Komponistinnen & Komponisten in der BDB-Musikakademie

Überraschende, über Epochen und Musikgenres hinwegwirkende Verbindungen zwischen nur scheinbar unvereinbaren Komponistinnen und Komponisten, Popstars und Jazz-Ikonen aufdecken: Das ist eines der Ziele der Komponisten-Wand im Foyer der Musikakademie. Warum die weltberühmten Songs von ABBA nicht ohne die revolutionären musikalischen Werke von Claudio Monteverdi, dem Ur-Vater der Oper, vorstellbar sind, erklärt Edda Güntert in zwei weiteren Beiträgen zur Reihe „Komponistinnen und Komponisten in der BDB-Musikakademie“.

Claudio Monteverdi (1567–1643) Hohelied der Schöpfung

Sein „Orfeo“ begründet die Geschichte der Oper: Monteverdis Musik ist die eines neugierigen, experimentierfreudigen Künstlers, sie durchwandert die Bedeutungstiefen dichterischer Texte und lässt in Wort und Ton Menschen lebendig werden. Leidenschaft kennt keine Regeln – seine „regellosen“ Vertonungen feiern geistige und körperliche Schönheit und eröffnen aufregende Klang- und Ausdruckswelten, die weit über seine Zeit hinausweisen und nicht nur im „walking bass“ des Jazz ihre Spuren hinterlassen …

In einem der schönsten ABBA-Songs, „Thank you for the music“, singt Agnetha: „Who found out, that nothing can capture a heart/Like a melody can? Well, whoever it was, I’m a fan.“ Die Musik selbst hat Claudio Monteverdi natürlich nicht erfunden – obwohl man es, lauscht man seinen Klängen, gerne glauben möchte. Genau genommen hat er auch die Oper nicht erfunden, wie es immer wieder zu lesen ist. Sein Name ist dennoch zu Recht mit der Entstehung der Oper und der Emanzipation der Melodie fest verbunden: Monteverdis „Orfeo“ (1607) verdichtet und übertrifft die sprachlich-musikalischen Ideen der eigentlichen Opern-Erfinder Jacopo Peri und Giulio Caccini, die im intellektuellen Club der „Florentiner Camerata“ den Sologesang der antiken Tragödie (oder was sie eben dafür hielten) wiederbeleben wollten, in überragender Weise. Seine musikalische Gestaltung der Geschichte um den mythischen Sänger, der mit seinem Gesang Menschenherzen bewegt, wilde Tiere zähmt und selbst die Unterwelt bezwingt, gilt als Gründungsurkunde des modernen Musiktheaters. „Fans“ von Monteverdi müssten die vier von ABBA allein wegen seiner betörend schönen Melodien sein: Der 1567 in Cremona geborene, am fürstlichen Hof der Gonzaga in Mantua wirkende Monteverdi teilte Bennys und Björns Überzeugung, dass es vor allem die Kraft der Melodie ist, die das Herz bewegt und das Menschliche in all seinen Facetten zum Ausdruck bringen kann. Würde Monteverdi heute leben, wäre er wohl einer der gefragtesten Film- und Werbemusik-Komponisten: Die majestätisch auftrumpfende Fanfare, die er als Auftrittsmusik für seine adligen Dienstherren geschrieben hat und die auch den „Orfeo“ und die sakrale „Marienvesper“ eröffnet, hat nach fast 400 Jahren nichts von ihrer packenden Kraft verloren. Damit ist diese Fanfare eines der ersten erfolgreichen Jingles der Musikgeschichte!

Das Menschliche in der Kunst – in einer Zeit des Umbruchs

Das Menschliche in der Kunst interessierte den vielbeschäftigten Hof- und Kirchenmusiker Monteverdi ganz besonders. Zu seiner Zeit musste dieses Thema jedoch erst einmal als „kunstwürdig“ überhaupt in den Fokus rücken. Kunst und Musik hatten vor allem um Gott und seine Schöpfung zu kreisen. In der Perfektion mehrstimmiger Satzkunst (etwa in der Motette, der vokalen Hauptgattung der Zeit) und in strengen Kompositionsregeln spiegelte sich die Ordnung der göttlichen Schöpfung („Du aber hast alles nach Maß, Zahl und Gewicht geordnet.“ Weisheit 11,20). Das menschliche Herz jedoch kennt weder Maß noch Regeln: Liebe, Schicksal und Tod können alles noch so Wohlgeordnete zum Einsturz bringen, zugleich aber auch etwas Neues hervorbringen – genau davon war Monteverdi fasziniert. In seiner Offenheit gegenüber neuen Ideen war er ganz Kind der Umbruchszeit zwischen Renaissance und Barock: Mit der Landung Kolumbus’ in Amerika 1492, der kopernikanischen Wende und den revolutionären Erkenntnissen Johannes Keplers und Galileo Galileis (dessen Vater Vincenzo – Lautenist, Musiktheoretiker und Mitglied der „Florentiner Camerata“ – Monteverdi übrigens gut kannte) brach die Neuzeit an. In der Kunst brachte sie revolutionäre Geister wie Gian Lorenzo Bernini oder Caravaggio hervor, die wie Monteverdi die Spannung zwischen Irdischem und Göttlichem künstlerisch gestalteten.

Im Laboratorium der Musik – Integration von Tradition und Moderne

Der neugierige Hobby-Alchimist Monteverdi, der mit allerlei hochentzündlichen Stoffen hantierte, begann auch im Laboratorium der Klänge zu experimentieren. Der „musikalische Dr. Faust“ lässt es ordentlich krachen: Vor allem in seinen Madrigalen – eine Gattung, die gegenüber der Motette schon früher mehr schöpferische Freiheiten zuließ und um das Thema Liebe kreist – lässt Monteverdi z. B. Dissonanzen frei eintreten: Sie werden nicht stimmführungstechnisch regelkonform vorbereitet, sondern treten direkt und schneidend in den Satz ein, was für die damaligen Hörer ein ungeheures Hörerlebnis gewesen sein dürfte. Dabei lässt er sich von Texten berühmter Dichter wie Torquato Tasso und Francesco Petrarca inspirieren, in denen das Leiden an unerfüllter Liebe in scharf kontrastierenden Bildern und sog. Oxymora („traurigfroh“, „bittersüß“) erscheint: Die Dichtung steht im Mittelpunkt, die Musik gestaltet und intensiviert die Affekte (Leidenschaften), die die Worte auslösen. In unsanglichen – deshalb auch unerlaubten – Intervallsprüngen lässt Monteverdi die Menschen jauchzen und aufschreien. Quälend chromatische Aufwärts- oder Abwärtslinien (der berühmte sog. „passus duriusculus“, der „etwas schwere Gang“, der noch bei Bach und weit darüber hinaus als Zeichen für Leiden wirkt) versinnlichen die Qualen der Liebe. In Generalpausen stockt der Atem oder wird gar der Tod selbst spürbar. Inspiriert von der dichterischen Sprache gewinnt die Musik selbst eine Ausdruckskraft, die verstehen lässt, warum Monteverdis Zuhörer (vor allem die weiblichen) bei seiner Musik weinten, wie er selbst nicht ohne Stolz in einem Brief vermerkte. Soviel „modernes Zeugs“ rief aber auch Gegner auf den Plan, so etwa den strengen Musikgelehrten Giovanni Artusi, der diese Musik als einzigen Angriff auf geltende Autoritäten sah. Dabei hatte Monteverdi selbst gar nicht vor, den „alten Stil“ (stile antico) über den Haufen zu werfen – im Gegenteil. Der „prima pratica“ der alten Meister wollte er seine, wie er es nannte, „seconda pratica“ an die Seite stellen, also eine moderne Musik, die den modernen Menschen und seine Gefühlswelt, ausgedrückt in den hervorragendsten Dichtungen der Zeit, angemessen zu gestalten weiß. Dass er sich selbst durchaus als Meister in beiden Disziplinen verstand, beweist seine „Bewerbungsmappe“ um ein musikalisches Amt in Rom: Papst Paul V. widmete er zum einen seine a cappella-Messe „In illo tempore“, die ihrer satztechnischen Vollendung und ätherischen Transparenz an Palestrina erinnert. Mit der einzigartigen „Marienvesper“ hingegen befand sich zudem ein Werk im Paket, das direkt aus Monteverdis „Labor“ hervorgegangen zu sein schien: In einer heute noch Staunen machenden intensiven Kraft setzt die Musik alle zur Verfügung stehenden Klang- und Ausdrucksmittel ein, um die Schöpfung in ihrer ganzen Herrlichkeit zu feiern. Vollstimmig chorische Hymnen auf die Gottesmutter vereinen sich mit intimeren, die erotischen Gesänge des salomonisches „Hoheliedes“ klangsinnlich nachzeichnenden „Concerti“: Soli und Duette mit instrumentaler Begleitung machen in liedhaften Melodien die Einheit von Geist und Körper, Andacht und Extase unmittelbar erfahrbar. „Hot stuff“, der im päpstlichen Rom vielleicht zu heiß war – im liberalen Venedig wiederum war der Freigeist Monteverdi gern gesehen, wo er von 1613 bis zu seinem Tod im Jahr 1643 als hochangesehener Kantor des berühmten Doms zu San Marco wirkte. In Venedig entstanden bahnbrechende letzte Werke: Seine Oper „L’incoronazione di Poppea“ (Die Krönung der Poppea, uraufgeführt 1643) ist bis heute ein echter „sex and crime“-Kassenschlager. Sie war eine der ersten Opern, die an einem öffentlich bürgerlichen, nicht adeligen Haus gespielt wurden – ein hochinnovatives, für die Entwicklung der Oper wegweisendes Werk des Priesters Monteverdi (die geistlichen Weihen hatte er nach familiären Schicksalsschlägen empfangen), der noch als über 70jähriger die körperliche Liebe in unverminderter Leidenschaft musikalisch feiert.

Monteverdis Erbe – die Kraft der Musik

Einer solch gewaltigen Musik konnte schließlich auch der gestrenge Herr Artusi nicht widerstehen. Ein weiterer „Fan“ also – wie Nadia Boulanger, die als eine der ersten Spezialistinnen für Alte Musik Werke Monteverdis aufnahm und zu seiner Wiederentdeckung zu Beginn des 20. Jahrhunderts wesentlich beitrug. Auch Paul Hindemith war ein Monteverdi-Fan: Seine frühe „Orfeo“-Inszenierung (1954) wirkte auf einen jungen, im Orchester mitspielenden Cellisten namens Nikolaus Harnoncourt „wie ein Blitzschlag“ – Harnoncourt wiederum sollte einer der wichtigsten Monteverdi-Interpreten des 20. Jahrhunderts werden. Monteverdi-Fans sind auch die vielen Jazzer, die seinen „walking bass“, mit dem er Orpheus durch die Tiefen der Unterwelt und der menschlichen Psyche wandern lässt, bis heute aufgreifen. In vielen Jazz-Standards, Pop- und Rock-Songs („Hotel California“ von den Eagles) hat auch der sog. „Lamento“-Bass, eine absteigende Tonfolge im Raum einer Quarte – eine zentrale Formel für Leid und Schmerz, die über Schütz, Purcell und Bach bis in unsere Zeit musikalisch wirkt – eine tragende Rolle. Auch hierin war der „göttliche Claudio“ revolutionär: Im Verein mit der Melodiestimme, die aus dem Verband gleichberechtigter Stimmen (Polyphonie) hervortritt und sich als Solo-Stimme emanzipiert, wird der Bass zum Fundament eines nicht mehr linearen, sondern vertikal akkordischen Denkens („basso continuo“) in der Begleitung. Noch in Jean-Philippe Rameaus „basse fondamentale“ klingt das Schaffen Monteverdis nach und weit in die Harmonielehre hinein. Ohne Monteverdi hätten sich also weder Oper noch Lied oder Popsong, weder Sonate noch Solo-Konzert in der Weise entwickelt, wie wir es heute gewohnt sind. Vor allem aber bekommt die Musik mit Monteverdi ein pochendes, menschliches Herz: Sie erzählt von den bleibenden großen Geschichten des Lebens und klingt auch deshalb noch nach 400 Jahren unvermindert intensiv, wie z. B. Paolo Fresùs melancholische Interpretation der Liebesklage „Si dolce è il tormento“ eindrucksvoll belegt. Wie heißt es bei ABBA? „But I have a talent, a wonderful thing/’Cause everyone listens when I start to sing“. Das war auch das große Talent von Maestro Claudio, der im „Orfeo“ die Musik selbst singen lässt: „Ich bin die Musik, die in süßen Tönen jedem aufgewühlten Herz Frieden schenken/Und mit edlem Zorn wie mit Liebe noch die kältesten Seelen in Flammen setzen kann.“ So we say: Thank you for the music, grazie per la musica, divino – oder besser: humano Claudio.