, Großer Saal des Moskauer Konservatoriums.

Als Solist wird er regelmäßig zu renommierten Orchestern eingeladen: Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre National de France, Tschechische Philharmonie, Sinfonia Varsovia und St. Petersburger Philharmoniker. Er begann seine Karriere in sehr jungen Jahren und hatte die Möglichkeit, mit legendären Dirigenten zusammenzuarbeiten – Carlo-Maria Giulini, Claudio Abbado, Bernard Haitink, Kurt Masur. Aktuell tritt Nicolas mit Myung-Whun Chung, Alain Altinoglu, Pablo Heras Casado, Mikko Franck und Fabien Gabel auf.

Nicolas Baldeyrou ist einer der gefragtesten Partner in der Kammermusik – er teilte die Bühne mit Musikern wie den Pianisten Bertrand Chamayou, Nikolai Lugansky; die Geiger Renaud Capuçon, Svetlin Roussev; der Bratschist Antoine Tamestit; Modigliani-, Ébène- und Chiaroscuro-Quartett.

Die Begegnung mit Nikolaus Harnoncourt und Sir Roger Norrington erwies sich als Schock für sein musikalisches Leben und führte dazu, dass er sich für historische Instrumente interessierte und immer wieder nach mehr Authentizität in seinen historisch informierten Interpretationen suchte. In jüngster Zeit trat Nicolas als Solist auf historischen Instrumenten mit den Musiciens du Louvre-Marc Minkowski und dem Concert de la Loge unter der Leitung von Julien Chauvin auf. Außerdem hat er einen Fünfjahresvertrag mit Alpha Classics unterzeichnet, um Mozarts gesamte Musik für Klarinette aufzunehmen, einschließlich der Konzert- und Kammermusik und ausschließlich mit historischen Instrumenten.

Zu seinen jüngsten Auftritten zählte Nicolas seine Zusammenarbeit mit dem Orchester des Nationaltheaters Mannheim mit Benjamin Reiners, dem Istanbul State Symphony Orchestra unter der Leitung von Thomas Rösner, dem ADDA Simfònica und Rune Bergmann im Auditorio de la Diputación de Alicante. Er wurde auch zu renommierten Festivals eingeladen: Festival Ravel in Saint-Jean-de-Luz, Colmar International Festival, Les coups de Cœur in Château de Chantilly, wo er die Bühne mit Martha Argerich, Gérard Caussé und Edgard Moreau teilte.

Seine breit gefächerte und vielseitige Diskographie deckt alle Aspekte des Klarinettenrepertoires ab – von den frühen Werken auf historischen Instrumenten bis hin zum radikalsten zeitgenössischen Repertoire. Jedes seiner Alben wurde hoch gelobt und gewann alle wichtigen französischen Preise.

Nicolas Baldeyrou absolvierte die CNSMD in Paris (Klasse von Michel Arrignon, Jérôme Julien-Laferrière und Jean-Noël Crocq für Bassklarinette). Seit 2007 hat er den Klarinettenlehrstuhl am CNSM in Lyon inne und ist seit 2019 Gastprofessor am Royal Conservatoire of Scotland. Außerdem ist er stark in die Forschung und Entwicklung des berühmten Blasinstrumentenherstellers Buffet Crampon eingebunden, dessen Botschafter und Tester er seit 2006 ist. Nicolas ist auch ein Vandoren-Künstler.

Gert Balzer verfügt über eine langjährige und vielseitige Erfahrung im Bereich der Musikpädagogik und Lehrerbildung. Von 2004 bis 2016 war er als Grund- und Werkrealschullehrer tätig. Parallel übernahm er von 2009 bis 2016 Aufgaben als Fachleiter für Musik sowie als Lehrbeauftragter für Mathematik und Pädagogik am Seminar für Ausbildung und Lehrerbildung in Lörrach und begleitete dort über viele Jahre die Ausbildung angehender Lehrkräfte. Darüber hinaus leitete er zahlreiche Fortbildungen und Workshops zum Thema qualitätsvoller Musikunterricht und gründete mit Kollegen 2008 die Plattform daskreativeklassenzimmer.de, auf der er praxisorientierte Handreichungen und Materialien für Lehrkräfte entwickelt und veröffentlicht. Seit 2016 ist er Geschäftsführer des Musikinstituts der Pädagogischen Hochschule Freiburg, Mitglied des Leitungsteams sowie in der Lehre der Musikdidaktik und Musikwissenschaft tätig. Mit der Entwicklung des farbkodierten Instrumentariums Soundbellows im Jahr 2020 setzte er zudem eine musikpädagogische Innovation um, die mittlerweile international Beachtung findet und erfolgreich vertrieben wird.

Entspannt Musik machen – das ist Mirjam Barnicols Leidenschaft. Sie liebt es, in die Stimmung eines Songs einzutauchen, Leistungsgedanken beiseite zu lassen und einfach das zu machen, was Freude bringt. Im Sommer 2018 fiel Mirjams Blick auf die Ukulele von ihrem Sohn, die unberührt in der Ecke seines Zimmers lag. Sie nahm sie in die Hand und begann die ersten Akkorde zu spielen. Schnell merkte sie, wie all ihre musikalischen Erfahrungen – Gesang, Schlagzeug, Klavier und Stepptanz – zusammenflossen und die ersten Lieder erklangen. Seitdem ist sie der Ukulele treu geblieben und entdeckt immer wieder neu, was mit diesem kleinen Instrument alles möglich ist. Seit 1993 war Mirjam Barnicol im ganzen deutschsprachigen Raum als Stepptänzerin mit verschiedenen Ensembles unterwegs, u.a. Tap for 2, Hannover Bigband, Steppin' Out, Jazzchor Freiburg. 2023 lernte Mirjam mit ihrer Ukulele den Gitarristen Notker Tilgner und den Bassisten Thomas Elgner kennen. Es entstand die Band NoMiTho. Mirjam hat über 30 Jahre Erfahrung im Unterrichten und in der Leitung von Gruppen. Davon profitieren sowohl ihre Stepptanzgruppen, als auch die Ukulelegruppen. Sie weiß, wie es möglich ist, in kürzester Zeit die ersten Schritte zu machen und gibt das gerne weiter.

Der Klarinettist Pablo Barragán ist bekannt für seinen raffinierten Klang, gepaart mit hohem technischem Können, Bühnencharisma und einer grenzenlosen Neugierde für die programmatische Gestaltung seiner Auftritte. Pablo bekam seine Ausbildung am Konservatorium von Sevilla bei Antonio Salguero und bei Matthias Glander an der Fundación Barenboim-Said in Sevilla. Er ist unter anderem Gewinner des Prix Crédit Suisse Jeunes Solistes 2013. Er hat mit Orchestern wie dem Bruckner Orchester Linz, dem Janacek Philharmonic Orchestra, dem Franz Liszt Kammerorchester, dem Barcelona Symphony Orchestra, den Hamburger Symphonikern, dem Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española und der Slowakischen Philharmonie unter Dirigenten wie Anja Bihlmaier, Istvan Vardai, Thomas Dausgaard, Daniel Raiskin, Zsolt Hamar und vielen anderen zusammengearbeitet. Pablo gehört zu den gefragtesten Klarinettisten und Kammermusikpartnern. Er hat die Ehre, mit wunderbaren Musiker:innen wie Elena Bashkirova, Beatrice Rana, Kian Soltani, Yuliana Avdeeva, Emmanuel Pahud, dem Modigliani Quartett, dem Sitkovetsky Trio, dem Cremona Quartett, dem Schumann Quartett regelmäßig zusammenzuarbeiten. Zu seinen Kammermusikeinladungen gehören Auftritte in der Elbphilharmonie Hamburg, der Philharmonie Köln, dem Konzerthaus Dortmund, dem Rheingau Musik Festival, Classiche Form, dem Martha Argerich Festival, der Wigmore Hall London und der Tonhalle Zürich. In der Saison 2025/26 wird Pablo Barragán mehrere Solokonzerte mit Orchester geben, so eröffnet er die Saison des Kölner Kammerorchesters unter der Leitung von Christoph Poppen mit gleich zwei Klarinettenkonzerten: Hartmanns Kammerkonzert und Mozarts Klarinettenkonzert. Weitere Orchesterengagements folgen mit den Baden-Baden Philharmonikern, dem Orquesta Sinfónica de Castilla y León unter der Leitung von Vasily Petrenko, dem Janáček Philharmonic Ostrava unter der Leitung von Tania Miller, dem NFM Leopoldinum Orchester Wrocław unter der Leitung von Michael Collins, und dem Franz Liszt Kammerorchester in Südamerika. Als gefragter und beliebter Kammermusiker wird er gemeinsam mit dem Modigliani Quartett in der Elbphilharmonie Hamburg und in der Alten Oper Frankfurt auftreten, gemeinsam mit dem Jerusalem Chamber Music Festival Ensemble in Cremona beim Stradivari Festival und in Maribor zu hören sein. Verbunden mit seiner zuletzt erschienenen Aufnahme „Balagan” , die unter internationalen Musikkritikern sehr beliebt ist, ist er gemeinsam mit Noa Wildschut und Amadeus Wiesensee zu Gast im Brucknerhaus Linz, dem Lugano Arts Centre und in der Wigmore Hall London. Pablos Neugier und kreativer Geist spiegeln sich auch in seinen jüngsten zwei veröffentlichten Aufnahmen, SZINERGIA und BALAGAN. BALAGAN, erschienen im Juli 2024 bei Accentus Label, setzt ein Fokus auf Werke jüdischer Komponisten des 20. Jahrhunderts, darunter Paul Schoenfield, Ernest Bloch, Claude Vivier und Darius Milhaud. SZINERGIA, erschienenen im Oktober 2024, präsentiert Pablos erste Aufnahme mit Kammerorchester, in diesem Fall dem Franz Liszt Kammerorchester. Im Mittelpunkt der Aufnahme steht Hartmanns Kammerkonzert und spannende Arrangements von Bartoks Rumänischen Tänzen, Weiners Divertimento, Kodalys Doppeltanz und Paco de Lucias Callejon del Muro. Seit 2020 ist Pablo Barragán als Professor an der Barenboim-Said Akademie in Sevilla und bei zahlreichen Meisterkursen wie beispielsweise in der Escuela Superior de Música Reina Sofía in Madrid tätig. Er ist auch ein Künstler des Klarinettenherstellers Buffet Crampons und spielt ein Instrument des Modells RC Prestige. The clarinetist, Pablo Barragán is recognised for his refined sound paired with a high skill of craftsmanship, stage charisma and boundless curiosity for the programming of his performances. Pablo trained at the Seville Conservatory with Antonio Salguero and with Matthias Glander at the Fundación Barenboim-Said in Seville. He is the winner of the Prix Crédit Suisse Jeunes Solistes in 2013, amongst other competitions. He has worked with orchestras such as the Brucknerhaus Orchestra Linz, the Barcelona Symphony Orchestra, the Hamburg Symphony Orchestra, the Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, the Slovak Philharmonic Orchestra with conductors such as Anja Bihlmaier, Thomas Dausgaard, Daniel Raiskin, and Zsolt Hamar. Pablo is one of the most sought-after clarinettists and chamber music partners. He holds the honour of working regularly with wonderful musicians such as Elena Bashkirova, Beatrice Rana, Kian Soltani, Yuliana Avdeeva, Emmanuel Pahud, the Modigliani Quartet, the Sitkovetsky Trio, the Cremona Quartet and the Schumann Quartet. His chamber music invitations include performances at the Elbphilharmonie Hamburg, the Philharmonie Köln, the Konzerthaus Dortmund, the Rheingau Music Festival, Classiche Form, the Martha Argerich Festival, the Wigmore Hall London and the Tonhalle Zurich. In the 2025/26 season, Pablo Barragán will perform several solo concerts with orchestra, opening the Cologne Chamber Orchestra's season under the direction of Christoph Poppen with two clarinet concertos: Hartmann's Chamber Concerto and Mozart's Clarinet Concerto. Further orchestral engagements will follow with the Baden- Baden Philharmonic, the Orquesta Sinfónica de Castilla y León under the direction of Vasily Petrenko, the Janáček Philharmonic Ostrava under the direction of Tania Miller, the NFM Leopoldinum Orchestra Wrocław under the direction of Michael Collins, and the Franz Liszt Chamber Orchestra in South America. As a sought-after chamber musician, he will be performing with the Modigliani Quartet at the Elbphilharmonie Hamburg and the Alte Oper Frankfurt, as well as with the Jerusalem Chamber Music Festival Ensemble at the Stradivari Festival in Cremona and in Maribor. In connection with his latest recording ‘Balagan’, which is very popular among international music critics, he will be a guest at the Brucknerhaus Linz, the Lugano Arts Centre and the Wigmore Hall London together with Noa Wildschut and Amadeus Wiesensee. Pablo's curiosity and creative spirit are also reflected in his two most recently released recordings, SZINERGIA and BALAGAN. BALAGAN, released in July 2024 on the Accentus label, focuses on works by 20th century Jewish composers including Paul Schoenfield, Ernest Bloch, Claude Vivier and Darius Milhaud. SZINERGIA, released in October 2024, presents Pablo's first recording with chamber orchestra, in this case the Franz Liszt Chamber Orchestra. The recording centres on Hartmann's Chamber Concerto and exciting arrangements of Bartok's Romanian Dances, Weiner's Divertimento, Kodaly's Double Dance and Paco de Lucia's Callejon del Muro. Since 2020 Pablo Barragán has been a Professor at the Barenboim-Said Academy in Seville and at masterclasses such as Escuela Superior de Música Reina Sofía in Madrid. He is also an artist of the Buffet Crampons clarinet manufacturer and plays an instrument of the RC Prestige model.

François Bastian wurde 1987 in Forbach (F) geboren. Seine musikalische Ausbildung begann er im Alter von fünf Jahren an der Musikschule Forbach, wo er Horn- und Schlagzeugunterricht erhielt. 2003 wurde er Jungstudent an der Hochschule für Musik in Mannheim bei Prof. Peter Arnold und ein Jahr später an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main bei Prof. Sibylle Mahni. Nach seinem Abitur in Frankreich begann er 2005 sein Studium an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin in der Klasse von Prof. Marie-Luise Neunecker. In dieser Zeit war er Mitglied des Schleswig-Holstein Festivalorchesters und spielte mit der Jungen Deutschen Philharmonie. Von 2008 bis 2009 war François Bastian Stipendiat der Orchesterakademie des Bayerischen Rundfunks. Seit 2009 ist François Bastian zweiter Hornist im Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, seit 2015 außerdem Mitglied des Bayreuther Festspielorchesters. Er spielt regelmäßig mit den Berliner Philharmonikern, dem Orchester der Bayerischen Staatsoper und dem Blechbläserensemble German Brass. Von 2017 bis 2019 war François Bastian Lehrbeauftragter an der Hochschule für Musik und Theater München. Seit 2020 ist er Professor für Horn an der Hochschule für Musik Saar.

Rachel Bauer studierte Horn an den Staatlichen Hochschulen für Musik und darstellende Kunst in Mannheim und Stuttgart. Schon während ihres Studiums begann sie mit Lehrtätigkeiten an verschiedenen Musikschulen und ist seit 2020 an der Jugendmusikschule Unterer Kraichgau, Bretten, beheimatet. Zudem ist sie als musikalische Leiterin der Jagdhornbläser Stuttgart dort seither für die bestehenden Gruppen und die Ausbildung des bläserischen Nachwuchses zuständig. Neben ihrer pädagogischen Tätigkeit ist sie als Musikerin in der Kammermusik und in verschiedenen Orchestern sowie als Jurorin bei Jugend Musiziert und Jagdhornbläserwettbewerben tätig.

Sigrid Baumann ist zertifizierte Trainerin und Business Coach. Seit 2013 begleitet sie Führungskräfte und Teams, die ihre Führungskompetenz weiterentwickeln und ihre Zusammenarbeit stärken möchten. Ihre Erfahrungen als Dirigentin im Amateurbereich und ihre Begeisterung für wirkungsvolle Kommunikation prägen ihren Führungsansatz.

Im Zentrum steht der praxisbewährte OKT-Dreiklang: Organisation, Kommunikation, Transformation. Ihr Ansatz verbindet Klarheit mit Wertschätzung. Sigrid Baumann unterstützt Führungskräfte in Seminaren, Teamprozessen und 1:1 Coachings. Sie bietet Räume für  Entwicklung, Resonanz und neue Impulse – strukturiert, ermutigend und mit Freude an gelingender Führung.

Martin Baumgartner, Jahrgang 1962, studierte Orchestermusik mit Hauptfach Tuba an der Musikhochschule Freiburg bei George A. Monch und schloss sein Studium 1991 erfolgreich ab. Bereits während seiner Studienzeit war er als Aushilfe bei verschiedenen Sinfonieorchestern tätig und sammelte so wertvolle Orchestererfahrung. Schon früh entwickelte er eine Leidenschaft für die Leitung von Blasorchestern. Von 1991 bis 2018 war Martin Baumgartner hauptamtlicher Dirigent der Stadtmusik Endingen am Kaiserstuhl und prägte dort über viele Jahre die musikalische Entwicklung des Orchesters maßgeblich. Seit 1985 ist er zudem als Lehrer für Blechbläser aktiv. Einen besonderen Schwerpunkt seiner pädagogischen Arbeit bildet die Förderung junger Musikerinnen und Musiker. An der BDB-Musikakademie Staufen ist er seit vielen Jahren als Dozent tätig – unter anderem in den Goldlehrgängen sowie in den Kursen für Registerführer. Als Tubist blickt Martin Baumgartner auf eine langjährige Erfahrung in verschiedenen Blechbläserquintetten zurück und verfügt über umfassende Kenntnisse im Bereich der Kammermusik. Ein weiterer wichtiger Bestandteil seiner Tätigkeit ist die Arbeit mit Bläserklassen, die ihm besonders am Herzen liegt. Hier verbindet er seine pädagogische Erfahrung mit seiner Begeisterung für Ensemblearbeit und musikalische Nachwuchsförderung.

Bernd Becker erhiel ab 1958 Klarinettenunterricht und machte erste Orchestererfahrung bei der Trachtenkapelle Hinterzarten. 1968 absolvierte er sein Lehramtsstudium  mit den Hauptfächern Musik und Französisch. Prüfung in Klarinette und Chorleitung. Seitdem war er sowolh als Lehrer sowie als Leiter von Blasorchestern in der Region Kaiserstuhl-Tuniberg tätig. Sein Diplom zur Leitung von Blasorchestern erhielt er 1982 an der Bundesakademie in Trossingen. Außerdm ist er seit vier Jahrzehnten Wertungsspiel-Juror. Im Jahre 2009 gründete er das Seniorenverbandsorchester Kaiserstuhl – Tuniberg, dessen Dirigent er auch hutee noch ist.

François Benda stammt aus einer traditionsreichen Musikerfamilie. Seine umfangreichen Studien absolvierte er in Graz, Wien und Genf (Klarinette, Komposition, Musiktheorie und Dirigieren). Noch während seiner Orchestertätigkeit gab er sein Solistendebüt 1988 mit den Klarinettenkonzerten von Carl Nielsen (Tonhalle Zürich) und von Wolfgang Amadeus Mozart (Victoria Hall Genf). Die Neue Zürcher Zeitung (NZZ) schrieb darauf Folgendes: „Sein Spiel bewegte sich souverän zwischen fast ätherisch verklingenden Pianissimi und dramatischen, beinahe ekstatischen Steigerungen und wirkte in jedem Augenblick brillant." Danach folgten Radio- und Fernsehproduktionen sowie Auftritte als Solist und Kammermusiker in den bekanntesten Konzertsälen (Berliner Philharmonie, Wiener Musikverein, Wiener Konzerthaus, Herkules Saal München, Concertgebow Amsterdam, Tonhalle Saal Zürich, Victoria Hall Genf, Wigmore Hall London, Konzerthaus Berlin, die Kölner Philharmonie, Accademia Filarmonica in Rom, Gewandhaus Leipzig, usw.) sowie bei internationalen Festivals in Europa und Übersee wie Berliner Festwochen, Rom, Musicades Lyon, Wien, Styriarte Graz, Steirischer Herbst, São Paulo, Sarasota, usw. Dabei arbeitete er mit Musikern wie Heinz Holliger, Josef Suk, Bruno Giuranna, Josef Silverstein, Isabelle Faust, Karl Engel, Bruno Canino und Paul Badura-Skoda zusammen. Ur-und-Erstaufführungen bedeutender Komponisten wie Heinz Holliger, Elliott Carter, Luciano Berio, Krystof Penderecki, Bernhard Lang, Wolfgang von Schweinitz. Neben seiner solistischen Tätigkeit hat François Benda eine Professur an der Universität der Künste Berlin inne und lehrt an der Hochschule für Musik der Stadt Basel. Unter seinen Schülern finden sich viele Preisträger internationaler Wettbewerbe. Er gibt regelmäßig Meisterkurse für Klarinette.

Der Hornist und Professor Saar Berger war 2007 bis 2023 Mitglied des internationalen Solistenensembles Ensemble Modern. Er arbeitet eng mit vielen jungen und international etablierten Komponisten weltweit zusammen und bereichert die bereits umfangreiche Literatur für Horn mit zahlreichen Aufführungen und Premieren zeitgenössischer Werke als Solostücke, Hornkonzerte und Kammermusik, die ihm gewidmet sind. Seit 2017 unterrichtet Saar Berger an der Luzern Festival Academy. Im Jahr 2019 wurde er auf die Hornprofessur  an die Staatliche Hochschule für Musik Trossingen berufen und leitet zusammen mit seinen Kollegen der Brass & Percussion-Abteilung das Positively Brass & Percussion Institut mit seinem jährlich stattfindenden Symposium. Außerdem nimmt er regelmäßig an vielen Horn-Workshops, Festivals und Kursen auf der ganzen Welt teil und ist in verschiedenen Kooperationen mit anderen Musikern und Instituten aktiv. Saar Berger hat sein erstes Solo-Album "Traveling Pieces" im Jahr 2014 und seine Solo-Video-Produktion "Horn around the world" im Jahr 2020 veröffentlicht, eine Einführung in zeitgenössisches Horn. 2018 wurde das "Sonorous" Duos Album vom Instrumentenhersteller "Gebrüder Alexander" Horns aus Mainz veröffentlicht. Gemeinsam mit dem Instrumentenhersteller Klaus Fehr hat er ein neues Doppel-Horn Modell weiterentwickelt.

Frieder Berlin, 1954 in Bad Mergentheim geboren, erhielt bereits als Dreijähriger von seinem Vater, einem Richter, den ersten Klavierunterricht. Dieser hatte sich selbst das Studium durch Barmusik finanziert. Erste Jazzerfahrungen machte Frieder Berlin als Kind beim „Boogie Woogie“ spielen und später dann in der „Schwaaz Vere´s Dixie Gang“ in Saulgau. Während des Musikstudiums in Stuttgart saß Frieder Berlin als Pianist in der von Prof. Erwin Lehn geleiteten Big Band der Musikhochschule Stuttgart. Sein Hauptinstrument, die Violine, vernachlässigte er allerdings als er 40 Jahre lang als Musikredakteur beim SWR war und konzentrierte sich mehr auf die Tasten – nicht nur bei Charly and the Jivemates, sondern auch in seinem eigenen Trio. 1991 gründete er zusammen mit seiner Frau Ingeborg Berlin das Jazzlabel „Satin Doll Productions“, das ausschließlich Künstler aus Baden-Württemberg veröffentlicht und fördert. Auf diesem Label sind bisher mehr als 60 CDs erschienen, einige davon mit Frieder Berlin. Als Gründungsmitglied und Keyboarder der SWR 1 Band bestritt Frieder Berlin über 20 Jahre lang unzählige Auftritte, bei denen er auch viele große Künstler u.a. in der Schleyerhalle begleitet hat, wie z.B. Chris deBurgh, John Miles (Music was my first love), Tony Hadley (Spandau Ballett), Holly Johnson (Frankie goes to Hollywood), Ian Paice und Roger Glover (Deep Purple), Ken Hensley (Uriah Heep), Stefan Gwildis u. viele mehr. Seit seinem Ruhestand widmet sich Frieder Berlin neben der Arbeit mit seinem Trio schwerpunktmäßig der Zusammenarbeit mit der TV-Moderatorin und Sängerin Tatjana Geßler. Mit ihr tritt er sowohl im Duo, mit seinem Trio und mit der Frieder Berlin Band auf. Das Repertoire besteht hier zum großen Teil aus eigenen chansonartigen Songs, wobei die Texte von Tatjana Geßler und die Kompositionen von Frieder Berlin stammen. Seit Anfang 2025 ist dies auch auf zwei EPs dokumentiert, die von Klaus-Peter Schöpfer produziert wurden. Dieser bekam mit der SWR Big Band bereits einen Grammy verliehen.

Stefan Berrang erlernte das Hornspiel bei Prof. Peter Arnold, bei dem er dann an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellenden Kunst Mannheim sein Studium fortsetze. Im Frühjahr 2008 schloss er sein Diplomexamen mit Bestnote ab. Er war Mitglied mehrerer Landesjugendorchester sowie des Bundesjugendorchesters. Er erreichte mehrere 1. und 2. Preise bei Jugend musiziert, gewann beim Südwestdeutschen Kammermusikwettbewerb der Stadt Bad Dürkheim und bei zahlreichen weiteren Wettbewerben. Seit Herbst 2018 ist er Solohornist der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und wirkt regelmäßig in zahlreichen weiteren Orchestern und Formationen mit. Ein weiterer Schwerpunkt seines künstlerischen Schaffens liegt in der Unterrichtstätigkeit in den Bereichen Ventilhorn, Naturhorn und traditionellem Jagdhorn. Im Team der Horntage, dem er schon lange angehört, ist er der Spezialist für das Naturhorn. Stefan Berrang ist Solohornist der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und zudem Lehrer für Naturhorn an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim. Wir danken für die freundliche Unterstützung vom Naturhornbauer Juhász.

Anna Dina Bjørn-Larsen, geboren 1975, erhielt ihren ersten Flötenunterricht bei Peter Brock in Karlsruhe und Vladislav Brunner in Frankfurt. Sie schloss ihr Studium mit Auszeichnung bei Jean-Claude Gérard an der Musikhochschule in Stuttgart ab, nachdem sie bereits in New York bei Jeanne Baxtresser und bei Paul Meisen in München studiert hatte. Bereits während ihres Studiums spielte sie als Stipendiatin der Münchner Orchesterakademie im Sinfonieorchester des Bayrischen Rundfunks und im Orchester der Bayerischen Staatsoper. Im Alter von 23 Jahren wurde sie 1998 erste Soloflötistin der Königlich Dänischen Oper Kopenhagen, eine Stelle, an der sie fast 20 Jahre tätig war. 2013 wurde ihr für ihr künstlerisches Schaffen und Engagement im dänischen Kulturleben der Dannebrog-Ritterorden von der Dänischen Königin verliehen. Neben ihrer Tätigkeit im Orchester widmete sich Anna Dina Bjørn-Larsen intensiv der Kammermusik: Sie ist Gründungsmitglied des Diamant Ensemble Kopenhagen und war langjähriges Mitglied des Bläserquintetts des Dänischen Rundfunks. Mit beiden Ensembles hat sie mehrere CDs aufgenommen und bei zahlreichen Festivals in verschiedenen europäischen Ländern gespielt. Anna Dina Bjørn-Larsen hat als Dozentin an verschiedenen dänischen Hochschulen gewirkt, u.a. an der Königlich Dänischen Musikakademie Kopenhagen. Sie ist gefragte Dozentin bei Meisterkursen in den USA und Europa. Im August 2018 wurde Anna Dina Bjørn-Larsen von der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover (HMTMH) auf eine W3-Professur berufen.

Jodie Blackshaw (geb. 1971) ist eine stolze Australierin, die im Südosten des ländlichen Australiens (Wiradjuri) aufwuchs und schon früh eine sehr persönliche Beziehung zur Musik aufbaute, indem sie ihre Vorstellungskraft kreativ auf musikalische Farben und Bewegungen anwandte. Heute sucht sie in ihrem Unterricht und beim Komponieren weiterhin nach kreativen Erfahrungen für ihre Schülerinnen und Schüler, damit auch sie die persönliche Beziehung genießen können, die sie in ihren prägenden Jahren entdeckt hat. Jodie hat mehrere Preise für ihre Kompositionen gewonnen und komponiert mit Stolz Musik für alle Altersgruppen und Fähigkeiten. Im Jahr 2020 schloss sie ihre Promotion in Komposition bei Carl Vine und später bei dem australischen indigenen Komponisten Dr. Christopher Sainsbury ab. Ihre Musik wurde als Prüfungsstücke in staatlichen und nationalen Wettbewerben aufgeführt, steht auf zahlreichen Repertoirelisten der staatlichen Lehrpläne und wurde von zahlreichen Schul- und professionellen Ensembles in ganz Australien, Europa und Amerika aufgeführt. Jodie hat dreimal an der Midwest Clinic in Chicago teilgenommen (2012, 2014, 2018) sowie Aufenthalte und/oder Konferenzpräsentationen im Nahen Osten, in Hongkong, Vietnam, den Niederlanden, in Kanada, Australien und den Vereinigten Staaten durchgeführt. Sie ist bei Manhattan Beach Music, GIA Music Inc. und Alfred Music erschienen und wird exklusiv von Brolga Music/C. Alan Publications. Blackshaw setzt sich leidenschaftlich für die Erforschung und Entwicklung des Klangs von Blasorchestermusik ein und glaubt, dass die Programmgestaltung und Aufführung von Komponisten mit einer anderen „Klangwelt“ der Schlüssel ist. Zu diesem Zweck gründete sie 2017 die Datenbank für Komponistinnen für Blasorchester (https://www.jodieblackshaw.com/female-band-composers), die inzwischen von mehreren führenden Bildungseinrichtungen, Lehrplanprogrammen und Blasorchesterkonferenzen, darunter die Midwest Clinic, als Instrument für die Repertoireauswahl herangezogen wird. Im Jahr 2018 gründete Blackshaw die Website www.colourfullmusic.com als Reaktion auf eine von ihr kuratierte Podiumsdiskussion für die Midwest Clinic mit dem Titel „Directors for Diversity“. ColourFULL Music stellt verschiedene Blasorchesterprogramme vor, die von einer internationalen Gruppe führender Dirigenten innerhalb der Blasmusik-Community entwickelt wurden, und hat mittlerweile mehr als 5000 Musikpädagogen und Dirigenten. Seit Juli 2022 ist Jodie stolzes Vorstandsmitglied der World Association of Symphonic Bands and Ensembles (WASBE).

Jodie Blackshaw (b. 1971) is a proud regional Australian who grew up in the south-east of rural Australia (Wiradjuri) and formed a very personal relationship with music early in life through the creative application of her imagination to musical colours and movement. Today, she continues to seek creative experiences for students through her teaching and composing so they, too, may enjoy the personal relationship she discovered in her formative years.

Jodie has won multiple awards for her compositions and proudly composes music for all age groups and capabilities. In 2020 she completed her PhD in Composition studying with Carl Vine and later, Australian indigenous composer Dr. Christopher Sainsbury. Her music has been featured as test pieces in state and national competitions, appears on numerous state curriculum repertoire lists and has been performed by numerous school and professional ensembles throughout Australasia, Europe and the Americas.

Jodie has thrice presented at the Midwest Clinic in Chicago (2012, 2014, 2018) as well as conducted residencies and/or conference presentations in the Middle East, Hong Kong, Vietnam, The Netherlands, throughout Canada, Australia and the United States. She is published by Manhattan Beach Music, GIA Music Inc., Alfred Music and is exclusively distributed by Brolga Music/C. Alan Publications.

Blackshaw is passionate about exploring and developing the sound of wind band music and believes that programming and performing composers with a different “sound world” is key. To that end, she founded the Female Band Composer database in 2017 (https://www.jodieblackshaw.com/female-band-composers) which is now cited as a tool for repertoire selection by several leading educational institutions, curriculum programs and wind band performance conferences including The Midwest Clinic. In 2018 Blackshaw founded the website www.colourfullmusic.com in response to a panel presentation she curated for the Midwest Clinic entitled ‘Directors for Diversity’. ColourFULL Music shares diverse wind band programs created by an international array of leading conductors within the wind music community and now has a following of more than 5000 music educators and conductors. 

In July 2022 Jodie proudly became a board member of the World Association of Symphonic Bands and Ensembles (WASBE).

Michael Blatz ist freier Unternehmens- & Vereinsberater, Trainer und Coach. Mit seiner langjährigen Führungs- und Management-Erfahrung unterstützt er Non-Profit Organisationen und Initiativen jeder Größenordnung in Strategie- und Organisationsfragen sowie bei der internen und externen Kommunikation.

Hagen Bleeck absolvierte sein Studium  bei Prof. Peter Arnold an der "Staatlichen Hochschule für Musik und darstellenden Kunst Mannheim" und schloss dort erfolgreich mit dem Diplom "Orchestermusik" ab. Die Begeisterung junger Menschen für das Horn liegt Hagen Bleeck besonders am Herzen. Von 1989 an unterrichtet er an der MuKs Bruchsal und an der Jugendmusikschule Bad Schönborn. Seit 1998 ist er Fachlehrer für Horn am Badischen Konservatorium in Karlsruhe. Im Jahr 2018 erhielt er zudem einen Ruf als Horndozent an die Pädagogische Hochschule in Heidelberg. Des weiteren ist er gefragter Juror beim Wettbewerb "Jugend musiziert" sowie der Jagdhornbläser-Gilde e.V. Als Orchestermusiker wirkte er unter anderem beim Frankfurter Opern und Museumsorchester, dem SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern, Baden-Badener Philharmonie, dem Philharmonischen Orchester Heidelberg, der Philharmonie Merck sowie bei bei den Schlossfestspielen in Heidelberg mit. Kammermusikalisch tätig war und ist er auch immer wieder bei Produktionen des SWR. Ständig spielt er seit vielen Jahren in der Kammerphilharmonie Karlsruhe, der Camerata 2000 und dem Heidelberger Kantaten Orchester. Hagen Bleeck ist außerdem als Komponist und Multi-Instrumentalist in verschiedenen Bereichen aktiv. Seit 1995 realisiert er CD Produktionen und ist Inhaber eines Plattenlabels.

Juliana Blumenschein, geb. 1992, deutsch-brasilianische Sängerin, Komponistin und Bandleaderin. Vertreterin einer jungen Musikergeneration, die zwischen Jazz, brasilianischer Musik und eigener kompositorischer Sprache eine unverkennbare Handschrift entwickelt hat. Verwurzelt in zwei Kulturen, verwebt sie Virtuosität, Ausdruck und Klangfarbenreichtum zu einem persönlichen, genreübergreifenden Stil. Sie trat u.a. bei den Jazzopen Stuttgart, dem Bayerischen Jazzweekend Regensburg sowie in Salvador da Bahia bei der renommierten Konzertreihe „Jam no MAM“ auf. Juliana Blumenschein studierte Jazzgesang an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim bei Prof. Ann Malcolm. 2015 führte sie ein Stipendium der Baden-Württemberg-Stiftung nach Salvador da Bahia, wo sie sich seither intensiv mit der brasilianischen Musiktradition auseinandersetzte. Ihre künstlerische Arbeit wurde mehrfach gefördert, u.a. durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Mit ihrem Debütalbum „A Vida“ (2021) präsentierte sie eigene Kompositionen auf Portugiesisch und Englisch, getragen von einer klaren, ausdrucksstarken Stimme. Ihr Folgealbum „In Between“ (2023) erschien im Duo mit dem Gitarristen Florin Küppers bei Double Moon Records und reflektiert die künstlerische Reife einer Sängerin, die ihre Wurzeln zwischen den Welten lebt. Neben ihrer künstlerischen Laufbahn ist Juliana Blumenschein seit 2012 als Gesangspädagogin an verschiedenen Musikschulen tätig und verfügt über langjährige Unterrichtserfahrung. Im Frühjahr 2020 übernahm sie eine Lehrvertretung an der Musikhochschule Mannheim. Seit Oktober 2024 ist sie Dozentin für Jazz/Pop-Gesang an der Hochschule für Musik Freiburg. Seit 2021 ist sie zudem 2. Vorständin der IG Jazz Rhein-Neckar e.V. in Mannheim und setzt sich aktiv für die regionale Jazzszene ein. Juliana Blumenschein konzertiert regelmäßig in Deutschland und Brasilien, u.a. mit dem Juliana Blumenschein Quintett und dem Duo Blumenschein-Küppers.

Douglas Bostock wirkt seit Beginn der Konzertsaison 2019/20 als Künstlerischer Leiter und Chefdirigent des Südwestdeutschen Kammerorchesters Pforzheim. Zuvor war er von 2001 bis 2019 Chefdirigent und ist nun Ehrendirigent des Schweizer Sinfonieorchesters Argovia Philharmonic, das er mit frischen Konzepten und innovativen Formaten künstlerisch erfolgreich in der Orchesterlandschaft positioniert hat. Weitere Stationen seiner Laufbahn waren u. a. die Karlsbader Symphoniker, die Tschechische Kammerphilharmonie, die Münchner Symphoniker und das Tokyo Kosei Wind Orchestra. Sein breites Repertoire umfasst Werke aus allen Epochen einschließlich einer Vielzahl selten aufgeführter Werke, zeitgenössische Musik und Opern. Sein Temperament, sein unverkennbarer Stil und sein Kommunikationstalent führten ihn als Gast zu bedeutenden Orchestern in Europa, Amerika und Asien, darunter die Orchester der BBC, das London Philharmonic Orchestra, das Radio-Symphonie-Orchester Prag, das National Orchestra Washington, das Mexikanische Staatsorchester und das New Japan Philharmonic Orchestra. Beinahe 100 CD-Aufnahmen dokumentieren das künstlerische Profil und das vielseitige Repertoire von Douglas Bostock. Als Gastprofessor, u.a. in Tokyo, widmet er sich auch der Arbeit mit jungen Musikern und leitet Kurse und Meisterklassen für Dirigenten. Mit dem Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim hatte er seit 2013 bereits mehrfach als Gastdirigent zusammengearbeitet und prägt und entwickelt nun als Künstlerischer Leiter Klang, Stilistik und Programmatik dieses ebenso traditionsreichen wie innovativen Ensembles weiter.

Seine musikalische Ausbildung begann Ralf Böhm im Alter von 8 Jahren an der Klarinette beim heimischen Musikverein. Seinen ersten Klavierunterricht erhielt er im Alter von 11 Jahren.  Nach Abitur und Zivildienst studierte er an der Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen mit den Fächern Klavier, Kammermusik, und Musiktheorie, sowie Dirigieren als Nebenfach. Seit 1994 ist er Klavierlehrer in Stein am Rhein (CH) und seit 1999 hauptamtlicher Lehrer für Klavier, Kammermusik und Musiktheorie an der Städtischen Musikschule Radolfzell am Bodensee. Außerdem ist er als freischaffender Pianist, Dozent und Juror im süddeutschen Raum und der Schweiz tätig. Ebenso ist er seit vielen Jahren als Blasorchesterdirigent sowie tätig und war von 1998 bis 2012 Verbandsjugendleiter des Blasmusikverbandes Hegau-Bodensee.

Freddi Börnchen begeistert sich für unkonventionelle, ausgefallene Musik und liebt es, mit ihrem Instrument zu experimentieren, Klangmöglichkeiten zu entdecken und ihre musikalische Vielfalt zu erweitern. Sie studierte Instrumentalpädagogik an der Universität der Künste Berlin bei Prof. Birgit Schmieder (DE) und gibt nun ihre Begeisterung für die Oboe an Schüler:innen jeden Alters weiter. Heute unterrichtet sie an der Musikschule Béla Bartók in Berlin Prenzlauer Berg als auch Privat. Freischaffend spielt sie als Oboistin und Englischhornistin in verschiedenen Kammerorchestern sowie als Aushilfe im Deutschen Filmorchester Babelsberg. Ihr Hauptaugenmerk liegt aber im Bereich der Neuen Musik – seit 2017 gehört sie zur Stammbesetzung des Neue Musik Ensembles XelmYa. Jährlich ist sie bei der Klangwerkstatt Berlin als Mitglied bei Progress – das Festivalensemble zu hören. Mit XelmYa unternahm sie bereits Tourneen nach Sizilien (IT) und Bogotá (CO). Dort gab sie Konzerte bei denen eigens für XelmYa komponierte Werke uraufgeführt wurden und Seminare in moderner Spieltechnik. So arbeitete sie bereits mit internationalen Komponist:innen wie u. a. Jeanne Artemis Strieder (DE), Guadalupe Perales (MX), Michele Abondano (CO), Alex Jang (CA), Violeta Dinescu (RO), Melissa Vargas Franco (CO), Emily Doolittle (CA), Dorone Paris (IL), John E. Zammitpace (MT), Mathias Spahlinger (DE), Matthias Kaul (DE), Helmut Zapf (DE), Sarah Nemtsov (DE), Anna Arkushyna (UA), Nirmali Fenn (AU) und Marc Yeats (UK) zusammen.

Wilfried Brandstötter wurde 1970 in Salzburg geboren und studierte Basstuba im Konzertfach an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien bei Univ. Prof. Klaus Schafferer. Von 1995 bis 2000 war er ständiger Tubist des Klangforum Wien und wirkte bei vielen Uraufführungen und österreichischen Erstaufführungen mit. Ab 1998 arbeitete er zehn Jahre lang als Musiker am Burgtheater und am Theater in der Josefstadt in Wien und stand in zahlreichen Produktionen auf der Bühne. Von 2000 bis 2004 war er Solotubist im Tonkünstler Orchester Niederösterreich. Als Gründungsmitglied spielte er mit dem Ensemble Mnozil Brass ab 1992 etwa 2500 Konzerte an den renommiertesten Spielstätten weltweit. Dabei wurden ca. 20 Bühnenprogramme realisiert., exemplarisch angeführt seien die Planung und Umsetzung folgender Projekte: Die erste Operette des 21. Jahrhunderts „Das trojanische Boot“ für die RuhrTriennale 2005, uraufgeführt in der Jahrhunderthalle Bochum, mit weiteren Stationen u.a. am Akademietheater und am Burgtheater in Wien, in der Staatsoper in München und am Thaliatheater in Hamburg. Die Oper „Irmingard“, uraufgeführt bei den Salzburger Festspielen 2008, mit weiteren Stationen u.a. am Burgtheater Wien, am Düsseldorfer Schauspielhaus und am Berliner Ensemble bei Claus Peymann. „Hojotoho“- eine Auftragsarbeit der Stadt Bayreuth, mit der 2013 das Jubiläumsjahr anläßlich des 200 Geburtstages von Richard Wagner in Bayreuth eröffnet wurde. Im Zuge seiner umfangreichen Reisetätigkeit hat Wilfried Brandstötter Masterclasses und Workshops in vielen Ländern Europas, Asiens und in Amerika abgehalten. Seit 2005 unterrichtet er als Universitätslehrer an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz, von 2015 bis 2017 war er Institutsdirektor der Abteilung für Blechblasinstrumente und Schlagwerk, von 2017 bis 2025 Dekan für die künstlerischen Studiengänge, zuständig für Musik, Tanz und Schauspiel. Seine Absolventinnen und Absolventen spielen bei den Wiener Philharmonikern, in der Oper Graz, in der Staatsoper/Staatsorchester Stuttgart, im Kärntner Sinfonieorchester und der Württembergischen Philharmonie Reuttlingen sowie den Ensembles La Brass Banda und Federspiel. Zudem erhielten Studierende u.a. Verträge in folgenden Orchesterakademien: Karajan Akademie der Berliner Philharmoniker, Staatsoper Unter den Linden Berlin, Staatsorchester Wiesbaden, Düsseldorfer Sinfoniker, Münchner Philharmoniker und Bruckner Orchester Linz.

Robert Brenner trat im Jahr 1990 in den Militärmusikdienst der Bundeswehr ein und absolvierte die Studiengänge Orchestermusik und Instrumentalpädagogik im Fachbereich Schlagzeug an der Robert Schumann Hochschule / Düsseldorf mit Auszeichnung. Nach einer Verwendung als 1. Schlagzeuger beim Stabsmusikkorps der Bundeswehr in Siegburg, erhielt Robert Brenner darüber hinaus Dirigierunterricht bei Professor Wolfgang Trommer (Generalmusikdirektor Sinfonieorchester / Aachen und Robert Schumann Hochschule / Düsseldorf). In der Zeit von 1997 – 2007 leitete er als Ausbildungsoffizier den Hochschulabschnitt, die Schlagzeugabteilung, die Big Band und eines der beiden symphonischen Blasorchester des Ausbildungsmusikkorps der Bundeswehr, der zentralen Ausbildungsstätte für Unteroffiziere und Offiziere des Militärmusikdienstes der Bundeswehr. In den Jahren 2007 – 2009 war Robert Brenner als stellvertretender Chef beim Heeresmusikkorps 300 / Koblenz eingesetzt. Robert Brenner ist nun als stellvertretender Leiter des Ausbildungsmusikkorps der Bundeswehr / Hilden tätig. Er ist sowohl an der Folkwang Universität der Künste/ Essen wie auch an der Bundesakademie für musikalische Jugendbildung / Trossingen und zahlreichen weiteren Musikakademien ein gern gesehener Dozent. Seit der gelungenen Interpretation des „Geigy Festival Concerto“ von Professor Rolf Liebermann zählt Robert Brenner zu den Experten im Bereich Rudimental Drumming, Basler Trommeln und Moeller-Technik. Sein Talent, die Technik mit der Musikalität zu verbinden, förderten besonders: Heinz Borchers, Toni Roeder, Sperie Karas, Wolfgang Basler, Arnold Goffing, Alfons Grieder, Dr. Nick Petrella und Jim Chapin.

Shirley Brill erhielt ihre Ausbildung zunächst bei Yitzhak Katzap in Israel und studierte später bei Sabine Meyer an der Musikhochschule Lübeck sowie bei Richard Stoltzman am New England Conservatory in Boston, USA. Ihre solistische Karriere begann sie mit dem Israel Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Zubin Mehta. Seither ist sie bei vielen internationalen Festivals, darunter den BBC Proms, die Schubertiade in Österreich, das Radio France Festival, das Davos Festival in der Schweiz, dem Schleswig-Holstein und Rheingau Festival sowie dem Internationalen Kammermusikfestival in Jerusalem zu Gast und konzertiert als Solistin mit zahlreichen internationalen Orchestern, wie etwa dem Deutschen Symphonieorchester in der Berliner Philharmonie, den Hamburger Symphonikern unter der Leitung von Jeffrey Tate, dem Symphonieorchester des Nationaltheaters Prag in der Kölner Philharmonie, dem Orchestre de Chambre de Genève, dem Nationalen Symphonieorchester des Polnischen Rundfunks oder dem Jerusalem Symphony Orchestra. Zuletzt war sie mit den Münchner Symphonikern in der Philharmonie im Gasteig zu hören. Im Laufe ihrer Karriere hat sie schon mit Künstlern wie Daniel Barenboim, Sabine Meyer, Emmanuel Pahud, Janine Jansen, Tabea Zimmermann, dem Jerusalem String Quartet, dem Fauré Piano Quartet und dem Trio di Clarone zusammengearbeitet. Shirley Brill gewann zahlreiche Wettbewerbe, darunter den Wettbewerb des Israelischen Rundfunks, den Internationalen Klarinettenwettbewerb Madeira, den New England Conservatory Wettbewerb, den Sonderpreis des ARD-Musikwettbewerbs 2003 sowie den Internationalen Klarinettenwettbewerb Markneukirchen. 2007 ging sie beim Concours de Genève unter 133 Mitbewerbern aus 35 Ländern als Siegerin hervor. 2010 nahm sie als Mitglied des West-Eastern Divan Orchestra den Preis des Westfälischen Friedens in Münster entgegen. Ein Anliegen ist Shirley Brill die Aufführung von Werken zeitgenössischer Musik. Regelmäßig bringt sie Stücke junger Komponisten zur Uraufführung und erweitert das Repertoire für Klarinette durch eigene Transkriptionen. Im Jahr 1999 gründete Shirley Brill mit ihrem Ehemann, dem israelischen Pianisten Jonathan Aner, das Duo Brillaner, mit dem sie regelmäßig in renommierten Konzerthäusern wie der Carnegie Hall in New York, der Tonhalle Zürich, dem Oriental Art Center in Shanghai und dem Beethoven-Haus in Bonn auftritt. Nach einer Gastprofessur an der Hochschule für Musik Hanns Eisler wurde Shirley Brill im Oktober 2018 an der Hochschule für Musik Saar in Saarbrücken zur Professorin für Klarinette ernannt. Zum Wintersemester 2021/22 wurde Sie dann als Professorin für Klarinette an die Hochschule für Musik Nürnberg berufen.

Doris Brötz ist Physiotherapeutin seit 1982. Als leitende Physiotherapeutin in der Neurologischen Universitätsklinik Tübingen hat sie Therapiekonzepte entwickelt und zahlreiche Forschungsarbeiten zur Untersuchung der Wirksamkeit von Physiotherapie bei Bandscheibenvorfällen, nach Schlaganfall und bei Ataxie initiiert, durchgeführt und publiziert. Doris Brötz ist Autorin mehrerer Bücher, unter anderen zum Rückenschmerz, und zahlreicher wissenschaftlicher Arbeiten. Seit 14 Jahren betreibt sie eine eigene Praxis, gibt Fortbildungen für Physiotherapeuten und Seminare für Laien zur Vorbeugung von Rückenschmerzen. Ihre Arbeit gründet auf wissenschaftlichen Erkenntnissen und ihrer praktischen Erfahrung in der Behandlung von Patienten. Dabei spielen die Biomechanik der Wirbelsäule einfache alltägliche Bewegungen und Selbstbestimmtes Üben eine wesentliche Rolle

Patricia Bruder ist seit 2020 im Vorstand der Bläserjugend im Bund Deutscher Blasmusikverbände (BDB) für den Bereich "Musik in der Schule" zuständig. Seit 2019 leitet sie gemeinsam mit Markus Guternatsch den Kompaktkurs "Musiklotsen/ Musiklostinnen". Von 2016 bis 2019 war sie Teamerin beim BDB-Jugendleitercamp und mitzuständig für die Ausbildung von Jugendleiterinnen und Jugendleiter. Von 2009 bis 2018 war sie zuerst Jugendbeisitzerin, dann Jugendleiterin in der Musikkapelle Reichenbach-Gengenbach und absolvierte 2013/ 2014 selbst die Jugendleitungsausbildung beim BDB. Sie spielt seit 2000 Klarinette (Saxophon) in diversen (Projekt-)Orchestern und absolvierte innerhalb des BDBs unterschiedliche Kurse wie: D1, D2, D3, Einführung in die Orchesterleitung, Egerländer Tradition, Integrationsbotschafter Musik. Beruflich ist Patricia Bruder Lehrerin für die Sekundarstufe 1 von 2016 bis 2017 an der Realschule Seelbach und seit 2017 an der Gemeinschaftsschule Eschachschule Dunningen.

Mario Bürki (*1977) ist einer der gefragtesten Blasmusikkomponisten der Schweiz. Noch während seines Studiums zum Blasmusikdirigent begann er mit Komponieren und gewann bereits 2001 mit seinem Werk „Szenen aus Max und Moritz“ einen Preis beim WASBE-Kompositionswettbewerb und seine Komposition Indian Fire wurde am Wettbewerb Flicorno d’Oro Junior (Italien) mit dem Spezialpreis für das orginellste Konzertstück ausgezeichnet. 2012 war Mario „Composer in Residence“ bei der grössten europäischen Bibliothek für Blasorchesternoten CDMC (F), 2013 nahm er seine erste CD «Of Castles and Legends» mit der Symphonic Wind Band Dunshan in China auf. 2014 wurde er als Dozent zum 4. Internationalen Kongress für Blasmusik in Medellin, Kolumbien eingeladen. Die meisten seiner Werke wurden von Institutionen oder Verbänden als Teststücke für kantonale, schweizerische oder internationale Wettbewerbe in Auftrag gegeben. Seit 20 Jahren dirigiert er die Musikgesellschaft Ostermundigen CH), er engagiert sich in der Jugendförderung, juriert regelmässig an internationalen und schweizerischen Wettbewerben und leitet zahlreiche Workshops rund um das Thema Blasmusik. Mario ist gern gesehener Dozent, Referent, Gastdirigent oder Experte im In- und Ausland.

Mario Caroli begann seine musikalische Ausbildung im Alter von 14 Jahren und erhielt sein Solistendiplom im Alter von 19 Jahren. Er studierte bei Annamaria Morini in Bologna und Manuela Wiesler in Wien. Im Alter von 22 Jahren gewann er in Darmstadt den begehrten Kranichsteiner Internationalen Preis und begann eine sehr erfolgreiche Karriere als Soloflötist. Als logische Folge des Darmstädter Preises begann seine Tätigkeit als Anwalt der zeitgenössischen Musik: sein Ruhm wuchs sehr schnell und er wurde schnell zum bevorzugten Interpreten vieler der größten lebenden Komponisten. Salvatore Sciarrino, György Kurtag, Doina Rotaru, Toshio Hosokawa, Ivan Fedele, Olga Neuwirth, Philippe Hurel, Wolfgang Rihm und viele andere schrieben für ihn einige schöne Soloflötenwerke sowie neue Flötenkonzerte, die zur Erweiterung der Flötenliteratur beitragen. Einige Jahre später wendet sich seine Karriere wieder dem gesamten Repertoire zu, ohne Unterscheidung von Stilen und historischen Epochen. Mario ist eine einzigartige Figur unter den heutigen Flötisten und einer der wenigen Künstler, die in der Lage sind, von der klassischsten Komposition bis zum extremsten zeitgenössischen Stück mit der gleichen lebendigen Virtuosität, lebhaften Persönlichkeit und rigorosen analytischen und ästhetischen Herangehensweise zu spielen. Die Kritiker zögerten nicht, ihn wegen seiner erfrischenden Interpretationen von Bach, Schubert oder Debussy als „Phänomen“ zu bezeichnen, und die „New York Times“ schrieb, dass „er einen Klang hat, den man in sich aufsaugen möchte“. Mario ist als eingeladener Solist mit vielen renommierten Orchestern aufgetreten, darunter das Philharmonia Orchestra in London, das Orchestre Philharmonique de Radio France in Paris, das Tokyo Philharmonic in Tokio, das SWR- und WDR-Radiosinfonieorchester in Stuttgart und Köln, das Belgische Nationalorchester in Brüssel, das Nationalorchester des Italienischen Rundfunks in Turin, das griechische Radiosinfonieorchester, in Athen, Basel Sinfonietta, Icelandic Symphony Orchestra in Reykyavik, Sofia Soloists, Mozart Kammerphilharmonie, die Orchester der Opernhäuser von Stuttgart, Verona, Rouen, Bari, Cagliari, die Philharmonischen Orchester von Straßburg, Nizza, Montecarlo, Les Percussions de Strasbourg, das Ensemble Contrechamps von Genf, die Neuen Vocalsolisten Stuttgart. Er war bei den größten Festivals zu Gast und trat in der Berliner und Kolner Philharmonie, im Concertgebouw in Amsterdam, in der Royal Festival Hall in London, in der Suntory Hall in Tokio, im Linclon Center in New York, in der Mailänder Scala, im Palais des Beaux Arts in Brüssel, im Megaron in Athen, im Herkulessaal in München, im Théâtre du Châtelet in Paris und im Cié de la Musique in Straßburg auf. Er hat mehr als 40 CDs aufgenommen, darunter viele wichtige Uraufführungen sowie die großen Klassiker des Repertoires. Als gefragter Pädagoge gibt er Meisterkurse in der ganzen Welt. Ein kosmopolitischer und polyglotter Künstler. Mario lebt in Straßburg und unterrichtet in Deutschland, an der Musikhochschule in Freiburg i.B. Mario spielt eine Miyazawa-Flöte aus Platin.

José Vicente Castelló wurde in Alicante geboren. Er ist heute einer der führenden Hornspieler Spaniens. Er studierte bei Prof. Radovan Vlatkovic an der Musikhochschule Reina Sofia in Madrid. José Vicente erhielt zahlreiche internationale Preise und Auszeichnungen, darunter den Bärenreiter Urtext Preis beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München im Jahr 2005 und eine Honorable Mention beim Internationalen Musikwettbewerb Prague Spring in 2007. Seit 2011 ist er Solo-Hornist beim Mahler Chamber Orchester. Als Gast und als Solo-Hornist arbeitete er mit so renommierten Ensembles wie dem Chamber Orchestra of Europe, dem Concergebouw Orkest, der Staatskapelle Berlin, dem Philharmonia Orchestra, dem Royal Philharmonic Orchestra, dem London Philharmonic Orchestra, dem hr Sinfonieorchester, der NDR Elbphilharmonie und dem Tonhalle-Orchester Zürich zusammen. Dabei spielte er unter herausragenden Dirigenten wie Mariss Jansons, Pierre Boulez, Daniel Barenboim, Lorin Maazel, Bernard Haitink, Daniele Gatti, Esa-Pekka Salonen, Vladimir Jurowski, Andris Nelsons, Neville Marriner und Sir John Eliot Gardiner. Seit 2004 ist José Vicente Mitglied des Orchestra Mozart in Bologna (Italien) unter der Leitung von Claudio Abbado, welches sich aus führenden Musikern Europas zusammensetzt. Er spielt außerdem im Lucerne Festival Orchestra in der Schweiz. Als Kammermusiker spielte er mit bedeutenden Künstlern wie Mitsuko Uchida, Leif Ove Andsnes, Tabea Zimmermann, Bruno Canino, Radovan Vlatkovic, Klaus Tunemann, Jacques Zoon, Jaime Martin, Paul Meyer, Kim Kashkasian und Mitgliedern des Guarneri, Juilliard und Emerson String Quartetts. José Vicente spielte bei renommierten Kammermusikfestivals wie dem Marlboro Music Festival (USA), Festival de Mégeve (Frankreich), Festival de Santander (Spanien), dem Edinburgh Festival (UK) und den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern und ist seit 2010 künstlerischer Leiter des Festivals Musics en Residencia in Alella, Barcelona.

Von innovativen Unterrichtskonzepten und kreativen Konzertformen inspiriert, möchte Annabelle Cavalli mit der Blockflöte neue Wege des gemeinsamen Musizierens begehen, die Kinder und Jugendliche über alle Altersgruppen hinweg zur Musik führen. Da die Blockflöte in keiner klassischen Besetzung passt, hat sie ein Barockorchester für Kinder und Jugendliche gegründet, in dem Blockflöten mit Streichern gemeinsam musizieren. Ihre Faszination für die Blockflöte reicht, um die schönen Seiten dieses Instrumentes in kreativen Konzepten zu verwandeln: so ist die „Flötenwerkstatt“ entstanden. Diese Art, Musik zu machen, fördert die Begeisterung und das Engagement der Mitspielenden, die innerhalb der Gruppe ihre jeweiliges Können einbringen können. Annabelle Cavalli studierte Blockflöte bei bei Agnes Dorwarth und Musikpädagogik bei Andreas Doerne an der Musikhochschule Freiburg. Ihre Leidenschaft für Musik ist groß und vielfältig, wie ihre zwei Ensembles „L’ Ephémère“ und „Flauto Consort Freiburg“ widerspiegeln. Seit 2012 unterrichtet sie an der Städtischen Musikschule Lahr, weiterhin mit Begeisterung!

Geboren 1967 in Speyer am Rhein und nach grundschulischer, sowie humanistischer Bildung inklusive Erlangung der Hochschulreife (Abi '88) Ableistung des damals noch zwanzigmonatigen Zivildienstes beim ASB Bad Herrenalb. Musikalisch aktiv seit dem zehnten Lebensjahr zuerst an Gitarre, Blockflöte und Waschpulverbehältern. Mehrere Jahre zweigleisig unterwegs an E-Bass und Schlagzeug in den für den Einstieg so wichtigen Schülerbands und Schulensembles. Allmähliche Hinwendung zum Schlagzeug als Hauptinstrument und Unterricht bei verschiedenen regionalen Lehrern. Schlussendlich Studium bei Hiram Mutschler an der Jazz&Rock Schule Freiburg (1991 – 1995). Sonderpreis als bester Drummer beim Nachwuchswettbewerb RockBuster '96 des Landes Rheinland-Pfalz und zweiter Platz mit der Hip-Hop-Jazz-Funk Formation Demnächst Reich. Seitdem als Schlagzeuger, Schlagzeuglehrer, Entertainer und Rhythmuspädagoge tätig in den vielfältigsten Bereichen und Projekten zwischen Jazz, Rock, Pop und Avantgarde. Als Kulturaktivist u.a. Initator der Konzertreihen RUMBLE JAM und HERINGS KULTURELLER SALON in Zusammenarbeit mit dem Zimmertheater Speyer e.V..

Emilie Chabrol ist eine junge französische Saxophonistin und Dirigentin. Sie begann ihr Saxophonstudium am Konservatorium von Versailles in der Klasse von Vincent David und setzte ihre Ausbildung am Konservatorium von Amsterdam bei Arno Bornkamp fort, wo sie ihren Bachelor-Abschluss erwarb. Anschließend studierte sie an der Hochschule für Musik Basel in der Klasse von Marcus Weiss und schloss 2016 mit einem Master of Arts in Musikpädagogik mit Hauptfach Saxophon ab. Parallel zu ihrer instrumentalen Ausbildung begann Emilie 2014 ein Studium in Blasorchesterdirektion bei Felix Hauswirth an der Hochschule für Musik Basel. Sie setzte diese Ausbildung mit einem Masterstudium in Blasorchesterdirektion fort, das sie 2019 erfolgreich abschloss. Im Jahr 2020 absolvierte sie ein einjähriges Weiterbildungsstudium (Certificate of Advanced Studies) in Sinfonischer Orchesterleitung an der Zürcher Hochschule der Künste. Darüber hinaus nahm sie an mehreren Meisterkursen teil, unter anderem bei Johannes Schlaefli und Jorma Panula. Im September 2022 gewann Emilie Chabrol den ersten Preis der 10. Ausgabe des Schweizerischen Dirigentenwettbewerbs für junge Schweizer Dirigentinnen und Dirigenten. Dieser Erfolg eröffnete ihr zahlreiche neue Möglichkeiten in der Schweizer Orchesterszene. Seither wurde sie eingeladen, verschiedene Orchester zu dirigieren, darunter das Schweizer Armeespiel (2023), das Zürcher Jugendblasorchester u25 (2023 und 2024) sowie das Orchester der Jeunes Musiciens Fribourgeois. Zurzeit leitet Emilie die Musikgesellschaft Rietheim sowie die Stadtmusik Bremgarten. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit engagiert sie sich leidenschaftlich für die musikalische Nachwuchsförderung. In Zusammenarbeit mit Cadence – Pôle musical régional (Region Grand Est, Frankreich) arbeitet sie regelmäßig mit jungen Musikerinnen und Musikern und führt sie in die Kunst der Orchesterleitung ein.

Alexis Ciesla studierte in Genf, Lyon und Paris. Bereits während seines Studiums spielte er als Solo-Klarinettist im Jeunesses Musicales World Orchestra und dem Französisch Youth Orchestra. Nach seinem staatlichen Diplom und dem Prüfungszeugnis zum Klarinettenlehrer unterrichtete er am Conservatoire de Musique de Saint-Priest. Cieslas Interesse für Improvisation, Kunst, elektroakustische Musik, Tanz, Straßenmusik und die traditionelle Musik Osteuropas führt ihn immer wieder in innovative Projekte. Unter anderem gründete er das Doumka Clarinet Ensemble mit dem er auf vielen Konzerten, Festivals und CDs gespielt hat. Darüber hinaus ist Alexis Ciesla als Komponist tätig. So hat er unter anderem Übungsstücke für Klarinette, Stücke für Jugendorchester und das Theater sowie eine Klezmer-Suite für Klarinetten-Ensemble, mehrere Streichquartette, Stücke für Klarinette (oder Saxophon) und Klavier geschrieben.

Ian Clarke gilt als einer der führenden Spieler und Komponisten in der Flötenwelt. Seine Kompositionen werden auf der ganzen Welt aufgeführt und haben sich als eines der aufregendsten Flötenrepertoires von heute etabliert, das von international anerkannten Interpretinnen und Interpreten, Lehrplänen, Lehrkräften, Hochschulen & Studierenden gleichermaßen angenommen wird. Ian ist als Gastsolist und -lehrer bei großen Kongressen und Veranstaltungen in Brasilien, Kanada, Island, Japan und vielen europäischen Ländern aufgetreten und hat zahlreiche Auftritte für die British Flute Society (BFS) und die NFA (National Flute Association) in den USA absolviert. 2017 hat er sein neues Konzert für Flöte und Streicher auf dem NFA-Kongress in Minneapolis uraufgeführt. Seine hochgelobte CD „Within“ war einer der Bestseller in der Flötenwelt und sein Album „Deep Blue“ erreichte die Top 10 der UK Classical Artist Chart, was als Premiere für ein Album mit Original-Flötenmusik gilt. Er gab Meisterkurse an vielen der führenden Musikhochschulen, darunter die Royal Academy of Music (RAM) und die Guildhall School of Music & Drama (GSMD) in London, die Juilliard School und die MSM in New York sowie in Ländern von Brasilien bis Japan. In seiner Karriere ist er in verschiedenen Genres aufgetreten, von der klassischen Oper bis hin zu einem Gastauftritt mit der Rockgruppe Jethro Tull/Ian Anderson. Er unterhält eine langjährige Beziehung zu Flutewise (UK) und war deren Künstler des Jahres, und Ian war Gastkünstler bei vielen der besten Flötenkurse. Zusammen mit Clare Southworth von RAM leitete er viele Jahre lang die Woldingham International Summer School. Im Jahr 2016 nahm er am Kurs Complete 21st Century Flutist in Kalifornien teil und kehrte 2018 zurück. Im gleichen Jahr fand die „Grolloo Flute Session 4“ – Ians jährliche Zusammenarbeit mit Matthias Ziegler, Wissam Boustany, Tim Carey und Eva Kingma – zum vierten Mal in den Niederlanden statt. Ian unterrichtet und spielt seit mehr als einem Jahrzehnt bei der Scottish International Flute Summer School. Als Leiter, Co-Leiter und Mitwirkender bei einer Vielzahl von Flötenveranstaltungen hat Ian die Arbeit mit allen Altersgruppen und Stufen im Flötenland und darüber hinaus genossen. Als preisgekrönter Student studierte Ian Teilzeit bei Simon Hunt, Averil Williams und Kate Lukas an der Guildhall School of Music in London. Parallel dazu studierte er Mathematik am Imperial College in London und schloss sein Studium mit Auszeichnung ab. Ian ist Professor für Flöte an der Guildhall School of Music & Drama und Senior Fellow der Higher Education Academy. Ian hat ausgiebig mit dem Musiker/Komponisten Simon Painter zusammengearbeitet, der unter dem Namen Diva Music (www.divamusic.co.uk) Musik für Film und Fernsehen geschrieben, produziert und aufgeführt hat. Ian ist ein internationaler Miyazawa-Flötenkünstler.

Der portugiesische Klarinettist Carlos Cordeiro setzt sich für die Schaffung und Verbreitung neuer Musik ein, arbeitet mit Komponisten und verschiedenen Disziplinen zusammen, improvisiert, studiert und spielt auf den verschiedenen Instrumenten der Klarinettenfamilie. Als Orchester- und Ensemblespieler sowie als Solist hat Carlos Cordeiro Tourneen durch Spanien, China, Italien, Frankreich, die Schweiz, Deutschland, Ungarn, Russland und die Vereinigten Staaten unternommen und in Gruppen wie Argento New Music Project, Reflex Ensemble, New York New Music Ensemble, Metropolis Ensemble, DaCamera Young Artists, Tactus und dem Lucerne Festival Orchestra gespielt. Zu den Dirigenten und Coaches, mit denen er zusammengearbeitet hat, gehören unter anderem Pierre Boulez, Antonio Saiote, Andrew Cyr, Magnus Lindberg, Chen Halevi, Anssi Karttunen, Alain Damiens, Phillipe Couper, Larry Combs, Ernesto Molinari und Marcus Weiss.

Prof. Udo Dahmen spielte u.a. bei: Kraan, Lake, Inga Rumpf, Charlie Mariano, Sarah Brightman, Eberhard Schoener, feat. Sting, Nina Hagen, Gianna Nannini, Jack Bruce, Gary Brooker Er ist der künstlerischer Direktor der Popakademie, Vizepräsident des Deutschen Musikrates, Präsident des europäischen Schlagzeugerverbandes Percussion Creativ und Mitglied im Sprecherrat des Deutschen Kulturrates. Prof. Udo Dahmen absolvierte ein klassisches Schlagzeugstudium an der Musikhochschule Rheinland in Aachen und Köln sowie bei Dante Agostini in Paris. Er war Dozent und leitete den Kontaktstudiengang Popularmusik an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg und baute an der Berufsfachschule für Musik, Dinkelsbühl den Studiengang Rock / Pop / Jazz auf.

Tilmann Dehnhard studierte Querflöte an der UdK Berlin sowie Filmmusikkomposition an der HFF Babelsberg. Er gibt weltweit Konzerte und Workshops im Bereich Jazz, moderne Spieltechniken und Improvisation und ist Lehrbeauftragter für Jazzflöte am Jazz Institut Berlin der Universität der Künste Berlin sowie Dozent für Filmmusik an der HdPK Berlin. Als Gastdozent des DAAD war er im Ausland tätig, eine Gastprofessur führte ihn an die „Pontificia Universidad Javeriana“ nach Bogota, Kolumbien. Tilmann Dehnhard hat mit vielen internationalen Künstlern konzertiert und CDs eingespielt, darunter Sam Rivers, Steve Lacey, Cindy Lauper, Evan Parker, Robbie Williams und Till Brönner. Darüber hinaus komponiert Dehnhard für Theater und Film. Er veröffentlicht CDs mit eigenen Kompositionen sowie bereits mehrere Publikationen, darunter „The New Flute“ ((NFA Award Winner 2014), „Jazz Studies für Flöte“ (NFA Award Winner 2012) und „FluteBeatboxing“, Universal Edition. Tilmann Dehnhard ist offizieller Endorser für Altus Flutes/Artis Music.

Der gebürtige Münchner studierte am renommierten Berklee College of Music in Boston sowie an der New Yorker "New School for Music". Während seines 13-jährigen USA-Aufenthaltes wurde Tino Derado zu einem gefragten Musiker in der Jazz- und Latin-Szene. Er spielte Konzerte u.a. mit: Gary Burton, Peter Erskine, Bob Moses, Randy Brecker, Bill Evans, Paul Winter, Dave Liebman, Adam Nussbaum, Jimmy Cliff , Frank Gambale, Take 6, Jamey Haddad, Chiara Civello, Richard Bona, Matthew Garrison, Joe Chambers, Ernie Watts, Nils Langren, Jojo Meyer, Papo Vasquez, Orlando Marin Y Su Orchestra, Andy Gonzales, Chanquito, Take 6, NY Voices und Fred Hersch. Seit seiner Rückkehr nach Deutschland spielt er in verschiedenen Bands, wie zum Beispiel bei Andy Middleton, Ernie Watts, Rebekka Bakken, Till Brönner, Peter Weniger, Ulita Knaus, Diego Pinera, Billy Hart und der NDR Bigband. Er veröffentlichte 9 CD als Bandleader. Seit 2009 ist er als Lehrbeauftragter an der HDK und der UDK (Berlin) tätig und lebt mit seiner Familie in Berlin. 2014 nahm er den Ruf zum Professor an der Universität in Hannover an.

Pascal Deuber ist 1992 in Rheinfelden/CH geboren. Er hatte bei Heiner Krause in Rheinfelden und später bei Stefan Ruf in Basel an der Musikschule Unterricht und studierte von 2012 bis 2016 an der Musikhochschule in Basel bei Prof. Christian Lampert. In der Spielzeit 2014/15 war er als Solohornist im Sinfonieorchester Wuppertal engagiert, für die Spielzeit 2015/16 wechselte er als stellvertretender Solohornist zur Philharmonischen Staatsorchester Hamburg und dort ab der Spielzeit 2017/18 auf die Position des Solohornisten. Seit September 2019 ist er Solohornist im Bayerischen Staatsorchester an der Bayerischen Staatsoper. Pascal Deuber hat mehrere Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben gewonnen (u.a. 1. Preise beim Schweizer Jugendmusikwettbewerb SJMW, den 1. Preis beim Internationaler Lionsclub Musikwettbewerb 2014 in Birmingham, beim Aeoluswettbewerb in Düsseldorf den Preis für die beste Interpretation eines zeitgenössischen Werkes und den 1. Preis sowie den Publikumspreis beim internationalen ARD Wettbewerb). Als Solist ist er u.a. mit dem Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunk, dem Philharmonischen Staatsorchester Hamburg, dem Münchner Kammerorchester, der Sinfonietta Köln, dem Kammerorchester Basel, dem Basler Festivalorchester und dem Zürcher Kammerorchester aufgetreten. Pascal Deuber war schon Gast bei renommierten Klangkörpern, wie den Berliner Philharmoniker, dem London Symphony Orchestra, Bayreuther Festspielorchester, Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Luzerner Festival Orchester, Sinfonieorchester Basel, WDR Sinfonieorchester Köln, Bamberger Sinfoniker, Dresdner Philharmoniker u.a. und tritt auch als Kammermusiker u.a. im Franz Ensemble und den Munich Opera Horns als Arrangeur und Komponist in Erscheinung.

Der gebürtige Erlanger begann seine musikalische Ausbildung mit sechs Jahren. Er war bereits Preisträger mehrerer Wettbewerbe bevor er sein Studium an der Hochschule für Musik und Theater Hannover bei Prof. Hans Deinzer begann. Bereits während der Ausbildung sammelte er Erfahrungen in der „Jungen Deutschen Philharmonie“ und als Mitglied zahlreicher Kammermusikensembles. Als versierter Kammermusiker konzertierte er mit Moritz Eggert, Gustav und Paul Rivinius, Bernd Glemser, Daniel Gaede, Oliver Triendl, Christoph Berner und Jörg Brückner in den verschiedensten Besetzungen auf. Unter anderem war er 1998 und 2008 Gast der „Mettlacher Kammermusiktage“. Ebenso gastierte er bei den Dresdner Musikfestspielen, den Kammermusiktagen Hitzacker, dem Hohenloher Musiksommer und dem Sächsischböhmischen Musikfestival. Regelmäßig musizierte er mit der „Deutschen Kammerphilharmonie Bremen“. Nach Engagements bei der „Nordwestdeutschen Philharmonie“ in Herford und dem „Frankfurter Opern- und Museumsorchester“ war er Soloklarinettist der Münchner Philharmoniker. Ab 1995 war Fabian Dirr Soloklarinettist der Dresdner Philharmonie. Als Orchestersolist gastierte er u.a. bei der Staatskapelle Dresden, den Bamberger Sinfonikern, dem SWR-Sinfonieorchester Freiburg und dem Konzerthausorchester Berlin. Als Solist interpretierte er Werke von Weber, Mozart, Copland, Nielsen, Debussy und Rossini. Dabei arbeitete er u.a. zusammen mit Raffael Frühbeck de Burgos, Christopher Hogwood und Santtu Matias Rouvalli. Für sein solistisches und kammermusikalisches Schaffen erhielt er 1996 den Kulturförderpreis der Stadt Erlangen. 2002 gastierte er als Solist bei der „Internationalen Orgelwoche Nürnberg“. Seit 1996 ist er Mitbegründer und musikalischer Leiter des „Carus Ensemble Dresden“. Fabian Dirr ist Professor für Klarinette an der Hochschule „Carl Maria von Weber“ in Dresden.

Mit 12 Jahren verliebte sich Helmut Dold in die Trompete und begann seine Karriere im Musikverein Kuhbach. Er spielte nach dem Abitur im Luftwaffenmusikkorps in Karlsruhe, studierte klassische Trompete bei Prof. Robert Bodenröder in Freiburg und wechselte dann zum Jazz. Spezialisiert hat sich auf Dixieland und Swing, war jahrzehntelang leidenschaftlicher Blasmusikdirigent und Trompetenlehrer an der Musikschule Lahr und unterrichtet jetzt als freier Dozent. Mit seinem Mundartprogramm „De Hämme“ tritt er im ganzen Badnerland auf und seine Samstagskolumnen in der Mittelbadischen Presse sind in der Ortenau Kult.

Rudolf Döbler unterrichtet seit 2002 zusammen mit dem holländischen Flötisten Robert Pot in Meisterkursen fortgeschrittene Amateure und Profis. Seit 2009 ist er künstlerischer Leiter der Flötentage Staufen. Schwerpunkt seiner Lehrtätigkeit ist die Verbindung von Spieltechnik und Bühnenpräsenz. Menschen für Musik zu begeistern ist Rudolf Döbler ein Bedürfnis seit er auf der Bühne steht. Seine mit Bedacht gewählten Moderationen eigener Kammerkonzerte, seine Erfahrung als Kinderkonzert-Moderator sowie sein Engagement als Educationbeauftragter des RSB zeugen davon. Seit 2005 koordiniert, organisiert und konzipiert er Workshops und Probenbesuche für Berliner Schulen und Kindergärten. Rudolf Döbler wurde 1966 in Achern (Ortenau) geboren. Er studierte bei William Bennett und John Wright an den Musikhochschulen Freiburg und Karlsruhe. Ergänzend besuchte er Meisterkurse bei Alain Marion, Michel Debost, James Galway, André Jaunet, Geoffrey Gilbert und Robert Dick. Nach Engagements als Soloflötist bei den philharmonischen Orchestern in Dessau und Hagen ist er seit 1993 stellvertretender Soloflötist beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin (RSB). Er ist Mitglied der „14 Berliner Flötisten“ und ein gefragter Interpret zeitgenössischer Musik.

Gauthier Dupertuis (*1997) ist ein junger Schweizer Komponist und Dirigent. Er hat einen Master of Arts in Musikwissenschaft und Philosophie von der Universität Freiburg (Schweiz) sowie einen Master in Blasorchesterleitung von der Haute École de Musique de Lausanne. Er nutzte zudem die Gelegenheit, sich in Meisterkursen bei Dirigenten wie Douglas Bostock, Mark Heron oder José Rafael Pascual-Vilaplana weiterzubilden. Als Dirigent mehrerer Ensembles wird er regelmässig als Gastdirigent, Berater oder Jurymitglied bei Wettbewerben engagiert.

Seine früheren Studien führten ihn ans Konservatorium Freiburg, wo er ein Zertifikat für Chorleitung und ein vorberufliches Zertifikat für Dirigieren in den Klassen von Jean-Claude Kolly, Stéphane Delley und Étienne Crausaz erwarb. Dort wurde er 2021 mit dem Preis der theoretischen Fächer und 2023 mit dem Preis der FCV ausgezeichnet. Schliesslich besitzt er auch einen DAS in Orchesterleitung, den er an der Hochschule der Künste Bern in der Klasse von Florian Ziemen erworben hat.

Gauthier ist auch ein zunehmend gefragter Komponist und Orchestrator. Er ist Preisträger des internationalen Kompositionswettbewerbs „La Bacchetta d'Oro” (2021) und gewann den ersten Preis sowie den Orchesterpreis beim 9. Europäischen Kompositionswettbewerb für Brass Band (2024). Seine Werke sind im Verlag FC Music Publishing erhältlich, der von Franco Cesarini produziert wird.

Der 1973 im Rheinland-Pfälzischen Bad Sobernheim geborene Carsten Ebbinghaus ist Tenorhornist und Posaunist im Musikkorps der Bundeswehr in Siegburg. Sein Studium absolvierte er an der Robert-Schumann-Musikhochschule in Düsseldorf. Als breit aufgestellter Musiker setzt er seine Instrumente in vielen verschiedenen Ensembles und Orchestern und in den unterschiedlichsten Stilrichtungen ein. So ist Carsten Ebbinghaus nicht nur Orchestermitglied bei „Ernst Hutter und den Original Egerländer Musikanten“, einem der renommiertesten und erfolgreichsten Blasorchester der Welt. Vielmehr ist er auch ein gefragter Solist und Dozent für „Tiefes Blech“. Zahlreiche Gastspiele in den USA und im europäischen Raum bei diversen Ensembles und Orchestern, Engagements bei Fernseh- und Rundfunksendungen sowie zahlreiche vielbeachtete CD-Produktionen runden sein breites Spektrum eindrucksvoll ab.

Simon Eckert ist ein junger deutscher Trompeter. Er arbeitete zusammen mit renommierten Ensembles wie der Bigband der Bundeswehr, der WDRBigband, dem Glenn Miller Orchestra, dem WDR-Funkhausorchester und den Nürnberger Symphonikern. Seinen ersten Trompetenunterricht erhielt Simon Eckert ab 2007 über den Musikverein seines Heimatdorfs Rickenbach an der Jugendmusikschule Bad Säckingen; zuerst bei Julian Gibbons, einem klassischen Hornisten und ab 2008 bei Manuel Wagner, einem Jazztrompeter und Instrumentalpädagogen. Vom Beginn seiner Ausbildung am durfte er zeitgleich Erfahrung in den Bereichen Klassik, Jazz, Pop und Blasmusik sammeln und wurde schon früh an die Improvisation herangeführt. Im klassischen Bereich sammelte er, auch als Satzführer und Solist, wichtige Erfahrungen im Verbandsjugendorchester Hochrhein (VJO), dem Sinfonieorchester TriRhenum Basel und als Aushilfe im Landesblasorchester Baden-Württemberg und der Jungen Bläser Philharmonie Nordrhein-Westfalen. Bei «Jugend Musiziert» ging er als Preisträger im Landeswettbewerb (Ensemble) und Bundeswettbewerb (Solo) hervor und nahm am internationalen Trompetenwettbewerb in Bad Säckingen teil. Im Bereich des Jazz/Pop war er Mitglied in der Bigband des VJO und ist Gründungsmitglied der Brass-Pop-Band Brassanas, wo er wichtige Erfahrungen als Leadtrompeter, Solist und Arrangeur sammeln kann. Nach dem Abitur nahm er während einer FSJ-Kultur an der BDB-Musikakademie Staufen vertiefenden und studienvorbereitenden Unterricht bei Jonas Winterhalter und Martin Hutter. Seit Oktober 2021 studiert Simon Eckert Trompete (Jazz/Pop) bei Prof. Andy Haderer und Matthias Bergmann an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln und spielt in der Bigband der Hochschule. Weiterhin erhielt Eckert Unterricht unter anderem bei Bobby Shew, Wayne Bergeron, Allen Vizzutti, Lorenzo Ludemann, Chris LaBarbera, Bastian Stein, Chris Mehler und Jörg Brohm. Inzwischen ist er auch selbst als Trompetenlehrer tätig. Von 2020 bis 2023 war er Mitglied beim Landesjugendjazzorchester Baden-Württemberg» unter der Leitung von Klaus Graf und Rainer Tempel, wo er seine Spezialisierung als Leadtrompeter vertiefen konnte. Ebenfalls führten ihn Aushilfstätigkeiten durch die Landesjugendjazzorchester Nordrhein-Westfalen, Sachsen-Anhalt, Hessen, Rheinland-Pfalz und Schleswig-Holstein und die Bigbands der Musikhochschulen Nürnberg, Mainz und Antwerpen. Er spielt regelmäßig bei dem Fuchsthone Orchestra in Köln, dem Sunday Night Orchestra in Nürnberg und der Bigband Convention Köln. 2023 wurde er in die European Jazz Companions-Bigband berufen und spielte unter der Leitung von Steffen Schorn und Pierre Bertrand an dem mit dem deutschen Jazzpreis gekürten Nuejazz-Festival in Nürnberg.

Axel Eickhoff verfügt über langjährige Erfahrung in der Musik- und Medienpädagogik, in der Lehrerbildung sowie als Kirchenmusiker und Chorleiter. Seit 2001 ist er am Seminar für Ausbildung und Fortbildung der Lehrkräfte tätig – zunächst als Lehrbeauftragter und Fachleiter für Musik, ab 2005 als Bereichsleiter für Pädagogik und seit 2024 als stellvertretender Seminarleiter.Neben seiner Lehrtätigkeit leitet er regelmäßig Fortbildungen und Workshops zum Thema qualitätsorientierter Musikunterricht. Als Mitinhaber der Plattform daskreativeklassenzimmer.de veröffentlicht er praxisnahe Materialien und Handreichungen für den schulischen Alltag.Ein Schwerpunkt seiner musikpädagogischen Arbeit liegt in der Weiterentwicklung des Musizierens mit farbkodierten Instrumenten sowie in der Erarbeitung praxisorientierter Konzepte für den Unterricht.

„... Ein-Habar ist ein Künstler mit Präsenz, Persönlichkeit und tadelloser Leistung...“ (Yossi Schiffmann, Globes) Der ehemalige Soloflötist des Israel Philharmonic, Flötist und Dirigent Eyal Ein-Habar ist derzeit Professor für Flöte an der Musikhochschule Münster. Eyal Ein-Habar ist Preisträger internationaler Wettbewerbe und Auszeichnungen, und seine internationale Karriere hat ihn als Solisten, Dirigenten und Pädagogen rund um den Globus geführt. Sein Debüt als Solist bei den Israelischen Philharmonikern unter Zubin Mehta hatte Eyal im Alter von 18 Jahren. Kurz darauf teilte er die Bühne mit Jean-Pierre Rampal als Co-Solist auf einer Konzerttournee und tritt regelmäßig sowohl als Solist als auch als Dirigent mit allen großen israelischen Orchestern, einschließlich der israelischen Philharmonie, sowie mit zahlreichen Orchestern in aller Welt auf. Er gibt internationale Liederabende und Meisterkurse und ist auf Kammermusikfestivals und Konzerttourneen in Israel, Europa, Nord- und Südamerika und Kanada aufgetreten. 2008 war er Solist auf der IPO-Tournee durch die Vereinigten Staaten, wo er Bernsteins „Halil“ in der New Yorker Carnegie Hall sowie in New Jersey, Philadelphia, San Diego und Los Angeles aufführte. Sowohl Eyal Ein-Habar als auch der Dirigent Gustavo Dudamel erhielten auf dieser Tournee großen Beifall von Kritikern und Publikum. Ein-Habar ist Gründungsmitglied des Israel Woodwind Quintet und des Israel Flute Choir. Er hat Kammermusik mit dem Quintett, dem Israel Flute Ensemble und anderen Ensembles aufgenommen. Seine Aufnahmen sind bei Centaur Records (USA), Meridian (England), IMI (Israel) und anderen Labels zu finden. Seine CD „It Takes Two to Trio“ (Centaur Records) – mit Trios für Flöte, Oboe und Keyboard – wurde vom American Record Guide und vom PanMagazine der British Flute Association hoch gelobt. Eyal ist Preisträger des Internationalen Flötenwettbewerbs von Scheveningen (Holland) 1992, des Francois-Shapira-Wettbewerbs (Israel) 1996 und Preisträger des Internationalen Flötenwettbewerbs von Kobe (Japan) 1993. Er erhielt Stipendien der America-Israel CulturalFoundation (1983-1996) und ist Gründer und musikalischer Leiter des Internationalen Flötenwettbewerbs Fürstenau.

Tobias Elsäßer ist als Musikschullehrer, Tubist, Dirigent und Musikpädagoge in unterschiedlichen Bereichen der Musikvermittlung tätig. Er studierte in Karlsruhe und Trossingen und beschloss sein Studium mit einem Bachelor of Music im Fach Tuba (2013) und einem Master of Music im Fach Rhythmik/EMP (2015). Mit den Vertiefungsfächern Orchester- und Blasorchesterleitung sowie Seminaren in Methodik, Didaktik, Instrumentalpädagogik und Klassenmusizieren/Kinderstimmbildung rundete er seine Hochschulausbildung ab. Seit 2015 ist er als Musikschullehrer und Fachgruppenleiter in den Fächern Rhythmik/EMP, Bläserklassen und tiefe Blechblasinstrumente an der Kunst- und Musikschule Achern-Oberkirch beschäftigt und betreut Kooperationen mit Schulen, Vereinen und Kindergärten. Zudem wirkt er seit 2016 als Musikdirektor für die Stadt Gengenbach. Im Bereich der Konzertpädagogik und Musikvermittlung wirkte er als künstlerischer Leiter u.a. für die Education-Projekte des Festspielhauses Baden-Baden (Spielzeit 2014/15) und der Kindermusikwelt Toccarion. Als Tubist spielte er mit seinem Blechbläserquintett Brass4.1 bei den SWR Festspielen in Schwetzingen und dem Rheingau Musikfestival.

Geboren 1954 in Istanbul. Von 1972 bis 1976 studierte er an der Universität Istanbul Journalistik und spielte während des Studiums in verschiedenen Gruppen Rock, Blues und türkische Tanzmusik. Seit 1978 lebt er in Deutschland und studierte an der Frankfurter Musikwerkstatt Schlagzeug. Er spielt als Percussionist und Schlagzeuger in verschiedenen Ensembles neue und alte Musik. Unter anderem bei dem Orientet , Chris Jarrett Trio, Ensemble Zifafkand, Les Haulz et les Bas, Armonico Tributo Austria, Ensemble FisFüz ... und spielte Konzerte in Deutschland, Frankreich, Italien, Schweiz, Österreich, Sweden, Marocco, Iran und Israel. Er ist der Autor der Schlagzeugschule „Türkische Rhythmen für Schlagzeug und Kudüm“ (Leu-Verlag). Er unterrichtet Rhythmik an der JMS Südlicher Breisgau und gibt Workshop für Kinder und Erwachsene.

Christoph Eß ist als Solohornist der Bamberger Symphoniker Preisträger zahlreicher internationaler Wettbewerbe und tritt zudem als gefragter Solist und Kammermusiker in Erscheinung. Zum Wintersemester 2017/2018 folgte er einem Ruf als Professor für Horn an die Musikhochschule Lübeck. Seine Ausbildung begann er bei Peter Hoefs an der Tübinger Musikschule und studierte bei Prof. Christian Lampert und Wolfgang Wipfler an den Musikhochschulen Basel und Stuttgart, wo er im Juni 2008 sein Diplom mit Auszeichnung ablegte.

Prof. Miguel Etchegoncelay hat in Argentinien, Italien, der Schweiz und Frankreich Komposition und Dirigieren studiert. Er verfügt über Master-Abschlüsse in Dirigieren von den Konservatorien Basel und Zürich, ISEB (Trento) sowie einen Master-Abschluss in Politik und Kulturmanagement von der Universität Strassburg.

Zu seinen Lehrern gehörten Franco Cesarini, Felix Hauswirth, Jan Cober, Eugene Corporon und Tim Reynish.

Er dirigiert und unterrichtet regelmäßig in ganz Europa, den Vereinigten Staaten und Lateinamerika. Er ist Professor für Instrumentaldirigieren am Conservatoire de Strasbourg und Chefdirigent mehrerer Ensembles in der Schweiz, Frankreich und Deutschland – u.a. Dirigent des Freiburger Blasorchesters (FBO), welches bei verschiedenen Veranstaltungen in der BDB-Musikakademie Staufen als Lehrgangsorchester zur Verfügung steht.

Im Juli 2024 wurde er zum Präsidenten des Weltverbandes für Bands und Ensembles (WASBE) gewählt.

Asya Fateyeva rückt das Saxophon neu in den Fokus des Musiklebens: mit innovativen Programmen und großem Können. Klassisch ausgebildet und vielfach ausgezeichnet, liebt es Asya Fateyeva, musikalisch verschiedenste Stile und Epochen zu erkunden.

Asya Fateyeva, geboren auf der Krim, widmet sich die Saxophonistin einem breiten Repertoire. Dazu gehören neben Originalwerken für ihr Instrument auch Werke aus dem Barock, der Klassik und der Romantik. Parallel erweitert sie ihr Repertoire und das Netzwerk jener Musikerinnen und Musiker, mit denen sie arbeitet, auftritt und an neuen Programmen tüftelt. Neben den klassischen Konzerten mit Orchester und Solo-Recitals probiert sie vor allem kammermusikalisch alles aus, was sie interessiert. Ob ein frühbarockes Programm oder Bachs Goldberg-Variationen, arrangiert für Violoncello, Akkordeon und Saxophon, ob Musik der 1920er-Jahre von Erwin Schulhoff und Zeitgenossen oder eine Begegnung von Orgel und Saxophon – alles ist möglich. Auch Projekte mit Jazz und Weltmusik. Asya Fateyeva versteht sich als multikulturell empfindende und arbeitende Musikerin. Ihr Spiel vereint verschiedenste Schulen und diverse Einflüsse.

Die klassisch ausgebildete Saxophonistin gehört zu den herausragenden Vertretern ihres Fachs und ist vielfach preisgekrönt. Als erste Frau erreichte sie etwa 2014 das Finale des namhaften Internationalen Adolphe-Sax-Wettbewerbs in Belgien und erspielte sich den 3. Platz. Der Musikkritiker Harald Eggebrecht schrieb im gleichen Jahr über sie in der Süddeutschen Zeitung:

„Die junge Asya Fateyeva spielt Altsaxophon so vornehm und souverän, dass die Schönheit des von ihr hervorgezauberten Klangs in Debussys Rhapsodie für Saxofon und Klavier jeden betört.“

Asya Fateyeva tritt mit zahlreichen Orchestern auf. So etwa unter der Leitung von Vladimir Fedoseyev mit den Wiener Symphonikern im Musikverein Wien. Mehrfach musizierte sie mit den Moskauer Virtuosen unter Leitung von Vladimir Spivakov. Sie gastierte außerdem bei dem MDR Sinfonieorchester, dem Tschaikowski Rundfunksymphonieorchester und bei den Bochumer Symphonikern, bei der Dresdner Philharmonie sowie dem Sinfonieorchester in Wuhan. Hinzukommen Auftritte mit Orchestern aus Bonn, Frankfurt/Oder und Kassel.

Großen Anklang fanden ihre Konzerte bei Festivals in Luzern, Colmar, Moskau, Fermo, Köln und Sankt Petersburg sowie bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern und den Musikfestspielen Dresden, bei dem Schleswig-Holstein Musikfestival, bei dem MDR Musiksommer und dem Musikfest „Spannungen“ in Heimbach.

Ihre Ausbildung vereint die russische Tradition mit der klassischen Schule des französischen Saxophon-Spiels. Nach zwei Jahren als Jungstudentin bei Professor Daniel Gauthier an der Hochschule für Musik in Köln begann Asya Fateyeva mit 17 Jahren ihr reguläres Studium dort. Studienaufenthalte in Frankreich unter anderem bei Claude Delangle in Paris und Jean-Denis Michat in Lyon gaben wichtige Impulse. Außerdem der Aufbau-Studiengang Kammermusik an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg. Aktuell unterrichtet die Wahl-Hamburgerin klassisches Saxophon an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg und an der Musikhochschule Lübeck.

„Mit Saxophon geht alles! Ich liebe diesen Ozean an Möglichkeiten.“ Asya Fateyeva sieht für ihr Instrument keine Grenzen. Stetig erweitert sie ihr Repertoire und das Netzwerk jener Musikerinnen und Musiker, mit denen sie arbeitet, auftritt und an neuen Programmen tüftelt. „Ich konzentriere mich auf meine Wünsche und das, was ich erforschen möchte. Und dazu gehört unbedingt, Brücken zu schlagen in alle möglichen Richtungen“, bekennt die Musikerin, die auf der Halbinsel Krim ihre Wurzeln hat und heute in Hamburg lebt.

Als sie ihre Laufbahn als Saxophonistin startete, empfand Asya Fateyeva ihr eigenes Instrument ein bisschen so, als wenn es auf einer Roten Liste für gefährdete Arten steht. Klassisches Saxophonspiel zu etablieren – das sah sie zunächst als ihre Berufung. Doch dieses Gefühl ist jetzt weg. Und es setzt Kräfte frei: Asya Fateyevas musikalische Projekte sind aktuell sehr vielfältig.

Schlüsselerlebnisse für diesen neuen Kurs gab es mehrere. Beeindruckt hat sie besonders die Begegnung mit dem Trompeter und Komponisten Markus Stockhausen. „Wie er Jazz, Neue Musik und Klassik verbindet, das spricht mich sehr an“, erzählt Asya Fateyeva. Sie hatte ihn im Sommersemester 2018 in ihren Unterricht eingeladen, damit ihre Studierenden eine solche Musikerpersönlichkeit kennenlernen. „Ich hatte so etwas nicht in meiner Ausbildung erlebt. Dabei ist das so wichtig, damit das eigene Musizieren lebendig bleibt.“

Asya Fateyeva selbst fährt künstlerisch mehrgleisig. Neben den klassischen Konzerten mit Orchester und Solo-Recitals probiert sie vor allem kammermusikalisch alles aus, was sie interessiert. Ob ein frühbarockes Programm oder Bachs Goldberg-Variationen, arrangiert für Violoncello, Akkordeon und Saxophon, ob Musik der 1920er-Jahre von Erwin Schulhoff und Zeitgenossen oder eine Begegnung von Orgel und Saxophon – alles ist möglich. Dabei reizt es Asya Fateyeva besonders, auch zu improvisieren. „Für mich bedeutet das, auf meine eigene Musiksprache zu vertrauen, und die speist sich aus allem, was ich bisher musikalisch erfahren habe.“

„Nicht einem Instrument gehört die Musik!“

Und dazu gehören eben auch Begegnungen mit anderen Kammermusikern wie den Cellisten Eckart Runge und Tanja Tetzlaff, den Pianisten Jacques Ammon, dem Organisten Sebastian Küchler-Blessing und der Lautten Compagney sowie noch vielen anderen. Gern eignet sich Asya Fateyeva Werke an, die ursprünglich für andere Instrumente geschrieben worden sind. Aufregend war es etwa für sie, Mozarts Klarinettenkonzert mit Barockorchester aufzuführen. „Nicht einem Instrument gehört die Musik!“ Asya Fateyeva lacht, wenn sie das sagt, weil letztlich weiß sie: „Ich muss niemanden mehr überzeugen, dass mit Saxophon alles geht.“

Asya Fateyeva selbst muss niemandem mehr etwas beweisen, weil ihr Lebensweg und ihre CDs für sich sprechen. So nahm sie bereits einige Programme auf, erreichte etwa als erste Frau 2014 das Finale des namhaften Internationalen Adolphe-Sax-Wettbewerbs in Belgien und erspielte sich den 3. Platz. 2016 folgte der Echo Klassik Award für ihr Debüt-Album – einer von vielen Preisen. Die Basis des Erfolgs von Asya Fateyeva ist eine umfassende Ausbildung bei zahlreichen Größen der französischen Schule des Saxophon-Spiels.

Asya Fateyeva wurde in Kertsch auf der Krim geboren. Noch gut erinnert sie sich an die salzige Luft, die sie geschmeckt hat, wenn sie als Kind die Musikschule direkt an der Küste besuchte. Ihre Eltern förderten früh ihre Liebe zur Musik. Mit sechs Jahren begann die Tochter eines Profi-Fußballers mit dem Klavierspiel. „Meine erste Klavierlehrerin Valentina Nikishina hat eine tiefe Liebe zur Kunst in mir gesät und mich mit der Tiefe der russischen Schule vertraut gemacht“, erzählt Asya Fateyeva.

Multikulturell arbeiten und Brücken bauen

Mit zehn Jahren hat Asya Fateyeva das Saxophon für sich entdeckt. Eigentlich wollte ihr Vater das Instrument lernen, doch sofort begeisterte sie sich für den warmen Klang des Saxophons. „Ich war beim ersten Ton verliebt und hatte das Glück, gleich eine hervorragende Lehrerin zu finden!“ In Simferopol brachte Lilija Russanowa ihr die Tradition der französischen Saxophon-Schule nahe. Schon nach einem halben Jahr trat Asya Fateyeva mit Orchester auf.

Es folgten Studien bei Professorin Margarita Shaposhnikova am berühmten Gnessin-Institut in Moskau und Meisterkurse im französischen Gap. 2004 zog Asya Fateyeva schließlich nach Deutschland um - ihre Eltern siedelten mit beiden Töchtern nach Hamburg über. Asya Fateyeva zog bald weiter nach Köln, weil sie als Jungstudentin bei Daniel Gauthier studieren konnte; der Franko-Kanadier hatte die erste Professur für klassisches Saxophon inne. Mit 17 konnte die Hochbegabte ihr reguläres Saxophon-Studium an der Hochschule für Musik in Köln aufnehmen. Studienaufenthalte in Frankreich unter anderem bei Claude Delangle in Paris und Jean-Denis Michat in Lyon gaben wichtige Impulse. Daran schlossen sich Studien in Kammermusik an der Folkwang Hochschule in Essen und an der Hamburger Musikhochschule an.

Asya Fateyeva versteht sich als multikulturell empfindende und arbeitende Musikerin. Ihr Spiel vereint verschiedenste Schulen und diverse Einflüsse. Ihr Credo: „Man lernt ständig dazu, wenn man etwas ausprobiert.“ Sie entwickelt dabei ihre internationale Karriere stetig weiter und ist bereits mit zahlreichen namhaften Orchestern aufgetreten – so etwa mit den Wiener und Bochumer Symphonikern, dem Sinfonieorchester von Wuhan und dem vom MDR. Sie ist zu Gast bei namhaften Festivals wie etwa dem Kammermusikfest „Spannungen“ und tritt an bedeutenden Konzertorten wie der Elbphilharmonie Hamburg und der Philharmonie Luxemburg auf. Sie unterrichtet seit 2014 klassisches Saxophon – aktuell an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg.

Asya Fateyeva liebt auch moderne und zeitgenössische Musik. Ihr Ziel ist es weiterhin, zeitgenössische Komponisten für das klassische Saxophon zu gewinnen. „Insbesondere braucht es mehr Auftragswerke für Saxophon-Solo und Orchester“, findet die Künstlerin. Dafür zu sorgen, das ist Teil ihrer Mission. Einer Mission, die schon sehr viele Facetten entwickelt hat und sicherlich noch weiter überraschen wird.

Vitaliya Fedosenko wurde am 19.08.1980 in Mogilev, Weißrussland geboren. Im Zeitraum zwischen September 1998 und Juni 2003 studierte Vitaliya Fedosenko an der Weißrussischen Staatlichen Hochschule für Musik Klavier und erhielt ein Diplom mit Auszeichnung.  Anschließend folgte ein Studium an der Musikhochschule Köln, Standort Wuppertal in der Studienrichtung Künstlerische Instrumentalausbildung (Klavier) in der Klasse von Prof. Dr. Florence Millet. Danach absolvierte sie das Klavierduo-Studium in der Klasse von Prof. H.-P. Stenzl an der Hochschule für Musik in Stuttgart.

Während ihrer Studienzeit nahm Vitaliya Fedosenko an mehreren internationalen Klavierwettbewerben teil, unter anderem an einem Klavierduo-Wettbewerb in Rom, Italien, wo sie zusammen mit ihrer Schwester zwei zweite Preise in den Kategorien vierhändig und auf zwei Klavieren erhalten hat. Im Januar 2009 waren die Schwestern Finalistinnen des renommierten Mendelssohn Hochschulwettbewerbs in Berlin.

Seit Oktober 2005 ist Vitaliya Fedosenko in der städtischen Musikschule Aalen als Klavierlehrerin und Korrepetitorin tätig. Erfahrungen im Bereich Korrepetition sammelte Vitaliya unter anderem im Operntheater von Minsk, wo sie ein Jahr tätig war, und bei diversen Meisterkursen und Projekten, wie zum Beispiel Aalener Saxophontage.

Ferrer Ferran wurde 1966 in Valencia in Spanien geboren. Im Alter von nur fünfzehn Jahren hatte er bereits Studien als Pianist und Schlagzeuger absolviert. Weiterhin erhielt er Diplome in den Fächern Kammermusik und Begleitung. Er erwarb einen Abschluss in Komposition und Direktion an der Royal Academy of Music in Großbritannien. Ferran ist bereits in ganz Spanien als Solist, zusammen mit Kammerensembles und als Begleiter großer internationaler Solisten aufgetreten. Er arbeitet mit einer Reihe spanischer Sinfonieorchester zusammen. Darüber hinaus ist er als Komponist, Pianist, Dirigent und Lehrer am Conservatorio Superior de Musica de Valencia tatig. Ferrans Schwerpunkte sind die Bereiche Komposition und Begleitung. Er verfasste bereits zahlreiche Kompositionen, darunter Werke für Ensemble, Chor, Kammerorchester und symphonisches Blasorchester - die Urauffuhrungen fanden meist mit berühmten Ensembles statt. Verschiedene Werke Ferrer Ferrans wurden als Pflichtstiicke fur wichtige Wettbewerbe und Festivals ausgewahlt. Er bekam mehrere Ausreichnungen und Anerkennungen fur seine Kompositionen, wie zum Beispiel einen von der Organisation Juventudes Musicales de Espana (Junge Musiker von Spanien) verliehenen Preis. Daneben gewann er auch einige Preise in Corciano (Italien). Ferrans Kompositionen wurden von Verlagen in Spanien, Frankreich und den Niederlanden herausgegeben. Seit 2002 werden seine Werke bei Ibermúsica veroffentlicht.

Laura Ruiz Ferreres ist seit 2011 Professorin für Klarinette an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main, außerdem ist sie derzeit Solo-Klarinettistin im Oxford Philharmonic Orchestra. Davor war sie erste Solo-Klarinettistin im Orchester der Komischen Oper Berlin unter der Leitung von Kirill Petrenko. Von 2007 bis 2010 unterrichtete sie an der Universität der Künste Berlin, wo sie eine eigene Klasse leitete. Sie ist künstlerische Leiterin und Mitbegründerin des DeltaChamber Music Festivals, einem internationalen Kammermusik-Festival, das jährlich im August in Amposta (Spanien) stattfindet. Als Solistin und Kammermusikerin hat Laura Ruiz Ferreres mehrere CDs eingespielt, eines davon beim Label Sony Classical (2018) mit den Goldberg-Variationen für Septett von J. S. Bach. Und zuletzt beim Schweizer Label Pan Classics (2022): eine Koproduktion mit dem Deutschlandfunk: Lyrisches Intermezzo, Kammermusik für Tenor, Klarinette und Klavier mit Werner Güra und Christoph Berner. Sie ist eine der wenigen Klarinettisten, die beide Systeme, d.h. das französische und das deutsche, beherrscht und unterrichtet. Sie ist mehrfache Preisträgerin internationaler Wettbewerbe und konzertiert regelmäβig als Solistin, Kammermusikerin und Orchestermusikerin. Laura Ruiz Ferreres tritt regelmässig als Soloklarinettistin mit der Bayerischen Staatsoper, der Staatskapelle Dresden, dem Bayerischen Staatsorchester, dem Deutschen Symphonie- Orchester Berlin, der Staatskapelle Berlin, den Hamburger Philharmonikern, dem Orquestra de Cadaqués, dem Orquestra del Gran Teatre del Liceu, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Gürzenich Orchester Köln und dem Mahler Chamber Orchestra auf. Sie hat unter der Leitung von renommierten Dirigenten wie Kirill Petrenko, Daniel Barenboim, Teodor Currentzis, Sir Colin Davis, Vladimir Ashkenazy, Bernhard Haitink, Sir Neville Marriner, Kent Nagano, Christoph Eschenbach, Paavo Järvi, Daniele Gatti und Pierre Boulez u.a.m. gespielt

Angela Firkins wurde in Hamburg als zweites von vier Kindern einer Pastorenfamilie geboren. Nach vorherigem Blockflöten- und Klavierunterricht begann sie im Alter von neun Jahren mit dem Querflötenunterricht und wurde in den Musikzug des Albert-Schweitzer-Gymnasiums eingeschult. Mit elf Jahren wurde sie Mitglied des Albert-Schweitzer-Jugendorchesters, wo sie zusätzlich zur Flöte auch als Bratschistin mitspielte. Zur gleichen Zeit nahm sie zum ersten Mal in der Solo- und Triowertung am Wettbewerb Jugend musiziert teil und erhielt erste Preise auf der Bundesebene. Ab 1976 erhielt Angela Firkins ihren Unterricht bei Prof. Jean-Claude Gérard (damals Soloflötist an der Hamburgischen Staatsoper), bei dem sie dann auch ab 1978 Jungstudentin an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg wurde. 1977 und 1981 erhielt sie weitere 1. Bundespreise im Wettbewerb Jugend musiziert. Dadurch wurde ihr 1978 die Aufnahme ins Bundesjugendorchesters ermöglicht, in welchem sie bis 1983 Mitglied war. Ein besonders wichtiger Schritt war die Gründung des Albert Schweitzer Quintetts aus Mitgliedern des Albert Schweitzer Jugendorchesters. Mit diesem wurde die Arbeit immer intensiver und hält bis in die Gegenwart an. Neben vielen anderen Auszeichnungen (u. a. Preisträger des ARDWettbewerbs 1985) erhielt das Ensemble für die Gesamtaufnahme der Bläserquintette Anton Reichas den Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik 1989. 1981 absolvierte Angela Firkins ihr Abitur und konnte sich nun vollständig der Musik widmen. Bereits neben der Schule hatte sie auch ein ordentliches Studium an der Hochschule Hamburg im Diplomstudiengang begonnen, welche sie 1983 mit dem Diplom und 1987 mit dem Konzertexamen mit Auszeichnung abschloss. 1983-1985 setzte sie ihr Studium in Freiburg bei Prof. William Bennett fort und legte dort die künstlerische Reifeprüfung ab. 1985-1987 folgte ein Studium in der Meisterklasse an der Musikhochschule München bei Prof. Paul Meisen mit dem Abschluss Meisterklassenpodium. Es folgten solistische Wettbewerbserfolge, u.a.ein dritter Preis beim deutschen Musikwettbewerb in der Wertung Holzbläser solo und der erste Preis Querflöte solo im Wettbewerb der deutschen Musikhochschulen 1986. Von 1983-1985 war Angela Firkins Mitglied der Jungen deutschen Philharmonie (damals noch Bundesstudentenorchester) und von 1985-1988 des Jugendorchesters der Europäischen Gemeinschaft. Ab 1988 war sie die Soloflötistin der Symphoniker Hamburg und wechselte 1994 auf die gleiche Position in der Radiophilharmonie Hannover des NDR. 1997 folgte sie einem Ruf an die Musikhochschule Lübeck, wo sie seitdem als Professorin für Flöte und Kammermusik eine erfolgreiche Klasse betreut und sich als Leiterin des ISMA (Institut für schulbegleitende Musikausbildung) um die Nachwuchsförderung kümmert. Aushilfstätigkeiten in diversen Orchestern, in der deutschen Kammerphilharmonie, beim ensemble resonanz in Hamburg, sowie beim Linos Ensemble sind außerdem ein wichtiger Teil ihres Lebens. Seit 1989 ist sie mit Donald Firkins (Solohornist der Symphoniker Hamburg) verheiratet. Gemeinsam haben sie fünf nun schon erwachsene Kinder und leben in Hamburg in einem Einfamilienhaus, in dem Stadtteil, in dem Angela Firkins aufgewachsen ist.

Dr. Heike Fricke studierte Musikwissenschaften, Publizistik und Theaterwissenschaften an der FU Berlin und promovierte dort mit einer Arbeit zur Klarinette im 18. Jahrhundert. Als Organologin war sie tätig in den Musikinstrumenten-Sammlungen in Berlin (SIMPK), Edinburgh (EUCHMI) und New York (Metropolitan Museum), wo sie mit dem begehrten Andrew W. Mellon Fellowship ausgezeichnet wurde. Sie verfasste Lexikonbeiträge (MGG, New Grove Dictionary of Musical Instruments, Lexikon der Holzblasinstrumente), Bücher (Faszination Klarinette, Die Klarinette im 18. Jahrhundert, Georg Kinskys nie gedruckte Geschichte der Blasinstrumente) und zahlreiche Aufsätze in Sammelbänden und Fachzeitschriften. Sie ist Herausgeberin der Fachzeitschrift rohrblatt. Am Musikinstrumentenmuseum der Uni Leipzig leitet sie die Digitalisierungs- und Forschungsprojekte TASTEN und DISKOS.

Uli Führe, hat Schulmusik (Hauptfach Violine, Leistungsfach Gesang) und Popularmusikstudium (Hauptfach Gitarre) studiert und das 2.Staatsexamen für Schulmusik abgelegt. Zwischen 1982 und 1998 hatte er diverse Lehraufträge für Musikpädagogik in Stuttgart, Freiburg und Basel. Seit 1997 unterrichtet er an der Musikhochschule Freiburg Improvisation im Fachbereich Rhythmik. Hauptberuflich ist er als freier Kursleiter in den Bereichen Stimmbildung für Chorleiter, Sänger, Musikerzieher und Liedpädagogik für Erzieher und Lehrer unterwegs. Als Komponist und Musiker wirkte er viele Jahre bei dem Ensemble Trisam mit, das er 1985 gegründet hatte. Das Ensemble spielte Musik durch die Zeiten aus verschiedenen europäischen Regionen und diversen Stilrichtungen. Seine Kompositionen haben längst ihren Weg in den Schulalltag und in die Chöre gefunden. Für seine Kinderlieder Kroko Tarrap wurde er für den Leopold, den Preis Gute Musik für Kinder der Jugendmusikschulen in Deutschland, nominiert. Die Jazzkanons sind fester Bestandteil von Sing- und Chorbüchern im In- und Ausland. Seit 1976 tritt er mit seinem badischen Kleinkunstprogramm vor allem im süddeutschen Raum auf, aber auch immer wieder in der Schweiz und im Elsass. Bekannt wurde er vor allem für seine witzigen und ironischen Lieder, die den Menschen und das Zeitgeschehen unter die Lupe nehmen. Er erhielt dafür u.a. vom Land den Kleinkunstpreis Baden-Württemberg. Von 1987 bis 1999 arbeitete er als freier Autor beim SWR, wo er allwöchentlich mit Glossen und Szenen auf das Zeitgeschehen reagierte. Es entstanden in dieser Zeit auch mehrere Hörspielmusiken. Uli Führe hat vielseitige Veröffentlichungen im Bereich Musikpädagogik, Chorliteratur und Übungsbücher vorgelegt und zahlreiche Tonträger veröffentlicht.

Gerhard Füßl studierte Posaune an der Universität für Musik in Wien. Er war Mitglied der Gruppe „Die Tanzgeiger“ unter der Leitung von Rudi Pietsch und ist Gründungsmitglied des international gefeierten Ensembles Mnozil Brass welches seit Jahrzehnten weltweit Konzerte gibt und die Blasmusikszene speziell in Österreich in neue Dimensionen weiterentwickelt hat. Neben seiner aktiven Laufbahn als Musiker widmet sich Füßl seit vielen Jahren mit großer Leidenschaft der Musikvermittlung. Er unterrichtet am Musikum Salzburg und hatte von 2002 bis 2015 einen Lehrauftrag für das Fach „,Ensemblespiel Cross Over" an der Universität für Musik und darstellende Kunst Mozarteum Salzburg. Darüber hinauswar er regelmäßig als Dozent bei renommierten Festivals und Fortbildungsveranstaltungen tätig - unter anderem beim Festival „Xong" in Mals (Italien), der „Brass Week" in Samedan (Schweiz). Seit 2015 ist er als Referent in der BDB-Musikakademie in Staufen (Deutschland) tätig. Seine Expertise gibt er zudem in zahlreichen Workshops im In- und Ausland weiter. Stationen seiner internationalen Unterrichtstätigkeit waren, unter anderem Australien, Taiwan, Japan, Schweden, die USA, Großbritannien, Luxemburg und Deutschland.

Kerstin Füßl hat sich schon immer für ganzheitliche Behandlungsmethoden interessiert. Parallel zu ihrer schulmedizinischen Ausbildung als Biomedizinische Analytikerin, der Tätigkeit in verschiedensten Laboratorien sowie als Laborleiterin eines Sicherheits-Forschungslabores, begleiten die ganzheitlichen Behandlungsmethoden sie seit vielen Jahren. Weitere Infos sind auf ihrer Webseite zu finden. Berufsausbildung: Biomedizinische Analytikerin, BSc, Wingwave Coach, EMDR Coach, ONLINE Coaching: neuro-emotionaler Coach Dipl. TCM Qigong Lehrerin, JinShinJyutsu Praktikerin

Dorothea Gaedeke hat eine Schauspielausbildung an der Folkwangschule Essen und bei Jacques Lecoq in Paris absolviert. 25 Jahre lang arbeitete sie als Schauspielerin an deutschen und französischen Bühnen, in TV und Film. Zusätzlich bildete sie sich zur Stimmtherapeutin bei Schlaffhorst-Andersen und am Lichtenberger Institut weiter. Als Stimmtherapeutin ist sie am Freiburger Institut für Musikermedizin tätig, hat einen Lehrauftrag an der Musikhochschule Freiburg und arbeitet als Stimm- und Sprechcoach für das Theater Freiburg, das Theater Kabawil Düsseldorf, die Duale Hochschulen Baden-Württemberg und das Priesterseminar Freiburg, u.v.a.. Sie gibt Fortbildungen zu Stimme, Sprache, Rhetorik, Kamerapräsenz und arbeitet kontinuierlich als Rezitatorin und Performerin und in Radiohörspielen und-Features. www.stimmhandlung.de

Die Flötistin Anna Galow studierte bei Prof. Nikolaus Delius in Freiburg und besuchte Meisterkurse bei Trevor Wye, William Bennett, Robert Aitken, Manfred Schmitz, Mario Caroli und Christina Fassbender. Bei Roberto Fabbricciani nahm sie Unterricht in Arezzo, Italien, mit dem Schwerpunkt zeitgenössische Musik. Schon während des Studiums hatte sie einen Lehrauftrag für Querflöte an der Pädagogischen Hochschule in Freiburg inne. Seit 1991 ist sie Lehrerin für Querflöte und Kammermusik an der Jugendmusikschule Südlicher Breisgau, seit 2007 unterrichtet sie zudem Querflöte und Blockflöte im Montessori Zentrum Angell und für den Musikverein Zähringen. Als Flötistin arbeitete sie mit Dirigenten wie Hans Michael Beuerle, Wolfgang Schäfer, Winfried Toll und Justus Frantz zusammen. Außerdem absolvierte sie eine Gesangsausbildung, unter anderem bei Dorothea Unger, Gabriele Kniesel und Ursula Eittinger, was ihr ermöglichte, 1988 als Sängerin der Camerata vocale Freiburg unter der Leitung von Winfried Toll beizutreten. Mit diesem renommierten Chor nahm und nimmt sie an zahlreichen Wettbewerben, Festivals und Konzertreisen, u.a. in die Schweiz (Luzern Festival und Olsberg Festival), Irland (internationaler Chorwettbewerb), Island, Israel, Italien, Spanien, Portugal, Polen, Tschechien, Kanada, Brasilien, Südkorea und Bahrain teil. Anna Galow ist seit dem Jahr 2000 Mitglied des Flötenquartettes Contravers (mit Constanze von Baußnern, Stefanie Geisberger und Ortrun Kestel) und hat sowohl mit diesem Ensemble als auch mit vielen anderen Kammermusikpartnern ein umfangreiches Repertoire erarbeitet, das sie regelmäßig bei Konzerten präsentiert. Außerdem tritt sie als Orchestermusikerin und als Solistin auf. In der BDB-Akademie ist sie seit 2011 als Dozentin bei Goldlehrgängen, C2-Kursen, der Familien-Orchesterfreizeit und für Ensembleleitung tätig.

Aristides Ariel Porto Garcia studierte Klarinette bei Prof. Vicente Monterrey. Während seiner Studienzeit hat er verschiedene Preise als Solist und Kammermusiker gewonnen. Er ist Mitglied des Youth Orchestra of the Americas. Seit 2011 ist er Solist beim Nationalsinfonieorchester Kubas, Solist beim Lyceum Mozartiano de la Habana und Mitglied des Solistenkatalogs des Nationalzentrums für Konzertmusik "Amadeo Roldán". Er hat schon unter der Leitung so namhafter Dirigenten wie Thomas Hengelbrock, Yoshikasu Fukumura, Walter Reiter, Jorge Rotter, Heribert Breuert und Francesco Belli gespielt und war als Kammermusiker beim Mozart Habana Festival, beim Festival für zeitgenössische Musik Kubas, beim Festival Leo Brower, beim Festival für Kammermusik des kubanischen Instituts der Musik sowie beim Rheingau-Musik-Festival mit der Cuban-European Academy (CuE) und Spektrum-Bläserfestival an der Hochschule für Musik Freiburg vertreten. Als Solist trat er im Kulturzentrum Eugene Oneill (Costa Rica), im Carlos-Piantini-Saal im Nationaltheater Eduardo Brito (Santo Domingo, Dominikanische Republik), im Solitär Kammermusiksaal und Wiener Saal auf. Darüber hinaus hat Aristide Ariel Porto Garcia bei zahlreichen CD und DVD Produktionen mitgewirkt. Im Oktober 2017 nahm er das Masterstudiums beim Prof. Kilian Herold und Prof. Anton Hollich an der Hochschule für Musik Freiburg auf.

Dr. Marco Geigges ist im Vorstand der Bläserjugend im Bund Deutscher Blasmusikverbände insbesondere für überfachliche Themen zuständig. In dieser Funktion organisiert und leitet er Kursangebote zur Aus- und Weiterbildung von Jugendleitern, Vereinsvorsitzenden und anderen Vereinsfunktionären. Zudem ist Marco Geigges als Dirigent mehrerer Blasorchester aktiv.

Andraž Golob ist Solo-Bassklarinettist der Berliner Philharmoniker. Er entdeckte die Klarinette durch eine Klezmer-CD seines Vaters und verliebte sich sofort in ihren Klang. Die Entscheidung, welches Instrument er lernen wollte, fiel ihm also leicht. Nachdem er an der Musikschule seiner Heimatstadt Celje in Slowenien angefangen hatte, studierte er an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Graz bei Gerald Pachinger und Bertram Egger. Darüber hinaus besuchte er Meisterkurse, unter anderem bei Mathias Schorn, Andreas Schablas, Johann Hindler und Kilian Herold. Das gemeinsame Musizieren mit anderen und die Faszination für das Orchesterrepertoire bestärkten ihn in seiner Entscheidung, den Beruf des Orchestermusikers einzuschlagen. Als mehrfacher Preisträger internationaler Wettbewerbe sammelte Andraž Golob seine ersten Orchestererfahrungen durch temporäre Arbeiten beim Grazer Philharmonischen Orchester, den Nürnberger Symphonikern und der Wiener Staatsoper sowie als Mitglied des Gustav Mahler Jugendorchesters und als Akademiemitglied die Wiener Philharmoniker.

Mehrfache erste Preise und Auszeichnungen, unter anderem beim Bundeswettbwerb „Jugend Musiziert“ oder dem Nürnberger Klavierwettbewerb führten Annique Göttler zum Studium an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellenden Kunst Stuttgart, wo sie mittlerweile sowohl den Bachelor (2017), als auch den Master of Music (2020) und das Konzertexamen (2023) mit der höchst Bewertung „Sehr gut mit Auszeichnung“ bei Prof. Hans-Peter Stenzl absolvierte.

Ihre Ausbildung am Klavier begann an der Musikschule Herrenberg  und ab 2007 in der Musikschule Stuttgart, wo sie in der Begabtenklasse von Herrn Romuald Noll unterrichtet wurde.
Konzerte führten Annique durch ganz Deutschland und ins Ausland, u.a. nach Italien, Frankreich, Österreich, Belgien, Niederlande und Russland. Sie gastierte u.a. in der Liederhalle Stuttgart und der Meistersingerhalle Nürnberg, wo sie zusammen mit den Nürnberger Symphonikern unter der Leitung von Justus Thorau mit Liszts 1. Klavierkonzert auftrat. Weitere Orchesterengagements hatte sie mit dem Symphonischen Orchester Ostfildern, der Orchestervereinigung Sindelfingen und der Badischen Philharmonie Pforzheim u.a. mit Klavierkonzerten von Chopin (Nr.1), Beethoven (Nr.5), Rachmaninoff (Nr.3) und Kalkbrenner (Nr.1)

Besonders intensiv liegt Anniques Aufmerksamkeit und Leidenschaft bei Werken von Frédéric Chopin, wodurch große Teile ihres Repertoires von ihm geprägt werden. Beispielsweise studierte sie bereits sämtliche Etuden der beiden Etudenzyklen (Op.10 und Op.25) ein und feierte u.a. mit ihrer Interpretation von Chopins b-Moll Sonate Erfolge bei Internationalen Wettbewerben, wie dem „International Piano Competition Palma D'Oro“ in Italien, wo sie 2016 den 2.Platz erlangte. Ein 1.Preis wurde nicht vergeben.

Anniques Arbeit und ihr Talent wurden auch durch diverse Stipendien ausgezeichnet und gefördert, wie dem Carl-Heinz-Illies Förderstipendium der Deutschen Stiftung Musikleben, dem Stipendium „Werner-Haas Klavierpodium“, „Live-Music-Now“ Stuttgart, dem Stipendium des Richard-Wagner-Verbands Freiburg und dem Bruno-Frey-Musikpreis für die musizierende Jugend Baden-Württemberg. Auch auf Social Media Plattformen begeistert die junge Künstlerin mit ihrem Spiel mittlerweile über 200.000 Menschen weltweit.​

Darüber hinaus engagiert sich Annique Göttler auch ehrenamtlich als Mitglied im Vorstand des Tonkünstlerverbands Baden-Württemberg und als Beisitzerin im Präsidium des Landesmusikrats Baden-Württemberg für die Zukunft der Musiklandschaft insbesondere im Themefeld Social Media und Online Marketing für Musiker. 

Der 1964 im schwäbischen Lauffen a.N. geborene Altsaxophonist Klaus Graf begann seine ersten musikalischen Schritte 1974 auf der Klarinette im örtlichen Musikverein. Bald darauf wechselte er zum Altsaxophon und startete seine ersten Gehversuche im Jazz eher zufällig in der ortsansässigen Schulband. Im Alter von 15 Jahren bekam er Anschluss an eine Jugendmusikschulbigband und war sofort fasziniert von der Big Band Musik. 1982 lernte er durch seine Mitwirkung im Jugendjazzorchester von Baden-Württemberg den Posaunisten und Professor Jiggs Whigham kennen, der ihn 1985 an die Musikhochschule Köln zum Musikstudium im Fach Jazzsaxophon bei Heiner Wiberny und James Towsey holte. 1987 war Klaus Graf Gründungsmitglied und Lead-Altsaxophonist im Bundesjugendjazzorchester (Bujazzo) unter Leitung von Peter Herbolzheimer. 1991 wurde Klaus Graf zusammen mit dem Trompeter Till Brönner festes Mitglied der Peter Herbolzheimer RC&B. Mehrere Tourneen und Fernsehauftritte mit Chaka Khan, Dianne Reeves, Al Jarreau ect. folgten. Zeitgleich begann Klaus Graf mit seiner Mitwirkung in der Big Band des Südwestrundfunks in Stuttgart (SWR Big Band), mit der er im laufe der letzten 30 Jahre CDs mit internationalen Jazzgrößen wie Phil Woods, Bill Holman, Clark Terry, Bob Mintzer, Don Menza, Manny Albam, Sammy Nestico, ect. einspielte.

1996 spielte Klaus Graf eine ausgedehnte Konzerttournee mit Ernst Mosch und seinen Egerländer Musikanten, dem berühmtesten Blasorchester der Welt. Von 1999 – 2002 spielte Klaus Graf mit dem norwegischen Geir Lysne Listening Ensemble mehrere Skandinavientourneen, sowie Fernsehkonzertaufzeichnungen bei Jazz Baltica, den Berliner Jazztagen und 2 CD’s für das Label ACT ein. Im Jahre 2002 gründete Klaus Graf sein erstes eigenes Quartett und produzierte die CD „Changes in Live“. 2006 folgte die zweite CD „Moving On“ zu der Sammy Nestico und Phil Woods die Linernotes schrieben.

2008 spielte Klaus Graf Konzerte mit Liza Minnelli und ihrem New Yorker Orchester, dem ehemalige Musiker des Thad Jones-Mel Lewis Orchestra und der Buddy Rich Big Band angehören. 2011 wird Klaus Graf Mitglied in Wolfgang Dauners United Jazz & Rock Ensemble 2nd Generation. 2014 wird Klaus Graf musikalischer Leiter der Bühnenshow „Swing That Music“ der SWR Big Band. 2015 leitete Klaus Graf das Landesjugendjazzorchesters von Baden-Württemberg. 2016 3 CD-Veröffentlichungen mit dem Trio Organic News, Jazz & More Collective, Jazzfactory Orchestra. 2017 bereiste Klaus Graf mit seinem Quartett auf einer sehr erfolgreichen Tournee den Süden Indiens.

2019 CD-Veröffentlichung mit dem NUE Quartett – The Music of Ellington & Strayhorn. 2020 erfolgte eine weitere Konzertreise nach Nord- und Südindien mit dem Klaus Graf Quartett. 2021 CD-Veröffentlichung Klaus Graf Quartett „Live in India“. 2022 wird Klaus Graf zum neuen künstlerischen Leiter des Landesjugendjazzorchesters von Baden-Württemberg berufen.

Lehrtätigkeit: Seit 2002 unterrichtet Klaus Graf als Professor für Jazzsaxophon an der Hochschule für Musik Nürnberg und ist ein gefragter Dozent für zahlreiche Workshops im In- und Ausland.

Auszeichnungen und Jazzpreise für Klaus Graf: 3-facher Jugend-Jazzt Gewinner von Baden Württemberg, Landesjazzpreisträger von Baden-Württemberg 1991, Preis der Deutschen Schallplattenkritik, 2023 Grammypreisträger mit der SWR Big Band für die CD-Produktion „Bird Lives“.

Herbert Gramsch arbeitet als Lehrer für Querflöte an der Musikschule Südschwarzwald. Seine Schülerinnen und Schüler nehmen regelmäßig an „Jugend Musiziert“ bis zum Bundeswettbewerb teil. Zu seinen Schülerinnen gehört auch eine Förderpreisträgerin der Volksbank Hochrhein, viele spielen in Auswahlorchestern mit und/oder studieren Musik auf Lehramt oder Orchester hin. Seit etlichen Jahren wendet er sich verstärkt dem Dirigieren und der Ensemblearbeit zu.

Marc Grauwels ist zweifellos zur Zeit einer der bekanntesten belgischen Flötisten. Natürlich ist das eine Frage seines Talents, seines Charismas, seiner dynamischen und großzügigen Persönlichkeit, aber auch seiner angeborenen Kommunikationsfähigkeit. Seine schöpferische Vielseitigkeit als internationaler Solist hat zahlreiche Komponisten aus der ganzen Welt veranlasst, für ihn zu schreiben oder ihn in ihre neuen Werke einzubinden. So hat er 1985 im Duo mit Guy Lukowksi an der ersten Aufführung wie auch der ersten Aufnahme der berühmten „Geschichte des Tango“ von Astor Piazzolla teilgenommen. Er war ebenfalls bei der Kreation der „Kantate für Europa“ von Ennio Morricone dabei. Ferner hat der griechische Komponist Yannis Markopoulosein Flötenkonzert für ihn geschrieben, das zu den musikalischen Eröffnungsstücken der Olympischen Spiele 2004 in Athen gehörte .

Noch bevor er sein Musikstudium im eigenen Land beendete, erhielt Marc Grauwels mit nur 19 Jahren sein erstes Engagement im Orchester der Flämischen Oper . 1976 ist er Solist für Piccolo-Flöte im Brüsseler Opernorchester La Monnaie / De Munt (belgische Staatsoper) und 1978 wird er als erster Soloflötist zum Symphonieorchester des belgischen Rundfunks . Dort bleibt er zehn Jahre und erhält 1986 noch dieselbe Funktion in dem gerade von Carlo-Maria Giulini neugegründeten „World Orchestra“. Seine Karriere als Solist nahm einen derartigen Aufschwung, dass er 1987 endgültig das Orchester verließ. Gleichzeitig hatte er 15 Jahre lang einen Lehrauftrag am Königlichen Konservatorium in Brüssel und ist heute festangestellter Professor für Flötenunterricht am Königlichen Konservatorium in Mons .

Seit 2007 spielt Marc Grauwels ausschließlich goldene Miyazawa-Flöten, die speziell für ihn angefertigt wurden, und ist offizieller Endorser für Miyazawa. Im Februar 2001 beschloss das weltweite Management von Naxos in Hongkong nach einer Asien-Tournee, ihm eine ganze Kollektion in ihrem Katalog mit dem Titel „The Flute Collection“ anzuvertrauen (fünfzehn Naxos-CDs sind bereits auf dem Weltmarkt erhältlich).

Von Natur aus reichlich begabt und mit einem genialen und enthusiastischen Charakter ausgestattet, verzichtet er nicht darauf, verschiedenste musikalische Erfahrungen zu vervielfältigen und bewegt sich bereitwillig zwischen z.B. Piazzolla und Mozart und zwischen Bach und Ravi Shankar hin und her. Dies verstellt jedoch nicht den Blick für die Ausgewogenheit zwischen Ernsthaftigkeit und lebendiger Phantasie bei der Zusammenstellung seiner Programme. Seine letzte Weltersteinspielung (ein Naxos-Label), die einer Reihe von unbearbeiteten Werken für Flöte und Schlagzeug gewidmet ist, von denen die meisten ihm selbst gewidmet sind, ist ein würdiges Beispiel für diese Haltung.

Schließlich war Marc Grauwels an der Aufnahme der Tonspur des Films „Amadeus“ von Milos Forman beteiligt, bei der er von Thomas Bloch und dem Brussels Virtuosi Ensemble bei dem großartigen Adagio für Glasharmonika, Flöte, Oboe, Viola und Cello KV 617 begleitet wurde. Darüber hinaus interpretierte er die Jugendsonaten, die Quartette und das Konzert für Flöte und Harfe aus dem Gesamtwerk Mozarts, das in einer einzigen Box mit 170 CDs angeboten wird. Die Box, die Goldene Schallplatte, ist derzeit ein unübertroffener kommerzieller Erfolg bei Brillant Classics anlässlich des 250-jährigen Mozart-Jubiläums (es wurden bereits über 100.000 Exemplare verkauft).

Mit mindestens hundert Konzerten pro Jahr in der ganzen Welt, mehr als 40.000 Seiten, die ihm im Internet gewidmet sind, und einer Diskographie mit mehr als 60 CDs als Solist hat Marc Grauwels gezeigt, dass der richtige künstlerische Ansatz heutzutage den Weg für den großen Publikumserfolg eines Flötisten ebnet.

Sowohl in seiner Karriere als auch in seinen künstlerischen Interpretationen ist Marc Grauwels sich selbst immer treu geblieben.

Die Bandbreite der vielseitigen Saxophonistin Helen Griffin reicht von klassischen Konzerten über Galaabende bis hin zu Rockkonzerten. Auftritte in diversen musikalischen Projekten führten sie u. a. nach Mexico, Frankreich, Schweiz und Österreich. Als Pädagogin unterrichtet sie Schüler jeden Alters und interessiert sich für vielseitige Unterrichtsmethoden und -konzepte. Dabei ist ihr die Pädagogik Maria Montessoris besonders wichtig. Neben ihrer Lehrtätigkeit an Musikschulen ist sie Dozentin, Jurymitglied bei Wettbewerben und begeistert bei Workshops angehende wie fortgeschrittene Saxophonisten für ihr Instrument. Ihren professionellen Werdegang schlug sie an der Berufsfachschule für Musik in Krumbach ein, gefolgt vom Studium für klassisches Saxophon und Musikpädagogik an der staatlichen Hochschule für Musik in Freiburg. Meisterkurse besuchte sie u. a. bei Jean Marie Londeix, Claude Delangle, Arno Bornkamp oder Markus Weiss.

Martin Grom erhielt seine musikalische Ausbildung bei Christoph Scherzinger in Breisach und als Jungstudent der Musikhochschule Freiburg bei Bruno Schneider und Charly Faessler. Während seines Studiums ab 2004 bei Christian Lampert in Stuttgart spielte er u.a. im European Youth Orchestra, dem Gustav-Mahler-Jugendorchester und sammelte direkt Erfahrung im Orchester des Mainfranken-Theaters Würzburg und dem Gürzenich-Orchester Köln. Seit 2007 ist er tiefer Hornist im Staatsorchester Stuttgart. Er gastiert regelmäßig im Bayerischen Staatsorchester, diversen Rundfunk- und Konzertorchestern. Er ist kammermusikalisch in Hornquartetten und Hornensemble engagiert. So auch immer wieder mit German Hornsound und dem Stuttgarter Waldhornquartett. Seit dem Sommersemester 2024 unterrichtet er im Rahmen eines Lehrauftrages an der HMDK Stuttgart.

Kristin Häring ist derzeit als Social Media Managerin in der Sparkassen-Finanzgruppe tätig. Zuvor war sie unter anderem beim Blasmusikverband Baden-Württemberg verantwortlich für Kommunikation, Marketing und den Marken-Relaunch. Ihr Handwerk hat sie im Studiengang Musikjournalismus (B.A. & M.A.) an der TU Dortmund gelernt – inklusive journalistischer und digitaler Praxis: Berufserfahrung sammelte sie beim Bayerischen Rundfunk, bei ZDFkultur in Berlin sowie im Pressebüro der Bayerischen Staatsoper. Anschließend war sie bei takt1, einem Streaming-Dienst für Live-Konzerte, für die Produktionsleitung von Livestreams, die Erstellung von Videoformaten und die Social-Media-Strategie zuständig. Als Dozentin gibt sie ihr Wissen seit mehreren Jahren an Vereine, Verbände und Institutionen weiter – praxisnah, mit einem Blick für gute Inhalte und dem Verständnis dafür, wie Kommunikation im Ehrenamt funktioniert. Musikalisch und ehrenamtlich ist sie außerdem auch selbst aktiv: Als Querflötistin in der Stadtkapelle Kirchheim unter Teck und als Vorstandsmitglied der Landesmusikjugend Baden-Württemberg.

In der Welt der Klarinetteninterpreten ist Patrick Hagen kein Unbekannter: Gleich mehrere Lehrbücher und Notensätze für Klarinettenstücke, darunter „Arien und Songs für moderne Klarinette, Bd.1 und Bd.2“ stammen aus seiner Feder. Der Musiker selbst wirkte bereits an diversen überregional bekannten Konzerten und Musikprojekten mit, wie etwa der Collage von Eckard Koltermann, war  Gastmusiker beim „Ensemble Modern“ unter der Leitung der Dirigenten Ingo Metzmacher und George Benjamin sowie bei der Avantgarde-Bigband „De Contraband“ in Amsterdam unter der Leitung von Willem von Mannen. Weitere Engagements als Theatermusiker führten ihn ins Schlosstheater Moers, ans Bochumer Prinz-Regent-Theater und ans Consol Theater in Gelsenkirchen. Er war für zwei Jahre Lehrbeauftragter für Klarinetten-Saxophondidaktik und Kammermusik an der Folkwang-Hochschule Essen, Dozent bei den Akademien des Kammermusikzentrums NRW und arbeitet seit vielen Jahren als Musikschullehrer an der Musikschule Mülheim an der Ruhr. Mit seinem Atemschulungsprojekt "Die Erweiterung der Grundkompetenzen für Blasmusiker" war er bei Meisterkursen des Conservatoire du Luxembourg und dem Klarinettenfestival in Oberösterreich zu Gast und gab Kurse in Luzern. Im Hofmeister-Musikverlag Leipzig erschienen mehrere Notenbände mit seinen Kompositionen. 2010 veröffentlichte er die CD Schattenspiel.

Alexander von Hagke spielt neben der Klarinette auch leidenschaftlich Saxophon und Querflöte. Der Stipendiat der Studienstiftung des Deutschen Volkes und Träger des Bayerischen Kunstförderpreises studierte Musik und Mathematik in München und New York. Mit seinem Quartett „Passo Avanti“ kombiniert er Kammermusik mit Jazz und Improvisation und gastierte u.a. beim Schleswig-Holstein Musikfestival, im Wiener Musikverein und der Tonhalle Zürich. Als langjähriges Mitglied von Martin Grubingers Ensembles „The Percussive Planet“ spielte er u.a. in der Mailänder Scala, der Elbphilharmonie und der Berliner Waldbühne. Mit der Heavy-Metal-Jazz-Band „Panzerballett“ tourte er in Deutschland, Österreich, der Schweiz, den USA, Mexiko, Armenien, Frankreich, Italien, Belgien und spielte u.a. auf dem Wacken Open Air. Des Weiteren spielte er u.a. mit den Berliner und Münchner Philharmonikern, der Bayerischen Staatsoper, dem Münchner Rundfunkorchester, dem Münchner Kammerorchester, dem Staatstheater am Gärtnerplatz sowie den Bigbands von NDR und SWR. Alexander von Hagke veröffentlichte fünf CDs als Bandleader und Komponist. Er ist Hauptfachlehrer und Dozent für Methodik, Tonsatz/Arrangement, Gehörbildung und Ensemble an der Berufsfachschule für Musik in München.

Geboren 1973 in Freiburg, aufgewachsen in Krefeld – zwischen rheinischem Puls und badischer Erdung – kehrte Niko zum Studium an die Jazz- und Rockschule Freiburg zurück, wo er seinen staatlich anerkannten Abschluss in Jazzsaxophon absolvierte. Dort blieb er – aus „wichtigen Gründen“: Musik, Menschen, Möglichkeiten. Seitdem ist er als Saxophonist, Komponist, Arrangeur, Instrumentallehrer, Bandcoach und Kulturmanager aktiv – immer unterwegs zwischen Bühnen, Bandproben, Bildungsprojekten und Backstageräumen. Nikos musikalischer Weg führte ihn in die Zusammenarbeit mit namhaften Künstlerinnen und Künstlern wie Marla Glen, Danny Bryant, Lucy Diakovska (No Angels), Chris de Burgh, Randy Club, The King, Thomas Siffling, Matthias Dörsam u. v. a. Er ist Mitgründer und Motor zahlreicher Bandprojekte und war an vielen Platten-Produktionen beteiligt: Blue Babies, Fast Beat Inc., Sax’n Hop, The Nutty Boys, Contemporary Big Band Project sowie das eigene Niko Halfmann Quartett. Mit diesen Gruppen spielte er auf internationalen Festivals in Montreux, Mailand, Chambéry, Straßburg, Wiesbaden, München, Köln und bereiste mit Konzerttourneen Länder wie Frankreich, Italien, Schweiz, Österreich, Japan, Thailand und China. Er unterrichtet seit 25 Jahren Saxophon, war Fachbereichsleiter Popularmusik an der Musikschule Lahr, betreute inklusive Bandprojekte und ersann innovative Konzertformate wie „Building Bridges“, „Night Jam“ oder genreübergreifende Crossover-Programme mit Theater und Tanz. Als Bildungsreferent der BDB-Bläserjugend engagiert er sich für die musikalische Jugendbildung im südwestdeutschen Raum. Seine Expertise umfasst u. a. Methodik der Probenarbeit, Ensembleleitung und Digitalpädagogik. Im unternehmerischen Bereich war er Geschäftsführer der die ERNANI GmbH, ein Startup für digitale musikpädagogische Lernwelten. Er entwickelte die ERNA-App (iOS/Android/Desktop), publizierte zehn Schlagzeug-Lehrwerke im Leu Verlag und verantwortete Videoproduktionen – etwa 24 Clips zur „Winterreise“ des Raschèr Saxophone Quartett.

Xiao-Ming Han

Nachdem Xiao-Ming Han mit 17 Jahren sein Studium am Central Conservatory of Music in Peking abgeschlossen hatte, setzte er 1981 seine Studien am New England Conservatory in den USA durch eine persönliche Empfehlung von Maestro Seiji Ozawa fort. Durch ein DAAD-Stipendium kam er 1984 nach Deutschland, studierte bei Ifor James und machte seinen Abschluss in der Meisterklasse von Otto Schmitz in München. Von 1985 bis 2007 war er Solo-Hornist des Rundfunk-Sinfonieorchesters Saarbrücken. Seit 2007 ist er Mitglied der Deutschen Radio Philharmonie. An der Hochschule für Musik Saar bekleidet er eine Professur auf Lebenszeit für das Fach Horn. Han Xiao-Ming hat mit vielen berühmten Dirigenten wie Leonard Bernstein, Sir Georg Solti, Claudio Abbado, Seiji Ozawa, Lorin Maazel, Mariss Jansons und Christoph Eschenbach zusammengearbeitet. Als Solohornist gab er zahlreiche Gastspiele bei deutschen Radio-, Sinfonie- und Opernorchestern, wie den Berliner und Wiener Philharmonikern, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem WDR Sinfonieorchester Köln sowie bei den Orchestern der Opernhäuser in München, Berlin, Hamburg, Köln und Düsseldorf. Darüber hinaus hat er als Solohornist in den USA und Europa vielerorts Solo- und Kammermusikkonzerte veranstaltet sowie Horn-Meisterklassen gegeben. Zahlreiche Einladungen zu international renommierten Festivals wie den Salzburger Festspielen, zum Mozartfest Würzburg, zum Schleswig-Holstein Musik Festival, zu den BBC Proms in London sowie zum Marlboro Festival runden seine künstlerische Laufbahn ab. 

Xiao-Ming Han engagiert sich seit vielen Jahren für die Ausbildung chinesischer Musiktalente. Dabei arbeitet er mit verschiedenen deutschen Konservatorien zusammen und hat es zahlreichen talentierten chinesischen Nachwuchsmusikern ermöglicht, sich im Ausland fortzubilden.

Simon Hanrath wuchs in Krefeld auf, wo er bei Laszlo Dömötör seinen ersten Unterricht auf dem Saxophon erhielt. Sein Studium absolvierte Hanrath bei Prof. Daniel Gauthier, einem der renommiertesten klassischen Saxophonisten weltweit. Simon Hanrath ist mehrfacher Bundespreisträger beim Wettbewerb „Jugend musiziert", erhielt den 1. Preis beim Gustav-Bumcke-Saxophon-Wettbewerb und war Stipendiat der Gesellschaft zur Förderung der Westfälischen Kulturarbeit. Nach Abschluss seiner Studien ist Simon Hanrath regelmäßiger Gast in führenden deutschen Orchestern wie dem WDR-Sinfonieorchester Köln, den Essener Philharmonikern und dem Ensemble Modern. Mit dem Saxophon-Quartett Saxofourte verfolgt er zudem eine intensive Konzerttätigkeit. Seit 2005 ist er zudem Lehrbeauftragter für Saxophon an der Musikhochschule Frankfurt und seit 2013 an der Musikhochschule Würzburg.

Veronika Hanrath wurde 1983 in Prag als sechstes Kind einer Musikerfamilie geboren. Mit sieben Jahren erhielt sie bereits Geigenunterricht und war Mitglied des Prager Kinderchores, mit dem sie Konzertreisen ins Ausland unternahm. Außerdem nahm sie seit ihrem 15. Lebensjahr auch Saxophonunterricht. Nach dem Abitur am jüdischen Gymnasium studierte sie zunächst Musikpädagogik an der Karls-Universität in Prag. Danach absolvierte sie das Studium der Instrumentalpädagogik mit Hauptfach Saxophon an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt, und ließ darauf einen künstlerischen Aufbaustudiengang folgen. Sie spielt in verschieden Bigbands und erteilt seit 2006 Unterricht an der Musikschule in Offenbach. Orchestererfahrung sammelt sie als klassische Saxophonistin durch Engagements im Staatstheater Wiesbaden, am Papageno-Musiktheater und bei den Heidelberger Philharmonikern. Sie tritt regelmäßig im Duo mit Jan Polívka (Klavier), im Trio mit Jan und Martin Polívka (Violine), mit den Saxophon-Quartetten „ParaVos" und „Kolibri", mit ihrem Saxophon-Duo CONVERSUS mit Susanne Riedl und mit dem Klarinette-Saxophon-Duo mit Maxi Schulze auf, mit denen sie von 2008 bis 2013 durch die Yehudi Menuhin Stiftung "Live Music Now" gefördert wurde. Seit 2007 spielt sie mit der Formation Sax Angels. Außerdem ist sie als Geigerin Mitglied des Main Kammerorchesters.

Martin Harnisch (*1986) ist als Mitarbeiter der Firma ComMusic – Frank Wieczorek e.K. für den Support zuständig. Er steht dazu auch als Dozent für die Vereinsverwaltung, Verbandsverwaltung und die Webanwendung über Verein24 zur Verfügung. Seit 2014 im Unternehmen steht er für den guten Support der Firma.

Martin Harnisch stammt aus Jena und hat hier nach seiner Ausbildung zum Informatiker verschiedene Stationen durchlaufen. Er entwickelte seine Fähigkeiten unter anderem bei der Carl Zeiss AG im Linux-Support und einem Dienstleister für 1&1 im First- und Second-Level Support sowie als Fachberater/Dozent und Teamleiter weiter, bevor er sein Können in der Firma ComMusic unter Beweis stellen konnte.

Im BDB unterstützt Martin Harnisch seit 2018 bei den fachlichen Themen der Tagungen der EDV-Verbandsbeauftragten und hält seit 2019 auch als Dozent Präsenz- sowie Online-Seminare für die Vereine mit den Themen Vereinsverwaltung, Finanzen und Buchhaltung mit Software der Firma ComMusic.

Erste musikalische Schritte gab es Ende der 1970er Jahre an der Trompete. Nach einem Instrumentenwechsel zum E-/Kontrabass studierte er in den 1990er Jahren an der Musikhochschule Köln Jazz- und Popularmusik. Anschließend war er vier Jahre lang Bassist der Big-Band der Bundeswehr. Das Thema Musiknotation war und ist für ihn immer ein wichtiger Bereich, so dass er für viele Verlage, Orchester und Rundfunkanstalten als Notensetzer tätig war. Ebenso war er mehrere Jahre Leiter des Notenarchivs beim Zentrum Militärmusik in Bonn. Seit Anfang 2019 ist er Ansprechpartner für die Notationssoftware DORICO im deutschsprachigen Raum.

Eberhard Hasenfratz war von 1985 bis 1987 Stipendiat des Südwestfunks. Er studierte an den Musikhochschulen in Würzburg und München bei Arne Torger und Eckart Besch. Der vielseitige Pianist war Preisträger verschiedener Wettbewerbe und nahm an mehreren internationalen Meisterkursen und Kammermusikkursen teil, bei so renommierten Lehrern wie Alfons Kontarsky, Serge Collot, Martin Lovett, Henry Meyer (LaSalle-Quartett) und Norman Shetler. Nach Lehraufträgen an den Musikhochschulen in Würzburg, Lübeck und Rostock ist er nun als Lehrkraft für Korrepetition mit Kammermusik an der Universität der Künste in Berlin beschäftigt. Eberhard Hasenfratz hat zahlreiche Rundfunkaufnahmen insbesondere mit moderner Klaviermusik und Kammermusik eingespielt und ist gefragter Begleiter auf Wettbewerben und internationalen Meisterkursen. Dabei arbeitete er mit Künstlern wie Francois Benda, Tomasz Tomaszewski, Michaela Martin, Eduard Brunner, Jürgen Kussmaul, Walter Forchert und Rex Martin zusammen. Zu seinen Kammermusikpartnern zählten neben Musikern führender Orchester in Deutschland Francois Benda, Tomasz Tomaszewski und Andra Darzins. In 2006 übernahm er die künstlerische Leitung der Konzertreihe der "Freunde der Kammermusik Quickborn". Seit September 2010 ist er auch als zweiter Kirchenmusiker in der evangelischen Kirche am Markt Blankenese tätig und gründete dort in 2011 eine Kammermusikreihe im Rahmen der "Blankeneser Konzerte". Mit Hamburg Trio nahm er alle Brahms und Schumann Klaviertrios auf und konzertierte mit diesen Programmen auch in Japan.

Dirk Hausen M. A., geboren 1977 in Trier, studierte Orchestermusik (Horn) an der Hochschule für Musik Saar (Prof. Xiao-Ming Han) und am Konservatorium Maastricht (Prof. Erich Penzel). Während seines Studiums erhielt er Stipendien des saarländischen Richard-Wagner-Verbandes sowie der Gustav-Mahler-Akademie Bozen und war Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie. Von 2003 bis 2005 absolvierte er eine Ausbildung zum Lehrer für F. M. Alexander-Technik in Freiburg und Berkeley/Kalifornien und studierte parallel dazu Musikwissenschaft, Philosophie und Englische Philologie an der Freiburger Albert-Ludwigs- Universität. Anschließend promovierte Dirk Hausen Im Fach Musikwissenschaft und absolvierte Weiterbildungen zum systemischen Coach und zertifizierten Stressmanagement-Trainer. Dirk Hausen unterrichtet als Alexander-Lehrer und Stressmanagement-Trainer in eigener Praxis, betreut Orchester wie die Junge Deutsche Philharmonie oder die Bamberger Symphoniker und gibt Kurse und Workshops für Musiker im In- und Ausland. Schwerpunkte seiner Arbeit bilden die Optimierung von Haltungs- und Bewegungsgewohnheiten sowie die Regulierung von Körperspannung in Alltags-, Übe- und Vorspielsituationen.

Markus leitet als freischaffender Dirigent aktuell die Bläserphilharmonie Regensburg, das Sinfonieorchester Memmingen, das Projektorchester Würzburg sowie das Hornensemble Hornumental und wird regelmäßig als Gastdirigent zu verschiedenen Orchestern eingeladen. Engagements führten ihn zur Oper Schloss Hallwyl, zum Argovia Philharmonic, zum Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim, zum Polizeiorchester Bayern, zum Blasorchester Südwind, zum Sinfonischen Jugendblasorchester Baden-Württemberg sowie als Pianistendarsteller mehrfach an die Staatsoper Stuttgart und zum Münchner Volkstheater. Er dirigierte darüber hinaus u.a. das Symphonische Blasorchester Schweizer Armeespiel, die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, die Bad Reichenhaller Philharmonie sowie die Münchner Symphoniker. An den Musikhochschulen in München und Würzburg absolvierte er die Studiengänge Orchesterleitung, Musiktheorie, Gehörbildung und Schulmusik – jeweils mit Auszeichnung – und besuchte zahlreiche internationale Meisterkurse. Markus unterrichtet Orchesterleitung an der Hochschule für Musik und Theater München, gibt Dirigierkurse und ist zudem in der Bildregie für Musikproduktionen u.a. für die Berliner Philharmoniker tätig.

Anne-Cathérine Heinzmann genießt einen hervorragenden Ruf als vielseitige Solistin, gefragte Kammermusikerin und leidenschaftliche und erfolgreiche Pädagogin. Die Hamburgerin stammt aus einer traditionsreichen Musikerfamilie und studierte zunächst in der international renommierten Klasse von Prof. Jean-Claude Gérard (Stuttgart) und wurde später von ebenso namhaften Lehrern wie Prof. Jeanne Baxtresser (New York) und von Prof. Michael-Martin Kofler (Mozarteum Salzburg) ausgebildet. Wichtige Impulse erhielt sie außerdem von Aurèle Nicolet und Paul Meisen. Sie ist Preisträgerin vieler nationaler und internationaler Wettbewerbe (u.a. Kuhlau- Wettbewerb, Flute-Talk Chicago, International Flute Competition Budapest) und wurde von der Studienstiftung des deutschen Volkes, der Kammermusikstiftung „Villa Musica“, der Deutschen Stiftung Musikleben und dem Deutschen Musikrat gefördert. Viele Jahre sammelte sie wertvolle Erfahrungen als stellvertretende Soloflötistin am Opern- und Museumsorchester Frankfurt am Main. Neben ihrer solistischen Tätigkeit nimmt die Kammermusik einen bedeutenden Schwerpunkt ein. Mit ihrem Ensemble, dem Trio Charolca ist sie inzwischen auf zahlreichen Konzertpodien aufgetreten und zählt zu den herausragenden Ensembles seiner Gattung. Das Interesse an zeitgenössischer Musik sowie die Begeisterung für neue klangliche Möglichkeiten bilden das Fundament ihrer kontrastreich und intelligent gestalteten Programme. Eine rege Konzerttätigkeit im In- und Ausland führten die Flötistin u. a. in die Laeiszhalle Hamburg, die Semperoper in Dresden, in das Rudolphinum in Prag, zum Schleswig-Holstein-Musik-Festival und zu den BBC Proms Konzerten in London, in die Alte Oper Frankfurt, zu den Ludwigsburger Festspielen, dem Heidelberger Frühling, dem Mozartfest in Würzburg, der Biennale München und zu MusicaMallorca. Von 2009-2018 war Anne-Cathérine Heinzmann Professorin an der Hochschule für Musik Nürnberg und leitete dort eine äußerst erfolgreiche Klasse. Im Oktober 2018 folgte sie einem Ruf als Professorin für Querflöte an die renommierte Folkwang Universität der Künste in Essen. (Nachfolge Prof. Gunhild Ott) Aufgrund ihrer Leidenschaft zum Unterrichten ist sie inzwischen auf zahlreichen Meisterkursen im In-und Ausland eine gefragte Lehrerin geworden und ist ein gern gesehener Gast in Jurygremien. Ebenso ist die Flötistin eine überaus gefragte Kammermusikerin. Zu ihren Kammermusikpartnern gehören Solisten internationaler Orchester und Ensembles, außerdem konzertierte sie u. a. mit Paul und Gustav Rivinius, Erik Schumann, Caroline Widmann, dem Mandelring-Quartett, dem Jacques-Thibaud Trio, Gerold Huber, Thomas Hoppe und Daniel Behle. Eine erste CD mit Werken von Harald Genzmer, eingespielt mit dem Trio Charolca erschien im Frühjahr 2012 bei Thorofon, gefolgt von einer Debut CD mit dem Pianisten Thomas Hoppe (Audite Mai 2013), die sogleich für den ICMA (International Classical Music Award) nominiert wurde. Ein Album BACH, Arien mit obligater Flöte (Daniel Behle, Tenor) und der Partita für Soloflöte erschien auch im März 2013 bei Sony Classical und erregte eine große Aufmerksamkeit. Im November 2015 ist eine weitere CD mit Werken aus der in der Zeit des Nationalsozialismus verfemten jüdischen Musikliteratur bei Audite veröffentlicht worden. Diese CD wurde für den Preis der deutschen Schallplattenkritik 2016 nominiert und erhielt beste Kritiken. Anne-Cathérine Heinzmann spielt auf einer Muramatsu all 18 K Flöte. Sie hat zwei Kinder und lebt mit ihrer Familie in Essen.

Michael Heitzler studierte klassische Klarinette an der Musikhochschule Freiburg bei Prof Dieter Klöcker, sowie Saxophon und Improvisation bei Karsten Gorzel. Er war Stipendiat des DAAD und studierte bei Dave Liebman (ehemals Mitglied in der Miles Davis Band) am Mannes College of Music/New School Jazz in New York, wo er auch üner mehrere Jahre lebte und mit eingen der besten Jazz und Klezmermusiker der Szenen auftrat. Michael gilt als einer der vielseitigsten Klarinettisten seiner Zeit, so spielte u.a. im SWF Sinfonieorchester Baden-Baden, der Jungen Deutsche Philharmonie, European Symphony Orchestra, Ensemble Moderne, Consortium Classicum, Ensemble Solange, leitete für viele Jahre sein eigenes Bläserensemble und spielte die Musik für die Filme Robbi, Kalle, Paul von Dani Levi, Jenseits der Stille von Caroline Link und Gripsholm von Xavier Koller ein. Für den letztgenannten vertonte er auch ein Gedicht von Kurt Tucholsky, dass die Sängerin und Schauspielerin Jasmin Tabatabai im Film singt. Ein Höhepunkt war die Zusammenarbeit mit Itzchak Perlman und den Klezmatics für das Projekt „Fiddler in my House“. Michael Heitzler ist Mitglied in der Gruppe KOLSIMCHA Mit dieser Gruppe hat er eine Mischung aus Klezmer, klassischer Musik, Jazz, Avangarde, und osteuropäischer Volksmusik geschaffen und ist in vielen der wichtigsten Musikzentren der westlichen Welt aufgetreten. Daneben leitet er auch seine eigene Gruppe die Michael Heitzler’s Klezmer Band, mit der er sich wieder dem traditionellen Repertoire widmet und dieses modern interpretiert. Als Solist mit Kolsimcha ist er u.a. mit den London Mozart Players, den Rundfunkorchestern des NDR und des Bayrischen Rundfunks, dem Orchestra de la Radio Suisse Romande, dem Israel Chamber Orchestra, dem Basler Kammerorchester , der Bremer Kammerphilharmonie, dem Georgischen Kammerorchester Ingolstadt, dem Basler und Luzerner Sinfonieorchester u.v.m. aufgetreten. Dazu kommen CD-Aufnahmen mit dem London Symphony Orchestra und dem Macedonian Radio Orchestra. In der Saison 19/20 trat er zusammen mit Kolsimcha, dem Basler Sinfonieorchester und dem Basler Ballet in Olivier Truans 90-minütigen Ballet „Tevje“ in 19 ausverkauften Vorsellungen auf. Konzertreisen führten ihn u.a. in die Carnegie Hall, Queen Elisabeth Hall, Royal Albert Hall, Musikverein Wien, Concertgebough Amsterdam, Ravinia Festival Chicago, Oper Tel Aviv, Schleswig-Holstein Festival, Rheingau Musikfestival, Festival Tibor Varga, Tschaikowsky-Saal Moskau,  Karlsruher Mozarttage,  Klezmer Festival Zfat, Israel, Montreux Jazzfestival,   Berliner Jazztage, Kopenhagen Jazzfestival u.v.m.

Kilian Herold erhielt seine klarinettistische Ausbildung in Berlin bei Francois Benda, in Chicago bei John Yeh und Larry Combs und in Hannover bei Johannes Peitz. Während seiner Studienzeit war er Stipendiat des Cusanuswerks und des Deutschen Musikrats. 2004 wurde Kilian Herold im Alter von 23 Jahren Gesellschafter der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter Paavo Järvi. Als Soloklarinettist dieses Ensembles ist er auf vielen preisgekrönten CD- und DVD- Produktionen zu hören und zu sehen. Vor allem die bei Sony erschienenen Beethoven- und Schumann-Symphonie-Zyklen unter der Leitung von Paavo Järvi fanden große internationale Beachtung. Zwischen Herbst 2011 und dem Frühjahr 2016 war Kilian Herold Soloklarinettist des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg. Als Solo-Klarinettist ist Kilian Herold außerdem gern gesehener Gast bei den großen deutschen Orchestern wie zum Beispiel bei den Berliner Philharmonikern, beim Symphonieorchester des Bayrischen Rundfunks, beim WDR Sinfonierochester oder der Staatskapelle Dresden. In jüngster Vergangenheit arbeitete er mit Dirigenten wie Paavo Järvi, Daniel Harding, Trevor Pinnock, François Xavier Roth, Christoph Eschenbach, Herbert Blomstedt und David Zinman zusammen. Auch als Solist und Kammermusiker ist Kilian Herold häufig zu erleben. Er spielte beim Rheingau Musikfestival, beim Schleswig-Holstein Musikfestival, bei den internationalen Brahmstagen Baden-Baden sowie in vielen Konzerten in Europa, Indien, Südamerika und Japan. Unter anderem führte er die Klarinettenkonzerte von Mozart, Weber und Nielsen mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und dem SWR Sinfonieorchester als Solist auf. In den letzten Jahren entstanden verschiedene CD-Produktionen bei Labels wie Avi-Music und Coviello. 2012 erschien eine gemeinsame CD mit dem Pianisten Amir Katz und Werken von Brahms und Zeitgenossen, die von der Fachpresse und Rezensenten gleichermaßen hoch gelobt wurde. Seit Herbst 2016 ist Kilian Herold Professor für Klarinette an der Musikhochschule Freiburg. Kurz rief er gemeinsam mit der BDB-Musikakademie Staufen die Klarinettentage clariMondo ins Leben und übernahm deren künstlerische Leitung.

Tobias Herzog studierte an der Hochschule für Musik und Tanz Köln mit Hauptfach Jazzposaune bei Henning Berg und Jürgen Friedrich und erhielt 2021 den Master an der Hochschule für Musik Mainz im Hauptfach Jazz-Bassposaune bei Jan Schreiner. Weitere wichtige Lehrer in der Zeit waren Shannon Barnett, Claudius Valk, Nils Wogram, Erik van Lier, Peter Laib, Raphael Klemm, Mattis Cederberg. 2015-2017 war Tobias Herzog Mitglied im Landesjugendjazzorchester Nordrhein-Westfalen, 2018-2020 Mitglied im Bundesjazzorchester. Aktuelle eigene Projekte sind „Tobias Herzog Solo“ und das Sextett „TRUCKER BABES“, welches 2022 ihr Debüt feierte und im kommenden Jahr einige Aufnahmen veröffentlichen wird.Weiterhin als Sideman sind wichtige Formationen die Pascal Klewer Big Band, das Subway Jazz Orchestra, T.P.C.M., Valvetronic Brass Band und NABOU Trombone Ensemble. Er wirkte zudem in verschiedensten Projekten im Bereich Jazz-und Popularmusik mit, wie zum Beispiel: WDR Big Band, BBIKKE, Phillip Dornbuschs Großer Projektor, AHORN, Rundfunktanzorchester Ehrenfeld, Paul Heller All Star Big Band, Jazzkombinat Hamburg, dem Musical „A Tribute To The Blues Brothers“, dem Schauspiel-und Theater-Ensemble „Fringe“ und stand dadurch mit Größen wie Herbert Grönemeyer, Peter Brötzmann, Christian Lillinger, Randy Brecker, Jan Böhmermann, Markus Stockhausen, John Beasley, Django Bates, Kurt Rosenwinkel, Paquito D`Riviera, Bob Mintzer und vielen weiteren in Deutschland und international auf der Bühne.

Dirk Hirthe wurde 1984 in Freiburg im Breisgau geboren. Von 1999 bis 2004 war er Jungstudent bei George A. Monch an der Musikhochschule Freiburg. Im Anschluss studierte er bei Prof. Jens Björn-Larsen an der Hochschule für Musik und Theater Hannover, der ihn bis heute als Lehrer, Mentor und Freund begleitet. Dirk Hirthe war Stipendiat der Deutschen Stiftung Musikleben, sowie Sonderpreisträger der Stadt Marl und des Landes Baden-Württemberg. Als Solist trat er u.a. bereits mit dem Museumsorchester Frankfurt, den Bochumer Sinfonikern und der Badischen Staatskapelle auf. Von 2007 bis 2008 spielte er als Praktikant an der Staatsoper Stuttgart. Seit 2008 ist er Tubist der Badischen Staatskapelle und gastiert regelmäßig in vielen Sinfonie- und Opernorchestern Deutschlands, u.a. bei der Bayerischen Staatsoper, dem Museumsorchester Frankfurt und dem Sinfonieorchester des SWR Baden-Baden Freiburg. 2008 gastierte er das erste Mal beim Chamber Orchestra of Europe unter Thomas Hengelbrock. 2012 spielte er für den amerikanischen Komponisten Stephen Mellilo das „Duetto per Tuba” auf seiner neuesten CD „Chapter21” ein. Seit 2013 ist er ein gern gesehener Gast beim Lucerne Festival Brass Ensemble, mit dem er auch deren neueste CD „Modest Mussorgsky - Bilder einer Ausstellung” einspielte. Im Jahre 2014 debütierte er beim Lucerne Festival mit dem Lucerne Festival Brass Ensemble. Seit 2011 unterrichtet Dirk Hirthe zunächst als Lehrbeauftragter dann als Honorarprofessor und schliesslich seit 2015 als ordentlicher Professor für Tuba an der Musikhochschule Karlsruhe. Zahlreiche Meisterkurse führten Ihn bereits durch ganz Europa. Ab 2015 ist Dirk Hirthe offizieller Miraphone Artist.

Anton Hollich studierte bei Prof. Gerd Starke an der Musikhochschule München. Danach wurde er Soloklarinettist der Baden-Badener Philharmonie und wechselte 1990 als Bassklarinettist zum SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, wo er heute noch spielt. Nach Lehraufträgen am Hermann-Zilcher-Konservatorium Würzburg und Professur-Vertretungen an der Musikhochschule Mannheim, Freiburg sowie Frankfurt, wurde er 2016 zum Honorarprofessor an der Hochschule für Musik Freiburg ernannt. Von der F.A.Z. wurde er unter den "12 Leute des Jahres 2012" aufgenommen und erhielt den Donauschwäbischen Preis des Landes Baden-Württemberg. Seine zahlreichen solistischen und kammermusikalischen Aufnahmen mit dem Rundfunkorchester Kaiserslautern und Bukarest belegen seine Vielseitigkeit als Künstler. Mit Kollegen des SWR spielte er das erste Bassklarinettenkonzert des Freiburger Komponisten J. Schelb ein.

Margret „Maggie” Horrer (geb. 1984) arbeitet seit 2006 als Gesangslehrerin und wurde 2010 Dozentin an den Jazz & Rock Schulen Freiburg. Ihre empathische und wachsame Art rücken den Schüler und dessen Bedürfnisse in den Mittelpunkt des Unterrichts. Wünsche und Anregungen treffen bei ihr immer auf offene Ohren. So ist ihr Unterricht vielseitig, lebendig und kreativ. Musikalisch bewegt sie sich zwischen Jazz, Funk, Pop-Rock und Worldmusic, aber auch vor Drum ‘n’ Bass, Latin und Alternative Rock schreckt sie nicht zurück. Maggie Horrer studierte am International Music College Freiburg und schloss dort 2008 ihr Gesangsstudium ab. Neben dem Studium nahm sie Unterricht bei Lisette Spinnler (Basel) und besuchte zahlreiche Workshops, wo sie von Größen wie Kim Nazarian und Darmon Meader (New York Voices), Bob Stoloff, Esperanza Spalding u.v.a. lernen durfte. Ein Höhepunkt ihrer noch jungen Gesangskarriere war das Mitwirken bei dem Vocabularies-Konzert des Jazzchor Freiburg in Wien, wo sie mit Bobby McFerrin ein Duett singen durfte. Neben ihrem Engagement beim Jazzchor Freiburg spielt sie live mit verschiedenen Bands und Formationen. Im Studio ist sie oft mit Pianist Boris Lau (Freiburg / Hamburg) und dem Produzenten Tino Gonzales zu finden.

Stefan Huber, der 1987 in Bad Reichenhall in Bayern geboren wurde, startete seine ersten musikalischen Gehversuche mit 6 Jahren an einer diatonischen Harmonika (im bayerischen Sprachgebrauch unter „Ziach“ bekannt). Mit 14 Jahren erhielt Stefan Huber seinen ersten Tubaunterricht bei Rudolph Egner am Musikum in Salzburg. Nach dem Abitur studierte er bei Professor Wilfried Brandstötter an der Anton Bruckner Privatuniversität in Linz, Österreich das Konzertfach Tuba, Instrumental- und Gesangspädagogik. Schon während des Studiums spielte Stefan Huber in zahlreichen Orchestern, wie im Landestheater Niederbayern, in der Philharmonie Bad Reichenhall, am Bühnenorchester an der Staatsoper München und im Johann Strauß Orchester in Linz. Seit 2014 ist Stefan Huber Tubist der bekannten Blasmusik-Gruppe "LaBrassBanda". Das 10-jährige Band-Jubiläum im Jahr 2017 feierten die Musiker mit ihren Fans in der Olympiahalle vor 10 000 Zuhörern und spielten anschließend auf einer Welttournee, die sich über alle Kontinente erstreckte, ihre Musik. Darüber hinaus ist Stefan Huber auch Mitglied der "Kapelle So&So", der Gruppe „Holzfrei Böhmischen“ und im Brass Ensemble „Lentia Brass“.

Schon als kleines Kind kam Hutter mit der Blasmusik in Berührung. Von 1978 bis 1984 studierte er an der Musikhochschule Stuttgart. Bereits während seines Studiums in Stuttgart erhielt Hutter 1985 seine erste berufliche Anstellung als Stadtkapellmeister in Herrenberg. Diese Stelle hatte er nur kurz, da ihn im selben Jahr Ernst Mosch zu seinen Original Egerländer Musikanten als Tenorhornist engagierte. 1987 war er auch bei Erwin Lehn im damaligen SDR-Tanzorchester als Posaunist tätig. Nach dem Tod von Ernst Mosch 1999 übernahm Hutter dessen legendäre Blaskapelle als Leiter, zunächst unter dem Namen "Egerländer Musikanten", dann als "Ernst Hutter & Die Egerländer Musikanten". Im September 2006 gaben sie nach 40 Jahren wieder ein Konzert in der Carnegie Hall in New York. Lange Zeit war Hutter Posaunist bei der SWR Big Band, außerdem Mitglied beim SWR Allstar Quintett, dem Posaunenensemble Quattrombones und dem klassischen Stuttgart Brass-Quartett. Zusammen mit seinen drei Söhnen und seiner Frau gründete er 2018 den Musikverlag "HutterMusic GmbH" über den unter anderem die Tonträger und Noten von "Ernst Hutter & Die Egerländer Musikanten" vertrieben werden.

Martin ist Musik durch und durch. Von Kindesbeinen an spielt Martin mit Leidenschaft Trompete und liebt es, mit diesen Instrument jegliche Musikrichtungen zu spielen. Nach einer klassischen Trompetenausbildung und tollen Erfahrungen bei Bundeswettbewerben von „Jugend Musiziert“ fasste er einen Entschluss: Es soll Jazz sein. Bereits mit 18 Jahren wurde er Mitglied und Lead Trompeter beim Landesjazzorchester Bayern. Darüber hinaus wurde Martin mit 21 Jahren zum ersten Mal die Ehre zuteil mit der SWR BIG BAND und dem Orchester seines Vaters „Ernst Hutter & Die Egerländer Musikanten - Das Original“ zu spielen. Darauf folgte das Studium für Jazz an der Musikhochschule in Köln bei Prof. Andy Haderer. Während dieser Zeit hatte er die Freude mit Peter Herbolzheimer, Ack van Rooyen und vielen anderen bekannten Musikern & Orchestern zu arbeiten und von ihnen zu lernen. Mit seinen zwei Herzensprojekten, seiner Band MOOP MAMA, die er mit seinen Freunden im Jahr 2009 gründete und „Ernst Hutter & Die Egerländer Musikanten - Das Original“, die mehr als nur eine Familientradition sind, verfolgt Martin seine Leidenschaft rund um die Trompete und was man mit ihr alles anstellen kann. Für Martin ist die Bläserei jedoch mehr als nur das Spielen eines Instruments. Dabei geht es für ihn besonders darum, die Trompete in ihrer gesamten musikalischen Vielfalt mit ihren verschiedenen „Trompetensprachen“ zu erlernen.

Nico Hutter ist Saxophonist und Klarinettist und arbeitet als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Freiburger Institut für Musikermedizin sowie als Dozent im Studiengang Musikphysiologie an der Musikhochschule Freiburg. Nach einem abgeschlossenen Studium der Psychologie an der Albert-Ludwigs-Universität Freiburg studierte er Saxophon an der Musikhochschule in Freiburg bei Matthias Stich. Nico Hutter ist sowohl in der musikalischen als auch in der wissenschaftlichen Welt zuhause. Als Saxophonist beschäftigt er sich nicht nur intensiv mit Jazz und Improvisation, sondern auch mit Klezmer, Neuer Musik und Klassik. Er ist unter anderem in den Formationen Tuyala, Yankeles, The Swindlers und Holst Sinfonietta zu hören. Darüber hinaus arbeitete Nico Hutter von 2007 bis 2022 als Instrumentallehrkraft für Saxophon an den Musikschulen in Offenburg und Lahr. Sein wissenschaftlicher Schwerpunkt liegt in den Bereichen Forschung und Weiterbildung zur Gesundheit von Lehrkräften und Musiker*innen. Hierzu entwickelt, implementiert und evaluiert er präventive Maßnahmen gemeinsam mit dem Team des Freiburger Instituts für Musikermedizin.  

Seit 1967 spielt Armin Alphorn und ist ein großer Fan seines Vaters und Alphorn-Vorbildes Paul Imlig († 1977). Mit ihm zusammen musizierte er im Alphorntrio und später im Quartett (Paul) Imlig bis 1977. Schon Paul Imlig spielte für verschieden Auftritte zusammen mit weiteren Freunden. Armin durfte so im Trio Paul Imlig, Schuler Sebi, Küssnacht oder Hürlimann Walter, Walchwil schon als Jugendlicher die 3. Stimme spielen. Zwischen 1977 und 1990 entwickelte sich das Alphorntrio Gebr. Imlig mit ihrem umfangreichen Repertoire und der musikalisch außergewöhnnlichen Präsentation zu einer Formation mit Vorbildcharakter. Ab 1990 kamen Armins Frau Annamarie und Ralph Michel zum Trio Sunnmatt dazu. Fließend war die Ergänzung durch die dritte Generation Alphornbläser aus der Familie mit Flavian und anschliessend Ramon Imlig zum Alphornquartett Imlig. Von 1990 bis 1995 war Armin musikalischer Leiter der Alphorngruppe Küssnacht am Rigi. Ab 2001 Initiant und musikalischer Leiter der Alphorngruppe Rigi-Mythen. Als Militärtrompeter im Inf. Reg 29 und 86 spielte Armin bei mehreren Plattenaufnahmen als Solist und im Alphorntrio mit Blasmusikbegleitung (Börsenländler von Carlo Brunner und Alex Eugster etc.) mit. Seit 1986 wirkt Armin im Alphornvorstand des Zentralschweizer Jodlerverbandes mit. Seit 1988 ist er Juror, später auch Obmann und mehrmals Gesamtobmann an ZSJV-Jodlerfesten. Seit 1990 ist er auch für die Juroren-Ausbildung im Bereich Alphornblasen des ZSJV verantwortlich.

Ramon Imlig (*1987) aus Goldau studierte an der Hochschule Luzern-Musik bei Prof. Jakob Hefti und erlangte im Sommer 2012 den Master of Arts in Music, Major Orchester. Die Orchesterpraktika im Luzerner Sinfonieorchester (Saison 2010/11) und beim Sinfonie Orchester Biel (Spielzeit 2011/12) sowie Meisterkurse bei Ab Koster, Esa Tapani oder Radovan Vlatkovic ergänzten seine Studien. Anschliessend absolvierte er den Studiengang Master of Arts in Musikpädagogik und konnte im Hauptfach vom Unterricht bei Olivier Darbellay profitieren. Während dem ganzen Studium beschäftigte er sich mit dem Naturhorn (historisch informierte Aufführungspraxis) als Variantfach. Auch Kammermusik in verschiedensten Besetzungen war ständig Teil der Ausbildung. Er unterrichtet an den Musikschulen Uri, Schwyz, Arth-Goldau, Cham und Steinhausen Horn und gestaltet als Hornist das nationale Konzertleben in Ad-hoc-Formationen und Orchestern wie der Bläserphilharmonie Zug, der Kammerphilharmonie Graubünden oder dem Lucerne Festival Academy Orchestra aktiv mit. Ramon ist Gründungsmitglied im pentaTon Bläserquintett (Preisträger ORPHEUS – Swiss Chamber Music Competition 2013 & 2015).

Die ersten Auftritte hatte er mit dem 2001 entstandenen Alphornquartett Imlig, welches eine Familientradition weiterführt. Es folgten zahlreiche Auftritte und die regelmässige Teilnahme am Jodlerfest in der Alphorngruppe Rigi-Mythen, im Quartett, Duo oder mit Solovorträgen. Im Jodlerverband ist er seit 2009 als Jurymitglied tätig. Anspruchsvolle Soloauftritte mit Orgel, Ensembles oder Blasorchester runden die vielseitige musikalische Tätigkeit ab.

Anna Immerz ist seit 2022 Professorin für Musikphysiologie am Freiburger Institut für Musikermedizin an der Hochschule für Musik (HfM) Freiburg. Sie unterrichtet dort das Fach Musikphysiologie und forscht zu praxisorientierten Fragen der Musikpsychologie und Musikphysiologie. Anna Immerz studierte an der HfM und der Universität Freiburg Lehramt mit den Fächern Musik und Germanistik und im Masterstudiengang Musik Liedgestaltung. Ihr Referendariat als Gymnasiallehrerin absolvierte sie am Schiller-Gymnasium in Offenburg. Darüber hinaus arbeitete sie als Gesangskorrepetitorin an der HfM Freiburg und als Chorleiterin. Ihre Promotion zur Dr. phil. schrieb sie zum Thema „Stimme von Musiklehrkräften“ und erhielt 2020 den Universitätslehrpreis der Albert-Ludwigs-Universität Freiburg für die Entwicklung eines Blended-Learning-Angebots „Gesundheitsförderung und Stimme“. Zuletzt war sie als wissenschaftliche Mitarbeiterin im Forschungsprojekt Lehrer*innengesundheit (LEHGU) am Freiburger Institut für Musikermedizin tätig.

Paul Jacot, Jahrgang 1976, begann seine musikalische Laufbahn als Trompeter im Musikverein Neuffen. Trompetenunterricht erhielt er bei Martin Schmelcher an der Musikschule Wendlingen, weiterführend bei Prof. Klaus Schuhwerk in Karlsruhe. Er studierte den künstlerischen Diplom-Studiengang mit Hauptfach Trompete bei Prof. Hannes Läubin an der Staatlichen Hochschule für Musik und Theater München, welchen er 2004 mit der Bestnote und Empfehlung zur Meisterklasse abschloss. Das Meisterklassen-Examen bestand er 2006 mit der höchsten Auszeichnung. Zu dieser Zeit war er mit dem Blechbläser-Quintett „Munich Chamber Brass" Stipendiat der Villa-Musica- und Jan-Koetsier-Stiftung. Mit diesem Ensemble errang er mehrere Preise bei internationalen Wettbewerben. Aushilfstätigkeiten in Orchestern erfolgten beim SWR Symphonieorchester Stuttgart, dem Kammerorchester Stuttgart, beim Staatstheater Stuttgart, der Bayerischen Staatsoper München, beim Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim, dem Stuttgarter Bachkollegium und dem Runfunkorchester München. Er spielte u.a. im Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter Lorin Maazel und ist heute ständige Aushilfe der Württembergischen Philharmonie Reutlingen. Solokonzerte und eine rege Konzerttätigkeit führten ihn regelmäßig ins In- und Ausland. Paul Jacot ist ein erfolgreicher und geschätzter Dirigent sinfonischer Orchester. Sein Fokus richtet sich auf klangliche Brillanz, außerordentliche Flexibilität des Klangkörpers und Stilreichtum des Repertoires. Ebenso liegt sein Hauptaugenmerk auf der anspruchsvollen, originalgetreuen Interpretation von Konzertwerken in Verbindung mit der Vermittlung des musikalischen Erlebnisses für Orchester und Publikum. Er nimmt mit seinen Orchestern regelmäßig sehr erfolgreich an nationalen und internationalen Wettbewerben teil. Paul Jacot leitet seit 2006 die Jugendausbildung Musikus Wernau und die Jugendorchester der Stadtkapelle Wernau. Die Leitung der Stadtkapelle Wernau hat er seit 2009 inne und wirkt seitdem als Musikalischer Leiter des Gesamtvereins. 2016 wurde Paul Jacot zum Städtischen Musikdirektor der Stadt Wernau ernannt. Von 2012 bis 2016 leitete Paul Jacot das Kreisjugendblasorchester Esslingen, das Auswahlorchester des Blasmusikverbands Esslingen. 2000 bis 2013 war er an der Musikschule Wendlingen als Trompetenlehrer angestellt. Seit 2016 leitet er die Schwäbische Bläserphilharmonie Neckar-Teck. Die Schwäbische Bläserphilharmonie Neckar-Teck ist ein unabhängiges und selbstständiges Höchstklasseorchester, welches in jeweils zwei Projektphasen im Jahr anspruchsvolle Konzert- und Wettbewerbsliteratur der sinfonischen Blasmusik erarbeitet und einem breiten Publikum präsentiert. Paul Jacot ist seit 2025 Musikdirektor des Städtischen Blasorchesters Backnang. Das Städtische Blasorchester Backnang zählt mit rund 90 Musikerinnen und Musikern zu den renommierten Höchststufen-Blasorchestern in der Region. Es zeichnet sich durch ein anspruchsvolles Repertoire und regelmäßige Konzertauftritte aus.

Nora Jander absolvierte ein duales Bachelorstudium im Bereich Logopädie und Therapie- und Gesundheitsmanagement am Universitätsklinikum sowie an der Fachhochschule in Münster. Im Anschluss studierte sie den Masterstudiengang Sprechwissenschaft an der Philipps-Universität in Marburg. Momentan arbeitet sie als Lehrbeauftragte an der Pädagogischen Hochschule Freiburg sowie als Stimmtherapeutin im Forschungsprojekt „Stimmliche und Mentale Gesundheit für Lehrkräfte“ am FIM.

Natalia Jarząbek schloss ihr Studium an der Musikakademie in Krakau in der Klasse von Prof. Dr. h.c. Barbara Świątek - Żelazna mit Auszeichnung ab und war Studentin der Hochschule für Musik in Weimar in der Klasse von Prof. Wally Hase. Sie schloss ihr Studium an der Jagiellonen-Universität mit einem Master-Abschluss in Mathematik ab. Derzeit ist sie Soloflötistin des Krakauer Philharmonischen Orchesters, Doktorandin an der Musikhochschule in Krakau und Lehrerin für Orchesterwerke an der Karol-Szymanowski-Musikakademie in Kattowitz. Ihr Forschungsthema ist die Problematik der Zirkularatmung bei Spielen von Blasinstrumenten. Als Spezialistin auf diesem Gebiet inspiriert sie viele zeitgenössische Komponisten, die ihr zahlreiche Werke gewidmet haben. Sie ist auch die Autorin – zusammen mit ihrer Lehrerin, Prof. Barbara, des Buches „Infinity. Zirkuläres Atmen“ und das Kursbuch „Infinity“ mit Übungen und Stücken zum Üben dieser Technik, das im Dezember 2020 erschienen ist. Sie hielt viele Vorträge über Zirkularatmung auf der ganzen Welt (z.B. II Polish Flute Congress in Łódź, 2019, das Festival Universitario de Flauta Transversa in México 2019, das Alexander Arutiunian International Wind Festival 2019, Online-Vorträge für die Flötenklasse von Prof. Wally Hase, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, Prof. Agata Igras, Universität für Musik in Warschau, III Polish Flute Festival 2020). Ihre Fähigkeiten sind bei internationalen Wettbewerben hoch angesehen. Sie erhielt viele Preise, Stipendien und Auszeichnungen, die ihre Leistungen würdigen. Natalia spielte und unterrichtete bei Festivals wie: British Flute Society 's Flutastique! Festival der British Flute Society, dem Adams Flute Festival 2017, dem Festival Universitario de Flauta Transversa in Mexiko, dem Alexander Arutiunian International Wind Festival, dem 31. Internationalen Festival der Krakauer Komponisten, dem Wawel o Zmierzchu Festival und dem Musikfestival in Łańcut. Sie hat eng mit zahlreichen Sinfonieorchestern und Kammerensembles zusammengearbeitet und ist in renommierten Konzertsälen auf der ganzen Welt aufgetreten. 2015 nahm Natalia ein Solostück auf der CD des Grammy-Preisträgers Włodek Pawlik auf. 2017 nahm sie mit dem belgischen Pianisten Pieter-Jan Verhoyen die CD 900 Miles auf, auf der Werke polnischer und flämischer Komponisten zu hören sind. Im Jahr 2017 erhielt Natalia zusammen mit Prof. Barbara Świątek - Żelazna den renommierten Preis Ars Quaerendi des Parlaments von Kleinpolen in der Kategorie Master-Student für herausragende Aktivitäten zur Entwicklung und Förderung der Kultur. Die beiden Preisträgerinnen beschlossen, diesen Preis für die Erstellung eines Lehrbuchs zum Erlernen der Zirkularatmung und die Aufnahme einer von dieser Technik inspirierten CD zu verwenden. Die CD „Infinity“ wurde mit der belgischen Pianistin Emmy Wils im Krzysztof Penderecki European Music Center in Lusławice aufgenommen und ist im September 2019 bei DUX erschienen. Seit 2017 ist Natalia auch Flötistin des Krakauer Goldenen Quintetts, mit dem sie 2019 den 2. Preis beim Stanislaw Moniuszko International Polish Music Competition in Rzeszów gewann. Das Ensemble nahm eine CD Polnische Bläserquintette auf, die für den Fryderyk 2020 Award nominiert wurde.  

Andreas Joos (geb. 1994 in Tettnang) konnte bereits früh als Stipendiat der BrassWeek Samedan (CH) und der „Erlanger Jazztagen“ 2012 bis 2014 solistische und kammer-musikalische Erfahrungen sammeln. Nach zweijährigem Instrumentalunterricht bei Gerhard Füßl (Mnozil Brass) sowie Peter Seitz an der Berufsfachschule für Musik Krumbach, entschied Andreas sich 2014 für seine Studiengänge im Hauptfach Posaune, mit Nebenfach Jazzposaune. Er studierte an Hochschule für Musik in Basel (CH) bei Prof. Edgar Manyak, am Leopold-Mozart-Zentrum der Universität in Augsburg bei Sven Strunkeit und an der Hochschule für Musik in Luzern (CH) bei Prof. Martin Schippers. Die Vielfältigkeit zur Musik erweiterte sich bei Andreas ständig, unter anderem durch seine Einsätze bei der „Jungen Deutschen Philharmonie, dem „Münchner Rundfunkorchester des BR“ den „Münchner Bachsolisten“, der Band „The Heimatdamisch“ sowie „Moop Mama“ und der „Big Band Fink & Steinbach“. Andreas konnte bei sich nicht nur im klassischen Bereich, sondern auch im Bereich Jazz und Pop großes Interesse feststellen und gründete 2011 die Hip-Hop Brass Band „Fättes Blech“, für die er als Arrangeur, musikalischer Leiter und Posaunist tätig ist. Seit 2017 ist er festes Mitglied bei „Ernst Hutter & Die Egerländer Musikanten – Das Original“ , wo er die Posaune oder das Bariton spielt.

Nemanja Jovanovic spielte schon während seiner Schulzeit als Aushilfe bei der Rundfunk Big Band Belgrad, wo er nach seinem Studium Lead Trompeter wurde. Er arbeitete mit Stars wie Bob Mintzer, Dusko Gojkovic, Alvin Queen, Jacob Collier undAck van Royen und war Mitglied zahlreicher Jazzbands. Als Leadtrompeter spielt er Produktionen für die HR, SWR und WDR Big Band sowie mit der Pepe Lienhard Band. Seit 2013 ist er Lehrbeauftragter für Jazztrompete an der Hochschule München. Nemanja spielt als Leadtrompeter in der SWR Big Band.

Andrew Joy war 32 Jahre lang Solo-Hornist des WDR Sinfonie Orchester Köln. Mit dem renommierten Orchester reiste er durch Europa, Japan, die USA und Südamerika 2011 trat er von dieser Position zurück, um sich intensiver Aufnahmen und seiner Leidenschaft der Kammermusik widmen zu können. Zusammen mit Nikolaus Harnoncourt und dem Concentus Musicus produzierte Andrew Joy in Wien und Graz innovative Aufnahmen auf historischen Instrumenten und spielte unter anderem Bachs H-Moll-Messe und Telemanns Doppelhornkonzert ein. Ein wichtiges Anliegen ist Andrew Joy auch die Arbeit als Pädagoge. Er unterrichtete unter anderem an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf und in zahlreichen Meisterklassen weltweit. Bekannt ist Andrew Joy außerdem als Erfinder des Entwässerungssystems JoyKey.

Die Klarinettistin Nicola Jürgensen studierte bei Hans Deinzer und Sabine Meyer und machte bereits früh bei Wettbewerben auf sich aufmerksam. Sie wurde sowohl mit dem Mozartpreis der Wiesbadener Mozartgesellschaft als auch mit dem Preis des Deutschen Musikwettbewerbs der Solisten 1999 ausgezeichnet. Der „Förderpreis Deutschlandfunk“ wurde ihr 2002 im Rahmen des Bremer Musikfestes verliehen. Von 2001 bis 2018 war Nicola Jürgensen Soloklarinettistin im WDR Sinfonieorchester Köln. Als Solistin konzertierte sie mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Beethovenorchester Bonn, dem Rundfunkorchester Berlin, den Hamburger Symphonikern, den Orchestern der Staatstheater Braunschweig, Kassel und Saarbrücken, dem Polnischen Kammerorchester, den Philharmonischen Orchestern Rostock und Freiburg, dem Ensemble Resonanz und anderen. Es folgten Einladungen des Deutschen Symphonieorchesters Berlin, des Münchner Kammerorchesters, des MDR Sinfonieorchesters, des Wiener Kammerorchesters sowie des Kammerorchesters Carl Philipp Emanuel Bach. Dabei arbeitete sie mit Dirigenten wie Stefan Blunier, Roy Goodman, Reinhard Goebel, Hartmut Haenchen, Christopher Hogwood, Fabio Luisi, Andrea Marcon, Charles Olivieri-Munroe, Christoph Poppen, Peter Rundel, Peter Ruzicka, Otto Tausk und Sebastian Tewinkel. Nicola Jürgensen ist das kammermusikalische Musizieren ein wichtiges Anliegen: Sie war zu Gast u.a. bei den internationalen Kammermusikfestivals von Lockenhaus und Risør und in 2019 beim Festival „Spannungen“ in Heimbach. Auf Einladung des Artemis Quartetts führte sie das Kammerkonzert für Klarinette, Streichquartett und Orchester von Karl Amadeus Hartmann auf. Weitere Partner waren u.a. das Mandelring Quartett, das Minguet Quartett, das Klenke Quartett, das Trio Jean Paul sowie die Pianisten Matthias Kirschnereit und Markus Becker. In der Produktion der einaktigen Oper „Michaels Reise“ von Karlheinz Stockhausen unter der Regie von Carlus Padrissa/La Fura dels Baus übernahm sie den Part der Eva und gastierte u.a. bei den Wiener Festwochen, der Biennale Venedig, dem Warschauer Herbst und dem Festival d`Automne Paris. In der Saison 2011/2012 spielte Nicola Jürgensen mit dem WDR Sinfonieorchester unter Reinhard Goebel die Wiederuraufführung des lange verschollenen Klarinettenkonzerts von Johann Wilhelm Wilms. Im April 2012 erschien beim Label Orfeo International ihre CD „Dans La Nuit“, auf der sie mit ihrem Klavierpartner Matthias Kirschnereit selbst arrangierte französische Kammermusik und Lieder eingespielt hat. 2013 war Nicola Jürgensen als Solistin u.a. beim Konzerthausorchester Berlin zu Gast und führt mit dem WDR Sinfonieorchester die „Night Prayers“ für Klarinette, Tonband und Orchester von Giya Kantcheli auf. Desweiteren debütierte sie beim Lincoln Center Festival New York, beim Wuhan Festival, China, und beim Auckland Philharmonic Orchestra, Neuseeland. 2014 sowie 2015 reiste Nicola Jürgensen nach Bangkok, wo sie gemeinsam mit ihren thailändischen Partnern sowie dem Goethe Institut das erste „German Masters Music Festival“ organisiert hat, welches Konzerte und Meisterkurse umfasste. 2018 debütierte sie beim Korean Chamber Orchestra, Seoul, sowie beim Xiamen Philharmonic Orchestra, China. Nicola Jürgensen gab international zahlreiche Meisterkurse. In 2008 und 2016 war sie als Holzbläser-Dozentin bei der „Jungen Musiker Stiftung“ Bayreuth tätig, in den Jahren 2016 und 2017 bei der „Gustav Mahler Akademie Bozen“ des Mahler Chamber Orchestra sowie auch mit einem eigenen Meisterkurs bei den „Internationalen Dresdner Meisterkursen Musik“. 2020 war sie Dozentin für die Holzbläser des Bundesjugendorchestes (BJO). 2018 folgte Nicola Jürgensen dem Ruf an die Folkwang Universität der Künste Essen und hat dort die Professur für Klarinette inne.

Flavia Käfer studierte Oboe und Instrumentalpädagogik an der Hochschule für Musik Würzburg bei Prof. Jochen Müller-Brincken und Ralf-Jörn Köster sowie in Valencia (Spanien) bei Prof. Jesus Fuster. Für ihre Diplomarbeit zum Thema Musikergesundheit gewann sie den Kulturpreis Bayern 2015. Es folgten eine Ausbildung zur Yogalehrerin im Yogahaus Würzburg bei Charlotte Toma und zahlreiche Workshops bei verschiedenen Yogalehrern. Seit 2017 unterrichtet Flavia Käfer Yoga in verschiedenen Studios und Yoga für Musiker im Lehrauftrag an der HfM Würzburg, im Einzelunterricht oder in Workshops deutschlandweit. Das Jahrtausende alte Wissen des Yoga mit dessen Atem- und Körperübungen sowie Entspannungstechniken bereichern sie zudem in ihrem Musikerberuf. Neben ihrer langjährigen Unterrichtstätigkeit als Oboenlehrerin u. a. an der Sing- und Musikschule der Stadt Lohr am Main kann sich die Oboistin regelmäßiger Engagements und Aushilfstätigkeiten in professionellen Orchestern und Ensembles erfreuen, wie z. B. am Meininger Staatstheater, in der Jenaer Philharmonie, bei den Münchner Bachsolisten, im Bachorchester Würzburg, im Philharmonischen Orchester Aschaffenburg, im Oettinger Bachorchester oder auch am Landestheater Detmold. Konzertreisen und Auftritte führten sie unter anderem nach Brasilien, Montenegro, Kroatien, Spanien und in die Schweiz.  

Karl Kaiser studierte an den Musikhochschulen in Köln und Münster. Parallel dazu studierte Karl Kaiser außerdem Theologie, Philosophie und Musikwissenschaften an den Universitäten in Bonn und Köln, entschied sich dann aber für den Beruf des Musikers. Seitdem konnte er sich als Solist, Kammer- und Orchestermusiker im Bereich der historisch informierten Aufführungspraxis sowie als Pädagoge einen hervorragenden Namen machen. Karl Kaiser war 28 Jahre Soloflötist des Freiburger Barockorchesters. Mit diesem Ensemble hat er über Jahrzehnte in den großen Konzertsälen der Welt die Musik des 18. und 19. Jahrhunderts gespielt. Nach weiteren vielfältigen und inspirierenden Erfahrungen mit Solisten, Kammermusikgruppen und Orchestern konzentriert er sich heute auf wenige, sich ergänzende Ensembles und auf seine Lehrtätigkeit. Karl Kaiser ist Gründungsmitglied des Orchesters La Stagione Frankfurt unter der Leitung von Michael Schneider. Als Soloflötist dieses Ensembles ist er auf CDs mit Flötenkonzerten von Telemann, Abel und Holzbauer zu hören. Er ist seit über 35 Jahren Flötist der Camerata Köln mit weltweiten Konzerten und mit mehr als 50 CDs, die einen großen Teil der barocken und frühklassischen Kammermusik dokumentieren. Als Professor an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt und an der Musikhochschule in Freiburg unterrichtet Karl Kaiser barocke Traversflöte und klassisch-romantische Klappenflöte. Seine Erfahrungen und Forschungen als Musiker gibt er regelmäßig in Meisterkursen an die junge Generation weiter. Im Verlag "con brio" erschien 2010 sein "Basiswissen Barockmusik". Im Verlag Walhall erschien 2014 sein Buch "Principes de la flûte" über die Lehren des Jacques Hotteterre.

Sharon Kam gehört zu den weltweit führenden Klarinettistinnen. Sie arbeitet mit den bedeutendsten Orchestern in den USA, Europa und Japan. Vom Anbeginn ihrer Karriere sind die beiden Mozartschen Meisterwerke für Klarinette ein wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Arbeit: Im Alter von 16 Jahren spielte sie Mozarts Klarinettenkonzert bei ihrem Orchesterdebüt mit dem Israel Philharmonic Orchestra unter Zubin Mehta, und nur wenig später sein Klarinettenquintett gemeinsam mit dem Guarneri Quartet in New York. Zu Mozarts 250. Geburtstag spielte sie sein Klarinettenkonzert im Ständetheater in Prag, das vom Fernsehen live in 33 Länder übertragen wurde und erfüllte sich im gleichen Jahr den Wunsch sowohl das Konzert als auch sein Klarinettenquintett mit der Bassett-Klarinette aufzuzeichnen. Für diese hochgelobte Aufnahme konnte Sharon Kam die Haydn Philharmonie und vier Star-Streicher gewinnen: Isabelle van Keulen, Ulrike-Anima Mathé, Volker Jacobsen und Gustav Rivinus. Als begeisterte Kammermusikerin arbeitet Sharon Kam darüber hinaus mit Künstlerfreunden wie Lars Vogt, Christian Tetzlaff, Enrico Pace, Daniel Müller-Schott, Leif Ove Andsnes, Carolin Widmann und dem Jerusalem Quartett. Sie ist häufiger Gast bei Festivals u.a. in Schleswig-Holstein, Heimbach, Rheingau, Risør, Cork, Verbier, in Delf sowie bei der Schubertiade. Ihr Engagement für zeitgenössische Musik lässt sich an zahlreichen Uraufführungen ablesen; darunter Krzysztof Pendereckis Klarinettenkonzert und Quartett sowie Klarinettenkonzerte von Herbert Willi (Salzburger Festspiele), Iván Erőd und Peter Ruzicka (Donaueschingen). Durch ihre zahlreichen Aufnahmen hat Sharon Kam bewiesen, dass sie in der Klassik genauso wie in der Moderne und auch im Jazz zu Hause ist. Sie wurde bereits zweimal mit dem ECHO Klassik als „Instrumentalistin des Jahres“ ausgezeichnet: 1998 für ihre Weber-Aufnahme mit dem Gewandhausorchester Leipzig unter Kurt Masur und im Jahr 2006 für ihre CD mit dem MDR Sinfonieorchester und Werken von Spohr, Weber, Rossini und Mendelssohn. Die Aufnahme „American Classics“ mit dem London Symphony Orchestra unter der Leitung ihres Ehemannes Gregor Bühl wurde mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. 2013 folgte ihre gefeierte „Opera!“-CD mit Transkriptionen von Arien für Klarinette und Kammerorchester, die sie mit dem Württembergischen Kammerorchester unter Ruben Gazarian einspielte. Zum 100-jährigen Todestag von Max Reger veröffentlichte Sharon Kam im Oktober 2015 die Klarinettenquintette von Reger und Brahms. Ihr neues Trio-Album „Contrasts“, das sie gemeinsam mit ihren langjährigen Partnern Ori Kam und Matan Porat aufnahm, wurde gleich nach Erscheinen auf die Bestenliste des Preises der Deutschen Schallplattenkritik gesetzt. Im Frühjahr 2020 wurde ihre Aufnahme der Klarinettenkonzerte von Carl Maria von Weber und seinen Zeitgenossen Karol Kurpiński und Bernhard Henrik Crusell bei ORFEO International veröffentlicht, die sie zusammen mit dem ORF Radio-Symphonieorchester Wien und Gregor Bühl aufgenommen hat. In 2021 ist ihr Hindemith Album erschienen. Sharon Kam ist ein Buffet Crampon Artist und spielt schon immer das Modell R13. Ihr Mundstück ist von Peter Eaton, London.

Hanstoni Kaufmann legte das Lehrdiplom an der Musikhochschule Luzern ab und führte seine Studien dann bei Alfred Prinz, Soloklarinettist der Wiener Philharmoniker, weiter. Blattbaukurse führten ihn in die Schweiz, Südtirol, Österreich, Deutschland und Japan. Seine 35-jährige Blattbauerfahrung floss unter anderem in die beiden Veröffentlichungen «Klarinettenblätter korrigieren», 2012 im Misura Verlag erschienen und in «Das Klarinettenblatt. Das Saxophonblatt Bauanleitung», 2017 im Finkenkruger Musikverlag herausgegeben. Kaufmann unterrichtet Klarinette für alle Altersstufen an der Musikschule Horw, 44 Jahre lang auch an der Musikschule Luzern. Er gilt als Spezialist für frühinstrumentalen Klarinettenunterricht für Kinder ab 5 Jahren. Alfred Prinz, Soloklarinettist der Wiener Philharmoniker, spielte Blätter, Made by Hanstoni.

Christoph Kieser geboren in Neckarsulm, studierte an der Hochschule für Musik in Karlsruhe bei Prof. Renate Greiss-Armin und in Helsinki bei Prof. Lisa Ruoho mit dem Abschluss  Orchestermusik und Konzertexamen. Meisterkurse u.a. bei  Peter -Lukas Graf, Aurele Nicolet und Barthold Kujken vervollständigten seine musikalische Ausbildung.  Er war unter anderem Preisträger des Hochschulwettbewerbs Karlsruhe. Zurzeit unterrichtet er  an der Musikschule Nagold und spielt in verschiedenen Orchestern  und  kammermusikalischen Besetzungen. Solistische Auftritte u.a. beim Schwarzwald Musikfestival folgten. Zudem ist er tätig als Dozent von Workshops in Flötentuning, Flötenbau und Flötenspiel. Mit seinem Instrument war er an Uraufführungen, CD und Fernsehproduktionen und Kammermusikkonzerten  beteiligt. Als einer der wenigen Lehrer in Deutschland unterrichtet er Querflöte nach der Suzukimethode.  www.christophkieser.de

Die französisch-koreanische Flötistin Prof. Dr. Mihi Kim ist eine internationale und weltoffene Solistin, die bisher bereits fast 1.000 Konzerte bestritten hat. Ihr unter dem Label Anima Records veröffentlichtes Album „Le Cavalier Bleu“ („Der blaue Reiter“) in Zusammenarbeit mit dem Pianisten Bertrand Giraud fand große Anerkennung in der internationalen Presse.Seit 1996 gab sie Auftritte in Deutschland, der Schweiz, Italien, Spanien, Großbritannien, Ungarn, den Niederlanden, Belgien, Polen, Rumänien, Kroatien, Serbien, Russland, Japan, Korea, Taiwan und den USA in renommierten Sälen wie Salle Cortot, Salle Gaveau, Opéra Comique, UNESCO, Théâtre des Champs Elysées und Cité de la Musique (Paris), Ballett von Marseille, Radio France, Théâtre National de Strasbourg (Frankreich), Comédie de Genève (Schweiz), Villa Medici (Rom), Palazzo Chigi Saracini (Siena), Opernhaus Cagliari (Sardaige) in Italien, Wiener Musikverein in Österreich, Lodz Philharmonic und Czestochova Philharmonic in Polen; in der prestigeträchtigen Carnegie Hall (Zankel Hall) in New York (USA), dann in der Shinagawa Bunka Hall, der Musashino Hall (Tokio) und der Kobe Bunka Hall (Kobe) in Japan, im Gumho Art Center (Seoul) und in dem prestigeträchtigen Seoul Art Zentrum in Korea.

Sie arbeitet regelmäßig mit dem Pianisten Bertrand Giraud zusammen, mit dem sie auch das Album „Der blaue Reiter“ (2013, Anima Records) aufgenommen hat, sowie mit Aurélien Pontier (kürzlich mit dem „Choc Classic“ für seine Aufnahme von Liszt-Paraphrasen ausgezeichnet), Jennifer Fichet und Teresa Janina Czekaj. Unter ihren Kammermusikpartnern finden sich unter anderem Fabrice Pierre, Pierre-Henri Xuereb und Rachel Talitman. Sie war eine der Mitbegründerinnen des Ensemble Musica Universalis und war Mitglied des Ensemble Itineraire, des Ensemble Multilatérale, des Paris Chamber Orchestras, des Takemitsu Trios sowie des Xanthos Trios.

Als Liebhaberin der zeitgenössischen Musik war sie an zahlreichen Aufnahmen der Labels Mandala/Harmonia Mundi, Aeon und Musicube beteiligt. Unter dem Label Harp and co. folgten zwei Aufnahmen zusammen mit der Harfenistin Rachel Talitman und dem Bratschisten Pierre-Henri Xuereb, darunter „Frida Kern“, mit Werken der österreichischen Komponistin F. Kern, und „Around Debussy“ mit Werken von Debussys Zeitgenossen. 2020/2021 standen verschiedene Projekte an, insbesondere mit Anima Records und Leitmotiv. Seit 1998 ist Mihi Kim Professorin für Flöte in Paris und der Region Paris. Sie wurde zur Professorin an der École Normale de Musique in Paris und zur Professorin am CRD in Issy-les-Moulineaux (92) ernannt und hat mehr als 200 Fachkräfte aus Frankreich und dem Ausland ausgebildet. Sie bestand als einzige Ausländerin das französische Staatsexamen für Professor der Musik (PEA). Sie ist polyglott und weltoffen, spricht 6 Sprachen und gibt Meisterkurse auf der ganzen Welt, oft in der Landessprache. Sie ist seit 2003 internationale Künstlerin der Miyazawa Flöten aus Japan und spielt auf einer Platinum Flûte 900/000 (0,28) Typ II Boston Classic.Mihi Kim wurde in Seoul, Südkorea, geboren und studierte in Frankreich und Deutschland am Nationalen Musikkonservatorium von Paris, der Hochschule von Köln und der Hochschule von München bei den Lehrern Alain Marion, Jean-Pierre Rampal und Andras Adorjan sowie Aurèle Nicolet, Paul Meisen und Pierre-Yves Artaud. Im Jahr 1998 erhielt sie das Äquivalent eines DAI (Diploma of Performing Artist, Ph.D. in Interpretation des Pariser Conservatoire CNSMDP). Sie ist Preisträgerin des 5. Internationalen Wettbewerbs Jean-Pierre Rampal in Paris und gewann den 1. Großen Preis beim Internationalen Musikwettbewerb in Bayreuth. Mihi Kim wird von Meistern wie Maxim Vengerov, Martha Argerich, Shlomo Mintz, Hilary Hahn und Sir James Galway inspiriert mit welchem sie ebenfalls eine enge und freundschaftliche Beziehung unterhält.

Atsuko Kinoshita begann ihre akademische Ausbildung an der Universität für Kunst und Musik in Kyoto, bevor sie 2010 an die Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim wechselte. In der Klasse von Ok-Hi Lee / Prof. Rudolf Meister absolvierte sie zunächst ihr Masterstudium und dann setzte ihre Ausbildung mit „Solistische Ausbildung“ fort, welchen sie 2016 erfolgreich abschloss. Ihre künstlerische Qualität wurde bereits früh durch zahlreiche internationale Auszeichnungen bestätigt. So ist sie unter anderem erste Preisträgerin des Internationalen Klavierwettbewerbs Nice Côte d’Azur sowie des Internationalen Johannes-Brahms-Wettbewerbs in Pörtschach. Sie war auch Preisträgerin beim internationalen Rina Sala Gallo Klavierwettbewerb in Monza. Als Solistin konzertierte Atsuko Kinoshita mit dem Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, dem Orchestre de Cannes und der Württembergischen Philharmonie Reutlingen. Weitere Engagements führten sie zur Baden-Badener Philharmonie, dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn sowie zum Philharmonischen Orchester des Theaters für Niedersachsen. Ergänzend zu ihrer solistischen Tätigkeit ist sie eine gefragte Kammermusikerin und Liedbegleiterin. Seit 2018 gibt sie ihre Expertise als akademische Mitarbeiterin und Korrepetitorin für Blasinstrumente an der HfMDK Mannheim an die nächste Generation weiter.

Julius Kircher wurde 1981 in Heilbronn geboren. Er absolvierte sein Klarinettenstudium bei Eduard Brunner an der Hochschule für Musik in Saarbrücken.

Noch während des Studiums erhielt er den 1. Preis beim 13. Walter-Gieseking-Wettbewerb in der Sparte Holzbläser, wurde Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie und spielte mehrfach auf dem Internationalen Musikfest Kreuth.

Nach Abschluss des Konzertreifestudiums wurde er in die Akademie des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks aufgenommen, anschließend erfolgte 2008 ein Engagement als stellvertretender Soloklarinettist der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz in Ludwigshafen. Seitdem gastiert er regelmäßig als Soloklarinettist in bedeutenden Klangkörpern wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem hr-Sinfonieorchester, dem Bayerischen Staatsorchester, dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn sowie dem Münchener Kammerorchester.

Als Klarinettist des Acelga Quintetts widmet er sich in besonderem Umfang der Kammermusik. Seitdem das Bläserquintett 2013 beim Deutschen Musikwettbewerb in Stuttgart ein Stipendium des Deutschen Musikrats erhielt und sich im darauffolgenden Jahr beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD einen 3. Preis erspielte, gastiert das Ensemble regelmäßig bei Konzertreihen und Festivals im In- und Ausland, darunter das Rheingau Musik Festival, das Bachfest Leipzig sowie die Festspiele Mecklenburg-Vorpommern.

Im Mai 2017 erschien die Debut-CD „Bohemia“ mit Werken von Leoš Janáček, Pavel Haas, Alexander von Zemlinsky und Josef Bohuslav Foerster beim Label Genuin.

Im Oktober 2019 trat Julius Kircher die Professur für Klarinette an der Hochschule für Musik in Karlsruhe an.

Susanne Kittel ist ausgebildete Musik- und Bewegungspädagogin mit langjähriger Praxiserfahrung an verschiedenen Musikschulen in der Region Freiburg und im Weiterbildungsbereich. Sie ist Dozentin für Musik und Bewegung, Musik in der Kindheit, interdisziplinäre und interkulturelle Projekte im Bereich der Lehramtsausbildung und der Kindheitspädagogik an der Pädagogischen Hochschule Freiburg. An der Musikhochschule Freiburg arbeitet sie im Team der elementaren Musikpädagogik im Bereich der Lehrpraxis Grundschule und gibt Theorie und Praxiskurse. Körperorientierte Rhythmusarbeit, beeinflusst durch westafrikanische, orientalische und zeitgenössische Musizier - und Bewegungspraxis sind Schwerpunkte ihrer Arbeit.

Die Pianistin Katharina Kegler studierte bei Tibor Hazay in Freiburg und John Perry in Houston (USA). Wichtige Impulse erhielt sie während eines sechsmonatigen Stipendiums im renommierten „Banff Centre for the Arts“ in Kanada durch Gilbert Kalish und David Takeno. Von ihren vielfältigen Aktivitäten als Solistin und Kammermusik- und Liedpartnerin sei die Zugehörigkeit zur Basler camerata variabile (2000-2005) mit Schwerpunkten auf der gesamten Kammermusik von Brahms, der klassischen Moderne und der (Ur)Aufführung zeitgenössischer Werke genannt; mit dem Trompeter und Komponisten Anthony Plog widmete sie sich vornehmlich neuer amerikanischer Musik. Zahllose Konzerte und Meisterkurse gab sie gemeinsam mit dem Posaunisten Branimir Slokar. Mit dem Pianisten Aziz Kortel konzertiert sie im Klavierduo,  eine enge künstlerische Zusammenarbeit besteht mit der Kanadierin Bridget MacRae (Solocellistin des Münchner Kammerorchesters). Zu ihren Kammermusikpartnern zählten u.a. Olena Tokar, Dashon Burton, Petra Müllejans, Martin Spangenberg, Jörg Widmann,  Fabrice Millischer, Hansheinz Schneeberger und Radovan Vlatković. Katharina Kegler ist regelmäßig offizielle Begleiterin beim ARD-Wettbewerb für Gesang, Viola,  Violoncello und Posaune. Rundfunk- und Fernsehaufnahmen entstanden für France Musique, DRS (Schweiz) und RTV Slovenija, CD-Produktionen für Ars Musici (Brahms, Chorquartette op. 31,52 und 92 mit der Camerata Vocale Freiburg), Summit Records, Chrismon (Pepping, Liederbuch mit Sibylle Kamphues, Mezzosopran). Außerdem wirkte sie bei Aufnahmen mit dem Basler Sinfonieorchester unter Mario Venzago (Schoeck, Stravinsky, Nono) mit. Konzertreisen führten sie in zahlreiche Länder Europas, nach Kanada, Japan und  nach Brasilien. Neben Solo-, Kammermusik- und Liederabenden wendet sie sich der Verbindung von Musik und anderen Künsten zu, so zum Beispiel in einem Programm über den Maler Paul Klee (Die Übersetzbarkeit der Künste). In einem Porträt der kroatischen Komponistin Dora Pejačević (1885-1923) schildert sie vor dem Hintergrund des beginnenden 20.Jahrhunderts das Leben dieser außergewöhnlichen Künstlerin. Ein vielfältiges Spektrum an Literatur und Musik bieten ihre Programme mit der Schauspielerin Petra Gack (Beethoven und Gleichenstein, Kreutzersonate, Klavierbau (mit dem Klavierbauer Heiner Sanwald) etc.). Katharina Kegler ist künstlerische und organisatorische Leiterin der Konzertreihe Musikfest Ebringen, die sie 2012 ins Leben rief. Seit 1992 ist sie Dozentin an der Musikhochschule Freiburg.

Bettine Keyßer wurde in Potsdam geboren, studierte Flöte in Berlin sowie in Tuscaloosa/ Alabama. Sie ist stellvertretende Soloflötistin der Staatskapelle Halle. Mit ihrem Orchester trat sie als Solistin auf und spielt in Kammerensembles Musik verschiedener Genres bis hin zum Jazz. Sie ist Mitbegründerin des Halleschen Bläserquintetts und seit dem Jahr 2000 Mitglied im Leipziger Querflötenensemble „Quintessenz“. Die Partie der Altflöte ist das Spezialgebiet von Bettine Keyßer im Leipziger Querflötenensemble „Quintessenz“. Und hier hat das Instrument von Miyazawa seine neue Heimat gefunden. Es ist sozusagen ihr nachträgliches Geschenk zum 20-jährigen Jubiläum des Ensembles. Der Klang der Altflöte mischt sich wunderbar mit dem der anderen Flöten und ist auch solistisch präsent.

Peter Kleine Schaars wurde am 10. August 1962 in Deventer (Niederlande) geboren und machte im Alter von zehn Jahren seine ersten Schritte im musikalischen Bereich. Aufgrund des Mangels an Posaunisten in der Region spielt er bereits in jungen Jahren in verschiedenen Orchestern, von Sinfonieorchestern, Blas- und Fanfarenorchestern, Blechbläserensembles, Bigbands, Jazzensembles, Salsaorchestern bis hin zu Popgruppen.

Im Alter von sechzehn Jahren begann er Arrangements für die verschiedenen Ensembles zu schreiben, in denen er spielte. Sein vielseitiges Interesse wuchs während der Absolvierung von vier Konservatoriumskursen, nämlich klassischer Posaune, Jazzposaune, Komposition/Arrangement und Dirigieren.

Seine professionelle Musikkarriere begann 1989, als er nach Abschluss seiner Marineausbildung in die Marinekapelle der Königlich Niederländischen Marine aufgenommen wurde, wo er die Funktionen eines Posaunisten, Stabsarrangeurs und stellvertretenden Dirigenten ausübte.

Aufgrund seines internationalen Rufs (unter anderem seine Kompositionen und Arrangements) erhält er nach und nach immer mehr Einladungen sowohl von niederländischen als auch ausländischen Profi- und Amateurorchestern und reist seit 2002 (nach seinem Rücktritt von der Marinierskapel) als Gastdirigent regelmäßig um die Welt.

Von 2002 bis 2013 war er Tonmeister bei De Haske und produzierte mehr als 250 CDs mit vielen professionellen Künstlern und Blasorchestern. In diesen Jahren schrieb er auch zahlreiche Arrangements und Kompositionen für diesen Verlag.

Von 2013 bis 2017 war er Chefdirigent der Marinierskapel der Koninklijke Marine (Blasorchester der Königlichen Niederländischen Marine).

Seit 2017 bis heute ist er Chefdirigent des Orkest Koninklijke Marechaussee (Königliche Militärpolizei), eines der wenigen professionellen Fanfarenorchester der Welt!

Zusammen mit diesen führenden Orchestern hat er im letzten Jahrzehnt Hunderte von Konzerten in den Niederlanden und im Ausland gegeben und sensationelle CDs produziert. Darüber hinaus war er 19 Jahre lang Dirigent des Niederländischen Polizeiorchesters und ist seit 20 Jahren Dirigent von Grunos Postharmonie, Groningen (Niederlande).

Bereits im Alter von fünf Jahren erhielt Felix Klieser seinen ersten Hornunterricht. Er lernte, die Ventile mit den Zehen des linken Fußes zu bedienen. Dabei ist das Instrument auf einem speziellen, von einem Instrumentenbauer für ihn entwickelten Metallständer stabil befestigt. Er ist damit in der Lage, allen in der Hornliteratur bekannten Anforderungen an die Geläufigkeit zu genügen. Ebenso erarbeitete er sich eine spezifische Ansatztechnik, die ihn den typischen weichen und dunklen Klang des Horns auch ohne Hand im Schalltrichter (Stopftechnik) erzeugen lässt. Sollte diese, für das Horn übliche Spieltechnik einmal unumgänglich sein, nutzt er einen ebenfalls für ihn entwickelten mechanischen Apparat zum Stopfen, den er mit dem rechten Fuß bedienen kann. Felix Klieser gewann als Jugendlicher zahlreiche Preise bis hin zum Bundeswettbewerb Jugend musiziert. Bereits mit 13 Jahren wurde er an der Musikhochschule Hannover als Jungstudent aufgenommen, wo er im Wintersemester 2010/2011 ein reguläres Musikstudium begann. Hier wurde Markus Maskuniitty, ehemaliger Solohornist der Berliner Philharmoniker, sein Lehrer. Meisterkurse, u. a. bei Peter Damm, rundeten seine Ausbildung ab. Neben seinem Studium ist er als Konzertsolist vor allem in Deutschland und den Nachbarländern unterwegs. Von 2008 bis 2011 gehörte Felix Klieser dem Bundesjugendorchester an, mit dem er in bedeutenden Konzertsälen im In- und Ausland konzertierte. 2010 erhielt er in Innsbruck den „Life Award“ in der Kategorie „Kunst und Kultur“. Im Herbst 2014 erhielt Felix Klieser den ECHO Klassik Preis in der Kategorie „Nachwuchskünstler des Jahres“, den Musikpreis des Verbandes der Deutschen Konzertdirektionen sowie den Leonard Bernstein Award im Februar 2016. Eingespielt hat Felix Klieser romantische Musik für Horn und Klavier, die Hornkonzerte von W.A. Mozart, Joseph und Michael Haydn sowie Horntrios von Duvernois, Brahms, Koechlin, Kahn.

In ihrer Akademie bildet Mona Köppen schwerpunktmäßig und spezialisiert Musiklehrerkräfte, Coaches und Therapeutinnen und Therapeuten zum/zur „Mentaltrainer für Musikerinnen und Musiker“ aus. Im 1:1 Training bereitet sie Musikstudierende mental auf Probespiele, Prüfungen und Auftritte vor und arbeitet mit ihnen an einer authentischen Wirkung beim Auftritt. Themen wie Auftrittsangst und Blockaden beim Spielen bearbeitet sie zusätzlich durch ihre Kompetenz als Therapeutin für Psychotherapie. Als Dozentin hält sie Workshops, Vorträge und Fortbildungen im Bereich des mentalen Trainings, Emoticonsregulation, sowie Emotionswahrnehmung und der nonverbalen, sowie verbalen Kommunikation. Ihre Erfahrung als ausgebildete Metallblasinstrumentenmacherin und Musikerin runden ihr Spektrum für ein tiefes Verständnis über die Bedürfnisse der Musikerinnen und Musiker ab. Wichtige berufliche Stationen:

• Metallblasinstrumentenmacherin (Gebr. Alexander Mainz) Landessieger RLP, 2. Bundessieger
• Betriebswirtin (d.H.)
• Heilpraktikerin für Psychotherapie
• Therapeutin für integrierende Psychotherapie
• wingwave Coach (wingwave Award Gewinnerin 2016)
• PEP Fortbildung nach Dr. Bohne
• Kinder und Jugendcoach (IPE)
• Gründerin der „Ich bin Musik“ - Akademie
• „Ich bin Musik“ - Musikercoach
• „Ich bin Musik“ - Konzept Trainerin
• Registerleitung Orchester Neu-Bamberg
• Registerleitung Bläserklasse ELG Alzey

Bernhard Kösling studierte Klarinette bei Hans-Jürgen Eckmeier und Hans Deinzer in Hannover. Nach Erfolgen bei internationalen Wettbewerben, u. a. beim Premio d’Ancona und dem Deutschen Hochschulwettbewerb, entwickelte er eine vielseitige Laufbahn als Solist, Ensemble- und Orchestermusiker. Er war u. a. Mitglied der Gruppe M, Soloklarinettist des Ensemble Köln sowie des oh ton-ensembles und arbeitete mit führenden Ensembles für Neue Musik wie Ensemble Modern, Musikfabrik NRW und dem Kammerensemble Neue Musik Berlin. Seit 1995 ist er Soloklarinettist der Kammersinfonie Bremen. Ein zentraler Schwerpunkt seiner Arbeit ist seit 2000 die historische Aufführungspraxis. Als Mitglied von CLARIMONIA widmet er sich intensiv der historischen Klarinette, der Wiederentdeckung vergessener Werke sowie der Vermittlung dieser Praxis in internationalen Workshops und Meisterkursen. In diesem Zusammenhang arbeitet er eng mit Hochschulen im In- und Ausland zusammen und ist seit 2008 freier Mitarbeiter des Musikverlags Eckmeier. Darüber hinaus ist Bernhard Kösling als Arrangeur tätig und pflegt internationale Kooperationen, u. a. mit Harri Mäki und Charles Neidich. Neben seiner künstlerischen Arbeit entwickelt und vertreibt er seit vielen Jahren spezialisierte Klarinettenkoffer, seit 2017 unter der Marke be.case.

Thiemo Kraas wurde 1984 in Arnsberg (Sauerland) geboren. Bereits in früher Kindheit entwickelte er seine Liebe zur Musik. Thiemo Kraas studierte Musikpädagogik im Hauptfach Schlagzeug, sowie Musiktheorie, Tonsatz und Gehörbildung an der Hochschule für Musik in Detmold, an der er in den Jahren 2014/15 auch als Dozent für Musiktheorie tätig war. In seiner Studienzeit war Thiemo Kraas Stipendiat der Studienstiftung des Deutschen Volkes. Von 2008 bis 2015 arbeitete er als Dirigent und Musikalischer Leiter des Jugendmusikkorps Avenwedde – Stadt Gütersloh – e. V.. Im Jahr 2016 wurde er fester Mitarbeiter des Musikverlag RUNDEL, mit dem bereits seit dem Jahre 2005 eine intensive Zusammenarbeit besteht.

Ein Aspekt an seiner Arbeit, die ihm besonders am Herzen liegt, ist die Begegnung und der Austausch mit Dirigentinnen, Dirigenten und Orchestern im Rahmen seiner Arbeit als Dozent und Gastdirigent.

Ben Kraef ist ein deutsch-montenegrinischer Saxophonist und Komponist. Geboren und aufgewachsen ist Ben Kraef in Berlin. Dort studierte er an der Hochschule für Musik Hanns Eisler. 2007 ging er mit einem Stipendium des DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdienst) nach New York, um einen Masterstudiengang in Jazz Performance am City College of New York zu absolvieren. Dort studierte er u. a. bei John Patitucci und Lee Konitz. Den entsprechenden Abschluss erlangte er 2009. Kraef war drei Jahre lang Mitglied der Konzertbesetzung des Bundesjugendjazzorchesters (BuJazzO, Ltg. Peter Herbolzheimer), sowie Preisträger in verschiedenen nationalen und internationalen Wettbewerben, so z. B. Biberacher Jazzpreis (2006), Concours International de Jazz de Fribourg (2007) und Yamaha Saxophone Contest (2007). Ben Kraef arbeitete bisher bereits mit einigen namhaften Vertretern der nationalen und internationalen Jazzszene zusammen, so z. B. Lalo Schifrin, Archie Shepp, Phil Woods, John Abercrombie, Fred Hersch, Gunther Schuller, Tania Maria, Jim McNeely, Peter Herbolzheimer, David Gilmore, Jeff "Tain" Watts, James Genus, George Garzone, Herb Geller, Vincent Herring, Pee Wee Ellis, Peter Weniger, Tony Lakatos, Charles, Tolliver, Yoshiaki Masuo, WDR Big Band und mit der Bigband des Hessischen Rundfunks. Sein Debutalbum "Berlin - New York" erschien 2010 bei ACT. Es wurde in New York mit John Patitucci, Marcus Gilmore und Rainer Böhm aufgenommen. Bei Kraefs zweitem Album "Think of One" wirkten Jazzlegende Albert "Tootie" Heath und John Patitucci mit. Neben seinen künstlerischen Tätigkeiten ist Ben Kraef seit 2021 Lehrender am JIB- Jazz Institut Berlin (Universität der Künste Berlin).

Seit seinem Hornstudium in Basel und Köln, das er mit Lehr-, Orchester- und Solisten-Diplom abschloss, arbeitet Heiner Kraus als leidenschaftlicher Pädagoge. Besonders viel Spaß macht ihm die Arbeit mit Kindern und Jugendlichen. Er unterrichtet an verschiedenen Musikschulen und hat einen Lehrauftrag für Hornmethodik und Fachdidaktik an der Hochschule für Musik in Basel. Als Kursleiter und Juror ist er aktiver Förderer der Jagdhornbläserszene in der Schweiz. Als klassischer Hornist spielt er im Collegium Musicum Basel, frönt in «Kaspar Ewald's Exorbitantem Kabinett» dem Jazz und Funk und widmet sich in seiner New Orleans-Band «The Sugar Foot Stompers» als Multiinstrumentalist mit Waschbrett, Cornet, Banjo, Tuba und eigenem Gesang dem altem Jazz.

Nicole Krüger unterrichtet seit ihrem 18. Lebensjahr Klarinette. Seit 10 Jahren hat sie eine wachsende Klasse an der Musikschule Staufen mit Schülern zwischen 6 und 70 Jahren. Neben einem Studium der Schulmusik mit Schwerpunkt Dirigieren, hat sie an den Musikhochschulen Trossingen und Mainz Instrumentalpädagogik im Fach Klarinette und Orchestermusik bei Prof. Johannes Gmeinder studiert. Orchestererfahrung konnte sie bei einem Praktikum beim Göttinger Sinfonieorchester, als Mitglied der Jungen Oper Stuttgart und bei der Jungen Sinfonie Berlin sammeln. Kammermusikalische und solistische Engagements mit Klarinette und Bassklarinette führten sie im letzten Jahr bis nach China und Italien. An der BDB-Akademie ist sie als Dozentin für Klarinette und Fachdidaktik tätig.

Matic Kuder fühlte sich schon als kleines Kind zur Klarinette hingezogen. Vor allem, weil er in der Familie zwei große Vorbilder hatte: seinen Cousin und seinen Onkel. Von letzterem erhielt der gebürtige Slowene auch seinen ersten Klarinettenunterricht. Später studierte er in Ljubljana am Konservatorium für Musik und Ballett bei Dusan Sodja und an der Akademie für Musik, außerdem an der Kunstuniversität Graz bei  Gerald Pachinger sowie an der Nürnberger Hochschule für Musik bei Thomas Holzmann. Zudem erweiterte er sein Können in zahlreichen Meisterkursen, u. a.  bei Mate Bekavac, Wenzel Fuchs, Francois Benda, Paolo Beltramini und Hari Mäkki. Erste Orchestererfahrung sammelte er als Mitglied des Gustav Mahler Jugendorchesters. Die positiven Erlebnisse in diesem Klangkörper trugen maßgeblich dazu bei, dass Matic Kuder sich für den Beruf des Orchestermusikers entschied. Der Preisträger mehrerer internationaler Wettbewerbe begann seine Laufbahn 2017 als Soloklarinettist bei den Nürnbergern Symphoniker und wechselte vier Jahre später zu den Berliner Philharmonikern. Zu seinen ersten Aufgaben gehörte die Es-Klarinetten-Partie in Strawinskys Sacre du printemps, ein Stück, das er 2012 bei den Berliner Philharmonikern in einer Probe mit Sir Simon Rattle erlebt hatte und seither von dem Klang des Orchesters fasziniert ist.

Andrea Küttel kam dank ihrer Eltern früh mit den heimischen Klängen in Berührung. Ob in der Kindertrachtentanzgruppe, zu Hause mit ihrer Mutter oder bei Familienfesten – Andrea hat schon von klein auf gejodelt. Sie absolvierte an der Hochschule Luzern ein Jodel-/Jazz-Studium bei Nadja Räss und schloss ein Masterstudium in Musikpädagogik an. In dieser Zeit setzte sie sich vorwiegend mit dem Unterrichten des Gesangs auseinander. Als Ergänzung absolvierte sie, ebenfalls an der HSLU, einen „Minor“ im Klassenmusizieren und Ensembleleitung. Seit Januar 2022 unterrichtet sie bei „jodel.ch“ in Einsiedeln, der Jodelschule von Nadja Räss. Darüber hinaus leitet sie diverse Workshops beim Bündner Jodelverband oder dem Nordostschweizerischen Jodelverband, bei Probewochenenden von Jodelchören, bei privaten Veranstaltungen und Firmenevents.

Hany Küttel ist Jodellehrerin, Chorleiterin und Atem-Tonus-Ton Lehrerin

Der französisch-schweizerische Klarinettist wurde 1981 in Lyon geboren, wo er seinen ersten Klarinettenunterricht erhielt. Nach Besuch des Unterrichts von Jean-François Verdier in Paris und François Sauzeau in Lyon setzte er sein Studium in Deutschland bei dem Klarinettisten und Komponisten Prof. Jörg Widmann an der Hochschule für Musik Freiburg fort, wo er 2010 sein Abschlussdiplom ablegte. Weitere Impulse bekam er u.a. von Stefan Schneider, Laura Ruiz Ferres, Karl Leister, Dieter Klöcker und Thomas Friedli. Als geschätzter Kammermusikpartner nahm er an verschiedenen Konzertreihen (Lutoslawski Music Festival in Warschau, Niedersächsische Musiktage, Albert-Konzerte) und an mehreren Mitschnitten der ARD, SWR, HR und des Polnischen Rundfunks teil. Er hilft regelmäßig in zahlreichen Orchestern und Ensembles aus, wie bei dem SWR Orchester Freiburg Baden-Baden, dem Philharmonischen Orchester Freiburg, dem Münchner Kammerorchester, den Münchner Symphonikern, dem Orchestre Pasdeloup in Paris, dem Marokko Symphony Orchestra. Solistische Tätigkeiten übte er mit dem Orchestre de Chambre de la Gironde, der Jungen Kammerphilharmonie Freiburg, und dem Ford Sinfonieorchester in der Kölner Philharmonie mit Werken von Mozart, Weber, Bruch und Adams aus. Julien Laffaire wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnet. Der DAAD-Preis der Hochschule für Musik Freiburg (2006) wurde ihm für seine hervorragenden Leistungen und für sein gesellschaftlich-interkulturelles Engagement verliehen. Im Jahr 2007 gewann er den Carl-Seemann-Preis im Fach Klarinette an der Hochschule für Musik Freiburg sowie den 13. internationalen Louis-Spohr-Wettbewerb in Kassel. 2010 wird er von der Commerzbank-Stiftung mit dem Gustav-Scheck-Preis ausgezeichnet. Julien Laffaire ist Mitglied des Cyprian Ensemble (bestehend aus Musikern des SWR Orchester Freiburg und des Philharmonischen Orchester Freiburg) und des Piazzolla Wind Ensembles. Sämtliche Mitschnitte erfolgen bei der SWR, ARD, HR, Polnischer Rundfunk und aufgezeichnete Aufnahmen für Kammeropern- und Kammermusikwerke bei den Labels CPO, Naxos und Bastille. Nach dem Erwerb eines Masters in Musikpädagogik übt er seine Tätigkeit als Pädagoge als Dozent beim Bund Deutscher Blasmusikverbände in Staufen, an der Städtischen Musikschule Lahr und an der Jugendmusikschule Südlicher Breisgau aus. Er führt innovative Projekte mit Kindern und Erwachsenen durch und ist regelmäßig Mitglied von Jurys des Wettbewerbs Jugend Musiziert. Seit 2016 ist er Lehrbeauftragter für Methodik an der Hochschule für Musik Freiburg.

Peter Laib wurde 1984 in Ulm (Baden-Württemberg) geboren. Im Alter von 9 erhielt er zunächst Trompetenunterricht im örtlichen Musikverein Schnürpflingen und wechselte dann mit 13 Jahren zur Tuba. Ersten Tuba-Unterricht erhielt er von Eberhard Budziat und Erwin Rummel in Ulm. 2008 gewann er einen Bundespreis bei Jugend Musiziert in der Kategorie Blechbläserquintett. Nach seiner Berufsausbildung zum IT-Systemelektroniker studierte er von 2008 bis 2012 Basstuba bei Prof. Josef Steinböck und Thomas Walsh an der Hochschule für Musik und Theater München. 2012-2013 besuchte er den Unterricht bei Prof. Stefan Heimann und Stefan Ambrosius an der Musik­hoch­schule Stuttgart als Gaststudent. Außerdem bildete er sich durch Meisterkurse und Privatunterricht von Tubisten wie z.B. Anne Jelle Visser und Sergio Carolino weiter. Orchestererfahrungen als Aushilfe sammelte er u.a. im Radiosinfonieorchester Stuttgart des SWR, Münchner Rundfunkorchester, an der Bayerischen Staatsoper (Bühnenmusik), bei den Münchner Sympho­ni­kern, Nürnberger Symphonikern, Württembergische Philharmonie Reutlingen, am Staats­theater München am Gärtner­platz, am Regensburger Theater, Augsburger Theater, Ulmer Theater und bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen. Als Tubist war er 2009 bei den Nibelungenfestspielen in Worms und 2011-2013 in den Münchner Kammerspielen tätig. Im Jahr 2010 war er Mitglied im Bundes­jazz­orchester und trat von 2009-2016 regelmäßig als Stipendiat bei Yehudi Menuhins „Live Music Now“ auf. Seit 2009 ist Peter Laib Sousaphonist und Gründungsmitglied der Münchner HipHop-Brassband MOOP MAMA. Er gehört seit 2010 als festes Mitglied dem Blasorchester Ernst Hutter & die Egerländer Musikanten – Das Original an. Außerdem musiziert er mit der Kleinen Besetzung der Egerländer, dem Alphornensemble Berthold Schick und seine Alphornbläser, den Obermüller Musikanten u.v.m

Geboren 1980 in Hamburg (Deutschland), entdeckte Boris schon sehr früh seine tiefe Leidenschaft für die Musik. Er begann seine musikalische Ausbildung im Alter von 6 Jahren mit Klavierunterricht und nahm später Unterricht in Komposition und Ensemblespiel. Seitdem hat Boris nie aufgehört zu spielen, zu schreiben und Musik zu lernen. Im Jahr 2007 zog Boris nach Freiburg, wo er mit vielen Bands spielte und sich ein Studio einrichtete. In Freiburg lernte er auch Tino Gonzales kennen, der ihm bei der Produktion seines ersten Albums half und ihn als Sideman für viele Gigs engagierte. Boris ist nicht nur ein engagierter Musiker, sondern promovierte auch über mobile Robotik und künstliche Intelligenz und arbeitet als Datenwissenschaftler und Berater für maschinelles Lernen mit seinem Startup-Unternehmen Learning Machines. Boris Lau ist der „Erfinder“ der von ihm so genannten „Lauschelieder“. Er hat sich mit Jazzsängerin Maggie Horrer, Drummer Jojo Schwarz, Geiger Manuel Druminski, Flötistin Veronica Reiff und dem Tanzmaus-Chor zusammengetan, um die fröhlich-freche Musik mit Spaß und Können für ein großes Publikum aufzunehmen.

Christian Lampert erhielt seine musikalische Ausbildung im Fach Horn bei Francesco Raselli in Basel, Mahir Cakar in Stuttgart und Prof. Erich Penzel in Köln. Bereits in jungen Jahren wurde er Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und Preisträger verschiedener nationaler und internationaler Wettbewerbe; darunter der Deutsche Musikwettbewerb in Bonn und der Internationale Instrumentalwettbewerb Markneukirchen, zu dessen Präsidenten er im Jahr 2018 ernannt worden ist. Er war Solohornist des Frankfurter Opern- und Museumsorchesters, des Radio-Sinfonie-Orchesters Frankfurt und des Orchesters der Bayreuther Festspiele. Neben seinen solistischen Tätigkeiten widmet sich Christian Lampert besonders der Kammermusik und wirkte in verschiedenen namenhaften Ensembles mit, darunter German Hornsound, City-Brass Stuttgart, HR-Brass, German Brass, Linos-Ensemble, Ensemble Villa Musica, Consortium Classicum und das Avalon-Bläserquintett. Christian Lampert begann seine pädagogische Karriere im Jahr 1996 mit einem Lehrauftrag an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Frankfurt. 2001 wechselte er an die Hochschule für Musik Basel und wurde 2004 zusätzlich als Professor an die Hochschule für Musik und darstellende Kunst Stuttgart berufen. Im Jahr 2022 übernahm Christian Lampert die Hornklasse der Hochschule der Künste Bern und verlegte seine Unterrichtstätigkeit somit komplett in die Schweiz an die Hochschulen in Basel und Bern.

Charlotte Lang (*1996), geboren in Basel, ist eine schweizerisch-niederländische Alt- und Baritonsaxophonistin, Multiinstrumentalistin, Komponistin und Improvisatorin. Sie ist in der jungen europäischen Jazzszene sowohl als Solistin als auch in großformatigen Ensembles aktiv. Ihren Bachelor of Arts und Master in Musikpädagogik absolvierte sie am JAZZCAMPUS, der Hochschule für Musik in Basel, wo sie unter anderem von Domenic Landolf, Dani Blanc und Günter Wehinger ausgebildet wurde. 2023 schloss sie ihr Masterstudium in Performance am Berklee College of Music in Boston ab – unter der künstlerischen Leitung von Danilo Pérez. Dort arbeitete sie mit Musikerpersönlichkeiten wie John Patitucci, George Garzone, Godwin Louis und Frank Tiberi. Sie war zudem Teil des „Institute of Jazz and Gender Justice“ unter der Leitung von Terri Lyne Carrington. Charlotte Lang war von 2020 bis 2022 Mitglied im Bundesjazzorchester (BuJazzO) und ist seit 2023 festes Mitglied des Swiss Jazz Orchestra sowie im Basel Jazz Orchestra. Darüber hinaus gastierte sie in international renommierten Big Bands wie dem UMO Jazz Orchestra (Helsinki), dem Zürich Jazz Orchestra sowie in der SWR Bigband. Neben ihrer Tätigkeit als Sidewoman (u.a. mit MISS C-LINE, Belinda Bones, deb., Klapparat und weiteren) tritt sie seit 2024 mit ihrer eigenen Formation, der Charlotte Lang Group (CLG), auf. Das Quintett interpretiert Charlottes Eigenkompositionen, die im Modern Jazz verwurzelt sind und Raum für improvisatorische Offenheit lassen. Ihr Debütalbum “The Journey” erschien am 25. Oktober 2024 bei Unit Records in der neu gegründeten Alpha Edition. 2023 wurde sie als eine von fünf Musikerinnen für das US-Programm Sisters in Jazz ausgewählt, und 2020 war sie Gewinnerin des Schweizer SOFIA-Projekts (Support of Female Improvising Artists) unter der Leitung von Nicole Johänntgen. Ihr musikalischer Fokus liegt auf einer klanglich vielseitigen, weltoffenen Jazzsprache, die sowohl in kompositorischer Tiefe als auch in improvisatorischer Spontaneität verwurzelt ist.

Sebastian Lampert wurde 2001 in Frankfurt am Main geboren und erhielt seine erste musikalische Ausbildung bereits im Alter von fünf Jahren im Kinderchor des hessischen Rundfunks und später bei den Limburger Domsingknaben, wo er neben den wöchentlichen Chorproben auch Unterricht in den Fächern Stimmbildung, Musiktheorie, Gehörbildung und Klavierunterricht erhielt. Seine kirchenmusikalische Ausbildung ergänzte er durch den Erwerb des Kantorenscheins im Jahr 2015 und des D-Chorleiterscheins 2017. Im Alter von 15 Jahren erhielt er zudem ersten Hornunterricht bei Thomas Bernstein vom Frankfurter Opern- und Museumsorchester sowie gelegentlich bei seinem Vater Prof. Christian Lampert. Im Jahr 2019 begann Sebastian sein Horn-Studium an der Hochschule für Musik und Theater München in der Hornklasse von Prof. Johannes Hinterholzer, Prof. Carsten Duffin und Hasko Kröger, wo er sein Bachelorstudium im Juni 2024 erfolgreich abschloss. Das Studienjahr 2023/2024 verbrachte Sebastian im Rahmen eines Erasmus Austauschs an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz in der Klasse von Prof. Raimund Zell und Christian Pöttinger, wo er sein Studium nun auch nach der Vollendung des Bachelors fortsetzen wird. Orchestererfahrung sammelte Sebastian unter anderem als Solohornist des Schleswig Holstein Festival Orchesters 2023, im Verbier Festival Orchester 2024 sowie aushilfsweise in verschiedenen professionellen Orchestern wie Luxembourg Philharmonic, den Münchner Symphonikern, dem Sinfonieorchester des bayerischen Rundfunks (Bühnenmusik), und dem Philharmonischen Orchester Regensburg und durfte dabei unter zahlreichen namhaften Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Daniel Harding, Klaus Mäkela, Sir Antonio Pappano oder Christoph Eschenbach spielen. Während der Spielzeit 2024/2025 spielt er im Zeitvertrag als Wechselhornist (2.3. Horn) im Tiroler Sinfonieorchester Innsbruck. In den Jahren 2018 und 2019 war Sebastian Bundespreisträger des Wettbewerbs Jugend Musiziert, beim „1.International City Brass Competition Stuttgart“ im Rahmen des Kesselblech Festivals im Jahr 2022 wurde er mit dem Sonderpreis für die beste Interpretation eines zeitgenössischen Werkes ausgezeichnet. Seit seinem 16. Lebensjahr unterrichtet er regelmäßig Kinder und Erwachsene verschiedener Altersgruppen in Frankfurt am Main und München, seit März 2024 zudem als Karenzvertretung Horn im Oberösterreichischen Landesmusikschulwerk.

Marc Lange studierte an der Hochschule Heidelberg mit Hauptfach Musik und an der Musikhochschule Basel bei Prof. Felix Hauswirth das Kapellmeisterstudium und schloss im Fach Dirigieren mit Auszeichnung ab.

Er nimmt regelmäßig an nationalen und internationalen Festivals, Symposien und Bläserkongressen teil. Er ist aktuell als Gastdirigent und Dozent bei Orchestern und im Rahmen von Dirigierkursen tätig. Seit 2006 lehrt er als Dozent an der BDB-Musikakademie in Staufen im Fach Dirigieren.

Seit 1995 leitet Marc Lange musikalisch verschiedene Orchester im süddeutschen Raum. Im Jahr 2003 rief er die mittlerweile renommierte Bläserphilharmonie Heilbronn ins Leben und ist seit dieser Zeit ihr künstlerischer Leiter. Seit April 2012 hat Marc Lange als Stadtmusikdirektor der Stadt Kirchheim unter Teck die künstlerische Gesamtleitung der städtischen Stadtkapelle inne.

Er arbeitete bisher mit namhaften Solisten wie u.a. Nils Landgren, Frank Dupree, Martin Andreas Hofmeir, Anton Hollich und Clair Obscur zusammen. Internationale Gastdirigate führen ihn unter anderem nach England, Malaysia, Singapur, Spanien und Estland.

Jörg Lanzinger ist Musiker und Diplommusiklehrer. Er hat am Richard-Strauss-Konservatorium München Volksmusik, Hackbrett, Zither und Kontrabass studiert. Seit mehr als 25 Jahren ist er als freiberuflicher Lehrer in seiner nordschwäbischen Heimat tätig und gibt Seminare in Deutschland, Österreich, Italien und der Schweiz. Mit seinen Ensembles ist er regelmäßig im Radio oder Fernsehen vertreten und natürlich auch live zu hören. Seit Frühjahr 2025 ist er Landesmusikleiter beim Deutschen Zithermusik-Bund, Landesverband Baden-Württemberg e.V.

Jakob Leiner hat seit Juni 2022 am Freiburger Institut für Musikermedizin (FIM) die mit Förderung des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg neu eingerichtete Arztstelle an der Medizinischen Fakultät der Universität Freiburg übernommen. Seine Hauptaufgabe besteht in der Entwicklung einer zertifizierten Weiterbildung für Ärztinnen und Ärzte im Bereich der Musikermedizin. Jakob Leiner studierte Humanmedizin in Homburg/Saar, Valencia, Freiburg/Breisgau und Basel. Seit 2020 befindet er sich in der Facharztweiterbildung für Psychosomatische Medizin und Psychotherapie und promoviert am FIM über Atmungsvorgänge beim Blasinstrumentenspiel. Er war Jungstudent an der Hochschule für Musik in Karlsruhe sowie Mitglied im Bundesjugendorchester mit den Instrumenten Horn und Klavier. Zudem ist er schriftstellerisch aktiv mit zahlreichen belletristischen Veröffentlichungen in Zeitschriften sowie in Buchform.  

Die Musik nahm schon früh einen wichtigen Platz im Leben von Marie Leinpinsel ein. Marie gewann 2015 beim Bundeswettbewerb Jugend musiziert einen 3. Preis in der Kategorie „Querflöte solo“. 2017 (Querflöte Duo in der Kategorie 2 bis 5 Spieler) und 2018 (Querflöte solo) schaffte sie es bis in den Landeswettbewerb. 2021 gewann sie den Kemp-Preis der Universität Osnabrück. Beim Studyup Award 2022 der Hochschule Osnabrück kam sie bis ins Finale.

Sie studierte Musikerziehung (Klassik Querflöte) im Bachelor of Arts am Institut für Musik der Hochschule Osnabrück bei Ralph Töpsch, Musikwissenschaft/Germanistik im 2-Fächer-Bachelor und den Master of Arts – Musikwissenschaft an der Universität Osnabrück.

Seit 2019 wurden schon einige ihrer Werke im Rahmen von mehreren Konzerten uraufgeführt. Außerdem sind mehrere Werke bereits verlegt, wie beispielsweise „Miyazawa Flutes“ (Edition Kossack).

Die aus den USA stammende Flötistin zählt zu den renommiertesten Instrumentalistinnen und Pädagoginnen ihres Instruments. Sie studierte zunächst an der University of Cincinnati Flöte bei Jack Wellbaum und Kammermusik bei Peter Kamnitzer, bevor sie ihr Studium bei Aurèle Nicolet an der Musikhochschule Freiburg/Breisgau fortsetzte. Als Solistin und Kammermusikerin tritt sie regelmäßig bei Festivals in Europa, Asien, USA und Südamerika auf (u.a. Schleswig-Holstein Musik Festival, International Musik Festival Phnom-Penn, Archipel Festival Genf, Biennale di Venezia, Warschauer Herbst, Musica Viva München, und Wien Modern). Bei Ensemble- und Orchesterwerken hat Carin Levine mit Dirigenten wie Peter Eötvös, Johannes Kalitzke, Christoph Poppen und Lothar Zagrosek zusammengearbeit. Zahlreiche Rundfunk- und Fernsehaufnahmen sowie über 40 CDs dokumentieren ihre musikalische Arbeit.

Carin Levine hat bisher über 1000 Werke ur- und erstaufgeführt. Ihre Suche nach neuen Entwicklungen in der Musik führte zu einer engen Zusammenarbeit mit Komponisten wie Violeta Dinescu, Brian Ferneyhough, Keiko Harada, Toshio Hosokawa, Liza Lim, Alvin Lucier, Younghi Pagh-Paan und Giacinto Scelsi, die ihr zahlreiche Stücke gewidmet haben. Besonders viel Wert legt die Flötistin auf die Kooperation mit jungen KomponistInnen. Auch hier entstanden neue Werke.

Unterrichtstätigkeit und Meisterkurse führten sie zu den Darmstädter Ferienkursen, an die Musikakademie Rheinsberg, die Landesmusikakademie Niedersachsen, und an die Musikhochschulen weltweit. Sie ist Herausgeberin der Reihe „Zeitgenössische Musik für Flöte“ beim Bärenreiter Verlag, bei dem auch ihre beiden Bücher „The Techniques of Flute Playing Vol.1 and Vol.2“ erschienen sind. Sie ist künstlerische Leiterin des Landesjugendensembles Neue Musik Niedersachsen.

Carin Levine wurde mit zahlreichen Preisen geehrt, u.a. mit dem Kranichsteiner Musikpreis für die Interpretation zeitgenössischer Musik. 2019 zeichnet sie der Deutschen Komponistenverband mit der FEM-Nadel für ihre Lebenswerk aus. 2022 würde sie in das Kuratorium des Musikfonds e.V. berufen. Sie ist Mitglied der Europäischen Akademie der Wissenschaft und Künste.

Die Musik als Sprache und als Kommunikationsmittel, das Grenzen sprengen kann und den kulturellen Austausch zwischen Welten fördert, fasziniert Mirjam Lötscher seit jeher und motiviert sie gleichzeitig sich intensiv mit der Musik und der Flöte auseinanderzusetzen. Mirjam Lötscher studierte an der Musikhochschule Luzern und vertiefte anschließend ihre Studien in Paris, München und Berlin. Heute spielt sie in Orchestern wie dem BBC National Orchestra of Wales, dem Sinfonieorchester St. Gallen, dem Luzerner Sinfonieorchester, der Oper Zürich u.a. An verschiedenen Wettbewerben erhielt sie Preise und Anerkennungen, unter anderem an der Piccolo Artist Competition 2012 in Las Vegas. Mirjam Lötscher beschäftigt sich eingehend mit zeitgenössischer Musik. Sie spielte in der Lucerne Festival Academy, am Musikfestival Bern, an der Biennale Bern und am Culturescapes Festival. In diesem Zusammenhang arbeitete sie mit den Dirigenten und Komponisten Beat Furrer, Peter Eötvös, Christian Henking, Tsung Yeh u.a. Die Zusammenarbeit mit jungen Komponisten ihrer Generation, sowie CD-Einspielungen und Rundfunkaufnahmen komplettieren ihr zeitgenössisches Schaffen. 2024 erschien ihr Buch „Die virtuose Zone – Arbeitsbuch für höchste musikalische Performance“.  

Thomas Lubitz kam 1991 als erster Europäer zu Yamaha, nachdem er in Baden-Württemberg eine Schule mit Schwerpunkt Materialkunde besucht. Anschließend machte er eine Ausbildung zum Metallblasinstrumentenmacher und arbeitet später beim deutschen Instrumentenbauer Ganter in München, wo er auch den Meister machte. Heute arbeitet Lubitz im Yamaha Atelier in Hamburg und entwirft zusammen mit Eddie Veith Spezialinstrumente und Sonderanfertigungen für namhafte KünstlerInnen.

Hye Rim Ma wurde in Busan, Südkorea, geboren und begann im Alter von vier Jahren mit dem Klavierunterricht und mit acht Jahren zusätzlich Geigenunterricht. Sie absolvierte ihren Bachelor an der Yonsei Universität in Korea mit Auszeichnung und setzte ihr Studium dann in Deutschland an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim fort, wo sie bei Prof. Michael Hauber ihr Diplom, Konzertexamen und Kammermusikstudium mit Bestnoten abschloss. Während ihres Studiums nahm sie an mehreren Meisterkursen bei renommierten Professoren teil und erhielt mehrere Auszeichnungen bei nationalen und internationalen Wettbewerben sowie Stipendien, darunter von der Yonsei Universität in Korea und das Deutschlandstipendium. Als Solistin trat sie mit verschiedenen Orchestern wie dem Kurpfälzischen Kammerorchester, der Baden-Badener Philharmonie sowie der Südwestdeutschen Philharmonie Konstanz auf. Sie ist eine leidenschaftliche Kammermusikerin und Korrepetitorin, außerdem auch als Organistin tätig und arbeitet seit 2018 als Korrepetitorin bei der Bläserklasse an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim sowie als Dozentin an der Internationalen Sommerakademie Schloss Heiligenberg.

Prof. Dieter Mack verfügt über ein enormes Spektrum an kulturellen und musikalischen Erfahrungen. Er unterrichtete in Deutschland an der Musikhochschule Freiburg und zuletzt als Professor für Komposition an der Musikhochschule Lübeck. Studienaufhalte in Indien, Japan und Indonesien - vor allem auf Bali - und Gastlehraufträg in den USA, Kanada und Neuseeland zeugen von seinem außergewöhnlich weiten Horizont. In Macks Verständnis ist Musik mehr als nur Klang, sie kann ihre volle Kraft erst durch die Aufführung entfalten, in der die Musiker sowohl in direktem Kontakt zueinander als auch zum Publikum stehen.

Laurance Mahady ist in der Nähe von New Orleans, U.S.A. aufgewachsen. Nach ihren musikalischen Anfängen mit Geige und Chor hat sie mit 11 Jahren im Horn ihre wahre Liebe gefunden. Sie studierte in Boston am New England Conservatory of Music und,nach einigen Jahren als reisener Musical-Orchestermusikerin, an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellender Kunst in Mannheim mit Prof. Peter Arnold. Nach einem längeren Zeitvertrag mit dem SWR Rundfunkorchester fand Sie Ihre zweite Heimat in Mannheim. Sehr gefragt als Hornistin im Kammermusikbereich, sowohl als Solistin, als auch als Orchestermitglied und Hornensemble-Coach, unterrichtet sie seit 2001 an der Städtischen Musikschule in Mannheim.

Sibylle Mahni wurde in Schweden geboren und wuchs ab dem 7. Lebensjahr in Braunschweig auf. Ihren musikalischen Werdegang begann sie im Alter von 4 Jahren mit dem Klavier, welches sie sehr intensiv bis zum 15. Lebensjahr begleitete, unter anderem mit Prof. Karl-Heinz Kämmerling. Mit dem Klavier und der Trompete, wie auch wenige Jahre später mit dem Horn, erreichte sie schon früh die ersten Auszeichnungen bei Wettbewerben. Diverse Jugendorchester, das Projekt „ Villa Musica“ und auch ein Stipendium der „Studienstiftung des Deutschen Volkes“ waren Stationen während ihres Hochschulstudiums bei Professorin Marie-Luise Neunecker an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt/Main. Hierzu bildete das Konzertexamen im Jahre 2002 den Abschluss. Von 1997 bis 2016 war sie Solo-Hornistin im Frankfurter Opern- und Museumsorchester. Schon während dieser Zeit entwickelte sich ein großes Interesse am Lehren und Vermitteln: so hatte Sibylle Mahni von 2007-2013 eine halbe Professur an der Hochschule für Musik der Johannes Gutenberg-Universität Mainz inne und von 2012 - 2017 dieselbe Position an der Hochschule für Musik Saar in Saarbrücken. Von 2017 bis 2020 arbeitete sie dann als hauptamtliche Professorin für Horn an der Hochschule für Musik Würzburg, von wo aus sie zum Wintersemester 2020/21 die Nachfolge ihrer Lehrerin Prof. Marie-Luise Neunecker an der Hochschule für Musik Berlin „Hanns Eisler“ antritt. Preise bei Internationalen Wettbewerben erhielt sie beim Internationalen Hornwettbewerb  in Leeuwarden/ Holland, beim „Peter Damm Wettbewerb“ in Iserlohn/ Deutschland und beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München. Seither spielte sie als Solistin  mit einer Vielzahl bedeutender Orchester, darunter das SWR-Sinfonieorchester Stuttgart, die Münchener Sinfoniker, die Internationale Bach Akademie Stuttgart, das Württembergische Kammerorchester und die Britten Sinfonia. Dabei arbeitete sie mit Dirigenten wie Oleg Caetani, Toshiyuki Kamioka und Hellmuth Rilling zusammen und ist auch international als Solistin gefragt. So gastierte sie z.B. in Ländern wie Schweden, Schweiz, Holland, Kroatien, China und den USA.  

Andreas Maile studierte in Köln Jazz-Saxophon bei Wolfgang Engstfeld und ist Jazzpreisträger von Baden-Württemberg. Andi spielte in zahlreichen namenhaften Bands, darunter Charly Antolinis Jazz Power, der WDR Big Band, und "Rhythm Combination & Brass". Auch mit Solisten wie Don Menza, Cláudio Roditi und Bobby Shew stand er regelmäßig auf der Bühne. Seit 1992 ist Andi Maile Teil der SWR Big Band und hat damit bereits sein 30. Jubiläum.